L’histoire démarre avec le réveil du mystérieux guerrier Guin dans la forêt de Rood. Amnésique et avec un masque à tête de léopard fixé magiquement sur son visage, il vient à la rescousse des deux jumeaux héritiers du royaume de Paroh ; Remus et Linda pourchassés par l’armée mongole de Gohra qui vient d’envahir leur pays…

Faisant tout de suite pensé à Berserk (mais aussi à Jyu Oh Sei avec les jumeaux qui ressemblent beaucoup à Thor et son frère) pour le contexte des guerres médiévales (Kentaro Miura avait lui même avoué qu’il puisait principalement son inspiration des romans Guin Saga). Ce premier épisode nous offre un visuel très correct (comme bon nombre de séries de cette saison d’ailleurs) avec un chara-design old-school mais très soigné signé Toshiharu Murata (Hellsing). Sinon rien de particulièrement sensationnel pour l’instant mais on attend la suite pour pouvoir juger.

La direction a été confié Atsushi Wakabayashi, celui-ci avait montré ses compétences lorsqu’il s’est occupé des anthologiques épisodes de Naruto (les 132, 133, 134 et 135). Shôji Yonemura (après Berserk et surtout Death Note) se chargera de la retranscription du scénario de l’œuvre. Enfin pour les musiques, c’est le compositeur des Final Fantasy, Nobuo Uematsu qui s’est promis de mettre un point d’honneur à les écrire. Avec un staff pareil et un récit de base ô combien dense et spirituel, force est d’espérer que la suite saura exploiter toute la dimension mystique de l’œuvre originelle…on croise les doigts quand même !

Réalisée par Shin Itagaki (Devil May Cry, Black Cat) et écrite par Tatsuo Sato (Stellvia, Tokyo Tribe 2), Basquash! est une série qui se veut très visuelle comme un Gurren-Lagann (Itagaki a d’ailleurs réalisé l’épisode 6 de la série). Satelight semble avoir mis les moyens pour ce premier épisode : décors riches, animation démentielle, idées visuelles à foisons, etc. Si l’on excepte des méchas pas forcément bien intégrés à l’ensemble, c’est du tout bon… Sauf que l’on se rappelle que les premiers épisodes de Macross Frontier et d’Aquarion présentaient le même genre d’ouverture techniquement aboutie. Les spectateurs déchantèrent par la suite avec de nombreux épisodes bâclés. Donc, on attendra la suite avant de pleinement juger (surtout que l’abus de fan service dans l’épisode peut devenir vite saoulant à la longue). 13 épisodes sont programmés mais il est fort à parier que la série en comptera le double au final.

Quelques images :

Après la guerre contre les Zentradiens qui ravagea une bonne partie de la Terre, l’humanité a entreprit un plan de colonisation de la galaxie dans le but de préserver l’espèce humaine. 2059, le Macross Frontier, une des colonies terrienne, voyage toujours à travers l’espace à la recherche d’une planète habitable. C’est là que les destins d’Alto Saotome, pilote de Valkyrie, et des deux chanteuses Ranka Lee et Sheryl Nome vont basculer dans une nouvelle guerre contre une espèce extraterrestre nommée Vajra… Bien que moins prolifique que les Gundam, chaque épisode de la saga Macross est attendu au tournant par tous les fans de robot anime. Pour l’occasion, Shôji Kawamori s’est entouré du réalisateur Yasuhito Kikuchi (Saint Seiya, quelques épisodes d’Aquarion et de Noein) et du scénariste Hiroyuki Yoshino (Code Geass, My-HiME). Yoko Kanno, qui avait déjà participé à Macross Zero, s’occupe de la musique et la chanteuse Gabriela Robin (Kanno elle-même ?), des paroles des nombreuses chansons de la série (avec aussi la participation de HAL, Dai Satô…). Le chara design est œuvre de Risa Ebata (Gravion Zwei, Prisma Ark) et Yôichi Takahashi (directeur de l’animation sur Noein), tandis que le mecha design est de Junya Ishigaki (Dragonaut – The Resonance, Macross Zero, Vision d’Escaflowne) et Takeshi Takahura (Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone, Aquarion, Noein). Kawamori avait déjà fait monter la pression avec la diffusion en avant-première du premier épisode en décembre dernier. Une introduction très convaincante et visuellement époustouflante, qui mettait sans nul doute à l’amende la plupart de la concurrence du moment. Si le second épisode confirma un début prometteur (le sauvetage spectaculaire de Ranka), la suite est malheureusement beaucoup moins joyeuse.

Mais attention, cela ne veut pas dire que Macross Frontier est un ratage. C’est même un des tout meilleurs titres de l’année en cours. Il faut juste rabaisser ses attentes et consommer la série de Shôji Kawamori comme un divertissement spectaculaire mais dénué de la moindre prise de risque commerciale. Le réalisateur d’Aquarion souhaitait faire plaisir aux fans, quelque peu déboussolés par l’approche quasi métaphysique de Macross Zero. Ainsi, sont au programme de cet opus à un triangle amoureux entre un pilote surdoué et deux « idols », de nombreux dogfights spectaculaires, des chansons populaires, un vaste complot, etc. Soit tout ce qui a fait le succès de la série originelle en 1982. Bien sûr, l’époque a changé, le style musical n’est plus le même, le phénomène moe s’invite (Ranka, assez insipide), tout comme l’humour au ras du bitume à coup de vol mystérieux de petite culotte. Macross Frontier fait ainsi preuve d’un manque de maturité évident quand il ne saborde pas les bonnes idées mises en place. Pourquoi, par exemple, faire systématiquement baisser la tension et détendre l’atmosphère après chaque bataille ? Plus occupé à élaborer les pièges de Lelouch, Hiroyuki Yoshino ne semble pas avoir pris ce nouveau Macross avec le sérieux et le respect qui s’accompagnent. Toutefois, pour caresser dans le sens du poil le fan de base, la série est parsemée de petites références dont un épisode entier centré sur le tournage d’un film narrant les évènements décrits dans Macross Zero. Une mise en abîme intéressante de prime abord mais qui au final tient plus d’un coup de coude complice. Le tiraillement d’Alto entre son rêve de parcourir le ciel aux commandes d’un Valkyrie et celui de son père, qui voudrait que ce dernier poursuive la voix familiale du théâtre, s’avère assez mal exploité. On ne saura jamais si le fils et le père se réconcilient, l’intrigue étant complètement mise de côté avant la fin.

Mais voilà, la déception de ne pas avoir une nouvelle référence passée, Macross Frontier reste un titre très addictif et jamais ennuyeux. On suit d’un côté le parcours d’Alto au sein de l’armée et de l’autre les carrières musicales de Ranka et Sheryl. Viennent se greffer autour du triangle de héros une kyrielle de personnages tous traités avec le soin qu’il se doit (sauf peut-être Luca et l’horripilante Nanase). On pense par exemple au couple Michel Blanc (non pas de Jean-Claude Dusse à l’horizon) et la Zentadienne Klan. Michel est le meilleur ami/rival d’Alto et surtout sniper émérite vivant dans l’ombre de la trahison de sa sœur. L’épisode centré sur lui (Tir ami) est sans aucun doute un des meilleurs de la série. Mais revenons à notre trio qui entretient une relation complexe, souvent forte et dont chaque membre suit une évolution à l’issue incertaine. Impossible de ne pas penser à Lynn Minmay en voyant Sheryl Nome, dont la voix n’a d’égale que sa beauté. Son concert d’adieu monté en parallèle avec la première grosse bataille spatiale est l’un des nombreux morceaux de bravoure de l’animé. Shôji Kawamori et son équipe tirent le meilleur parti des CGI pour les séquences d’actions. Exit les approximations d’Aquarion, Macross Frontier renoue avec la virtuosité et le dynamisme de Macross Zero. Dommage que l’espace ne donne par les mêmes sensations vertigineuses qu’une atmosphère de planète. Cependant, il faut voir le nombre ahurissant d’éléments à l’écran lors de la bataille finale. Sans être la révolution promise pour cause de réalisation très inégale suivant les épisodes (certains ont été finalisés en urgence…), Macross Frontier est un des meilleurs exemples actuels d’utilisation réussie des CGI avec l’animation 2D traditionnelle. On notera au passage que le concepteur des décors n’est autre que Stanilas Brunet, frenchy fraîchement débarqué chez Satelight et qui a notamment participé aux OAV Hellsing.

Et la musique dans tout ça ? Elle tient une importance considérable dans la saga et cet opus n’échappe pas à la règle. Véritable symbole d’unité et d’espoir, les chansons de Sheryl et Ranka dépassent le cadre de simples tubes commerciaux. Le titre phare de Ranka (le très beau Aimo) permettra même à l’armée de combattre les Vajra avec plus d’efficacité. La chanson possédant un pouvoir de confusion qui affole les créatures. Mais surtout, ce sont les émotions des personnages qui sont véhiculés au travers des paroles et de la musique (Yoko Kanno fait encore une fois des miracles). Ainsi par exemple, le duo improvisé de Sheryl (May Nakabayashi) et Ranka (Megumi Nakajima) sur What about a Star est une superbe déclaration d’amour envers Alto. Il est juste regrettable que le triangle amoureux n’aboutisse à rien au final, encore une fois pour ne pas trop bousculer les partisans des deux côtés. L’annonce récente de la mise en chantier d’un long-métrage pourrait relancer l’intrigue sentimentale même s’il n’est pas à excepter que ce dernier soit un résumé des 25 épisodes. À l’instar de Gundam, Macross reste encore trop méconnu en France (d’ailleurs Macross 7 est toujours inédit…) ou alors uniquement par le biais de Robotech, version américanisée de la première série. Espérons que Macross Frontier change quelque peu la donne lorsque la série débarquera chez nous. Cette immense saga mérite mieux que ça.

En 1999, un gigantesque vaisseau extra-terrestre, le Macross, s’écrase sur Terre et révèle à l’humanité une technologie très avancée. Mais de peur d’être attaqué un jour par d’hostiles envahisseurs, le Gouvernement des Nations Unies de la Terre est créé dans le but de protéger la planète. Seulement voilà, de nombreuses nations sont en désaccords avec ce projet et une guerre éclate entre deux clans distincts : les UN et les Anti-UN. Neuf ans plus tard, Shin Kudô est un jeune pilote surdoué de F-14 des forces gouvernementales. Lors d’une mission de routine, son avion est abattu au dessus de l’océan par un appareil non identifié. Recueilli par les villageois de Mayan, une petite île paradisiaque, Shin fait la connaissance de Sara Gnome, la prêtresse locale. Mais l’accueil est froid et cette dernière exige qu’il quitte l’île dès son rétablissement. En effet, l’île renferme la réponse à la chute du Macross, chose que recherchent les UN et les Anti-UN depuis longtemps… Macross Zero n’est pas la suite de Macross 7 mais comme son nom l’indique une préquelle à la série originelle de 1982. Un exercice de style plutôt casse-gueule puisque le spectateur connaît déjà le background de l’histoire. Qui plus est, Kawamori et son scénariste attitré Hiroshi Ohnogi (Arjuna, Noein et Aquarion) optent pour un traitement adulte aux multiples degrés de lecture et aux thématiques fouillées. On est donc bien plus proche d’un Macross Plus que du commercial mais ludique Macross 7. S’ouvrant sur une impressionnante séquence de bataille aérienne, Macross Zero est aussi et surtout une authentique révolution technique. Dès les premières secondes, on s’en prend pleins les mirettes. Même si aujourd’hui, les incrustations numériques paraissent quelques peu datées, la fluidité de l’ensemble et l’animation sont tout bonnement exceptionnels.

La liberté que procurent les CGI permet à Shôji Kawamori d’expérimenter une mise en scène dynamique qui relève du jamais vu en animation. Outre les plans vertigineux, les angles de vues nous placent souvent au cœur même de l’action (celles du cockpit sont saisissantes). Kawamori utilise le « zoom agressif » et autres effets de caméra portée propre aux reportages sur le vif et utilisés à foisons depuis quelques temps à Hollywood : notamment sur les deux derniers Jason Bourne ou dans la série Battlestar Galactica pour prendre un exemple d’utilisation digitale du procédé. Alors Macross Zero, précurseur de cette tendance ? Cela se pourrait bien. Cependant, il ne faudrait pas réduire ces OAV à une simple démo technologique tant le fond fait preuve d’une étonnante densité malgré la courte durée. Pamphlet antimilitariste, fable écologique, voyage initiatique, choc des cultures entre traditionalisme et modernité… Macross Zero reprend les thèmes de la saga en ajoutant une touche personnelle indéniable. Shin, le héros, découvre l’univers fascinant de Sara, belle prêtresse, ancrée dans des dogmes ancestraux incompréhensibles pour le jeune citadin. Réticent au départ, Shin va peu à peu comprendre l’amour que porte la jeune femme à la nature et la vie (voir la magnifique séquence de chant à la fin de deuxième épisode). Un discours écologique classique, voir éculé dans l’animation japonaise, mais qui s’intègre parfaitement à celui antimilitariste montrant « l’homme moderne » utiliser la technologie dans le but de détruire au lieu de préserver. Macross Zero nous donne aussi l’occasion de revoir Roy Fokker (toujours doublé par l’immense Akira Kamiya), un des personnages principaux de la première série Macross. Sa relation touchante avec Aries Turner sonne même plus juste que celle entre Shin et Sara (voir la séquence tragi-comique de la mine).

Une réalisation virtuose, expérimentale et innovante. Un fond subversif qui oblige le spectateur à réfléchir sur des sujets qui n’ont jamais été aussi d’actualité que maintenant. Macross Zero, c’est tout ça et seulement en cinq misérables épisodes (et encore, je n’ai pas évoqué les mémorables partitions musicales de Kuniaki Haishima). Il n’y a que la présence d’un sidekick black increvable, gros cliché du cinéma américain des 80-90’s, qui est finalement regrettable dans le lot. Mais cela n’empêchera pas Macross Zero d’être un chef-d’œuvre indiscutable ! Une œuvre phare qui malheureusement reste inédite en France à cause d’une sombre histoire de droits bloqués. Aujourd’hui, la saga reprend son envol avec la nouvelle série tant attendue, Macross Frontier, qui débute sous peu au Japon. La balle est dans le camp de Satelight et Shôji Kawamori, qui, sur le format de 26 épisodes, n’ont pas encore su tenir leurs promesses (Aquarion c’est quand même naze en y repensant).

Quinze années dans le futur, une guerre oppose Lacryma à Shangri-La, deux dimensions parallèles. Pour mettre fin au conflit, les dirigeants de Lacryma envoient les « Dragons », des guerriers d’élite aux pouvoirs extraordinaires, dans le passé. Ils ont pour mission de trouver le Torque du Dragon (ou Collier du Dragon), un être censé faire pencher la balance définitivement. Au Japon de nos jours, Haruka, Yuu, Isami, Miho et Ai forment un groupe d’amis soudés. Un soir, alors qu’ils se promènent dans le cimetière du coin à la recherche d’éventuels fantômes, ils tombent sur Karasu, un des Dragons de Lacryma. Haruka, la jeune écolière de 12 ans, découvre alors qu’elle est l’objet de tous les désirs… Comme vous pouvez le constater, le postulat de départ de Noein est d’un classicisme effarant. Les univers parallèles et autres voyages temporels ont souvent été le sujet de nombreuses œuvres cinématographiques et télévisuelles (notamment en animé). Si l’on peu apprécier l’approche scientifique du multivers (par le biais des théories de la physique quantique), la plupart des thèmes développés ont été maintes fois exploités en japanime (danger de la technologie, quête des souvenirs perdus ou encore les décisions à prendre dans sa vie et leurs conséquences). D’autant plus que ces derniers sont traités de manière académique au sein d’un récit trop manichéen (d’où la désagréable impression d’assister à un sous-Matrix). La faute revenant aux dictats commerciaux imposés par Satelight au réalisateur d’Escaflowne : cibler un public adolescent, aussi bien féminin que masculin (avec les désormais traditionnels « je vais devenir plus fort pour te protéger » de shônen qu’on entend au moins trois fois par épisode) privant ainsi Noein du statut d’œuvre de maturité (et mature par la même occasion).

Finalement, si l’on enlève la niaiserie ambiante de Aquarion, Satelight refait les mêmes erreurs et saborde un animé qui aurait pu devenir une nouvelle référence. Mais malgré ses nombreuses tares, la série de Kazuki Akane (et Hiroshi Ohnogi, scénariste sur Macross Zero, Eureka 7 et… Aquarion) sauve les meubles de bien belle manière sur une bonne partie de sa durée. Grâce notamment à la galerie de jeunes héros, dégageant de leurs interactions un sentiment de nostalgie palpable. Les auteurs ont opté pour des portraits réalistes de ces enfants. Ainsi, chacun doit affronter les démons qui l’entourent (les affres de la vie) comme l’absence du père (chez Haruka et Yuu) entraînant des problèmes de communications au sein du cocon familial (Yuu et sa mère). Même si certaines scènes sont redondantes (Yuu qui fugue…), Noein s’inscrit dans un registre intimiste et réaliste fortement appréciable. En parallèle, l’animé nous présente d’authentiques figures guerrières iconiques nommées Dragons (qui possèdent tous des noms d’oiseaux). Karasu, Fukurou et surtout Atori (excellente prestation, à la fois démoniaque et touchante, de Kenichi Suzumura) et les autres représentent le dernier espoir d’une humanité sur le point de disparaître. Si la présence de ces soldats du futur nous permet d’assister à des affrontements jubilatoires (Bleach et Naruto viennent de prendre 10 ans d’âge), certains devront faire face à leur double temporels (Karasu et Noein, le leader de Shangri-La, sont tous deux Yuu avec 15 ans de plus !). Dès lors, Karasu va trahir son camp pour protéger Haruka (qui aurait dû finir en légume pour sauver Lacryma) devenant ainsi un père de substitution pour la jeune fille. Parmi bonnes idées que nous offre Noein, on peut citer la surprenante disparition de l’un des principaux protagonistes en milieu de série et l’évolution scénaristique d’Atori, passant du psychopathe caricatural au bisounours attachant.

Si le script s’avère assez brouillon et trop souvent tiré en longueur (il y a bien 8 épisodes en trop), il est heureusement transcendé par une mise en scène inventive et efficace dès que l’action se met en route. Kazuki Akane est bien le maître à bord, mais il pourra remercier Shoji Kawamori (storyboardeur sur l’épisode 20), Shinichiro Watanabe (storyboardeur sur l’épisode 22 et son flash-forward nihiliste sur le futur destin de nos héros) et surtout Kazuhiro Furuhashi (storyboardeur sur l’épisode 12 et son hallucinant combat) pour leur travail graphique exceptionnel (comme les effets de style crayonnés). De même, le chara design de Takahiro Kishida (Serial Experiment Lain) risque de vous surprendre avec un style plus proche des productions américaines que japonaises. Enfin, on citera aussi une bande originale marquante aux consonances épiques et lyriques signé Hikaru Nanase (Scrapped Princess et Chrno Crusade). En soit, même si la série se tire plusieurs fois la balle dans le pied pour céder aux sirènes commerciales, Noein est un titre de qualité permettant au studio Satelight de préparer le terrain en vu de futurs chefs-d’œuvre. Du moins, on l’espère.

Dans un futur proche, les humains font face a une terrible menace depuis maintenant 11 ans : les Anges Déchus, des créatures mythiques ailées revenues purifier la Terre après 12 000 ans d’absence. Ils attaquent les cités humaines et kidnappent leurs habitants pour drainer le « prana », l’énergie vitale permettant de restaurer l’Arbre de la Vie. Pour les contrer, de jeunes adultes venu du monde entier et dotés de pouvoirs spéciaux ont été entraînés à piloter les Vector, trois vaisseaux, qui une fois fusionnés, forment l’arme ultime de l’humanité : Aquarion, un mécha surpuissant. Parmi ces pilotes, il y a Apollo, un garçon de la rue qui pourrait être la réincarnation de Apollonius, un Ange Déchu que l’on surnommait « Les Ailes du Soleil » et qui trahit son clan pour l’amour d’une humaine lors du premier conflit. Apollo et ses amis vont tout faire pour battre les Anges et ainsi sauver la Terre. Puéril, crétin, couillon, que d’adjectifs pour qualifier Aquarion. Alors qu’une bonne majorité des séries méchas actuelles font preuve d’une étonnante maturité (Eureka Seven, Fafner et même la dernière saison de Full Metal Panic!) celle de Kawamori s’obstine à cibler un public jeune en majorité, quitte à livrer une œuvre totalement aseptisée (vive les impératifs commerciaux !). Par exemple, on déplorera que la comédie prenne souvent le pas sur le récit guerrier et apocalyptique. Ainsi, l’humour (infantile) désamorce à de nombreuses reprises toute tension dramatique (on cause bien de la fin du monde là !). La faute à un scénario faiblard accumulant les poncifs, les personnages caricaturaux (Sirius, Apollo et la présidente du fan club « Oni-samaaaaa », je veux bien sûr parler de Silvia), les dialogues affligeants, les références mythologiques clairement présentes pour décorer et SURTOUT les idées débiles (le pilotage orgasmique, le personnage de Pierre Vieira). On espérait un nouveau Macross, au lieu de ça on obtient une adaptation animée de Furtif, le nanar de Rob Cohen.

Aquarion s’inspire énormément de Evangelion (on a même l’ersatz de Gendô Ikari et de Ritsuko Akagi), comme une bonne partie des séries méchas, mais aussi de… Goldorak et des sentaïs (Bioman et compagnie). Les pilotes crient leurs attaques (toutes plus débiles les unes que les autres) comme au bon vieux temps et un sentiment de nostalgie touchera le spectateur des années 80 (les autres risquent de trouver cela ringard et ils n’auront pas forcément tort). En parlant de sentaï, Aquarion semble avoir le même schéma scénaristique, c’est-à-dire une succession d’affrontements palliant une histoire très mince. En effet, le background est presque inexistant. Les Anges attaquent les villes, pourtant jamais Kawamori ne s’intéresse à la population et aux répercutions des attaques. Ainsi, à chaque épisode (au bout d’une vingtaine, ça commence à devenir lassant) nous avons droit à des scènes intimistes (chiantes) au camp de base des pilotes et à un combat de méchas (souvent très fun car bien emballé). Aquarion ne devait-il pas être un projet ambitieux au départ ? Pourtant, l’animé est inattaquable sur sa forme : les décors sont superbes, ils foisonnent de détails, de couleurs. À l’instar de Macross Zero, Shôji Kawamori utilise avec parcimonie les images de synthèses (la spécialité du jeune studio Satelight) et les idées visuelles sont nombreuses (la digression graphique de l’épisode 19 notamment). On regrettera juste que l’animation manque de fluidité dès que le nombre de CGI devient trop important à l’écran. Les combats sont furieux, très chorégraphiés (chose inédite pour une série mécha !), la caméra est mobile et on jubile, pour un court moment… Enfin, Yoko Kanno (et Hisaaki Hogari) nous ferait presque aimer la série grâce à une OST de très grande classe : envolées lyriques, chœurs, on dirait presque du John Williams (un thème très proche du désormais mythique Duel of The Fates).

La forme est donc clairement privilégiée sur le fond. Shôji Kawamori semble s’être uniquement occupé de livrer un spectacle technique ébouriffant (un blockbuster quoi), quitte à de prendre de risque de la ringardisation (l’influence 80’s) et à raconter du vide. Une rumeur parle d’une éventuelle suite pour l’automne de cette année. Reste à voir quel sera le format (film, série ou OAV ?). Personnellement, je serais intransigeant et je dirais : « Nenshin – Gattai – STOP, AQUARION ! ».