Kaiji Itô est un raté. Vivant dans un petit studio minable à Tokyo et incapable d’avoir un emploi stable, il passe son temps à perdre son argent aux jeux ou autres paris. Un jour, il reçoit la visite d’un mafieux car il se serait porté garant des dettes d’un ami par le passé. Non seulement Kaiji a une vie de merde mais en plus il se retrouve endetté d’une lourde somme ! Toutefois, on lui propose une alternative qui lui permettrait d’effacer son ardoise : participer à un jeu clandestin durant une nuit sur un paquebot nommé « Espoir ». Kaiji accepte la proposition. Les ennuis ne font que commencer… Kaiji est la troisième réalisation de Yuzo Sato après l’OAV Bio Hunter et… Akagi bien sûr (il a depuis fait One Outs aussi). Sato fut aussi animateur clé sur Ninja Scroll et The Sky Crawlers, ainsi que storyboardeur sur Death Note, Claymore et Gungrave (la crème des productions récentes Madhouse). Bref, un habitué des adaptations de manga à succès, doublé d’un connaisseur de l’univers de Fukumoto. Soit le candidat logique pour Kaiji. Il retrouve ainsi son scénariste d’Akagi, Hideo Takayashiki (aussi auteur de Rideback, One Outs, Master Keaton, Maison Ikkoku, Ashita No Joe 2…) et le seiyû Masato Hagiwara qui interprétait déjà le personnage d’Akagi (et Tôa Tokuchi One Outs). Kaiji est scindé en deux arcs (attention la suite dévoile l’intrigue). Le premier couvre les neuf premiers épisodes et se déroule à l’intérieur du paquebot Espoir. Notre héros va devoir jouer au janken restreint, une sorte de pierre-feuille-ciseau avec des règles bien précises. Un jeu simple en apparence, mais qui se révèle bien plus complexe en réalité. Les anciens profitent de l’inexpérience des noobs pour les arnaquer (dont ce pauvre Kaiji). Différents clans se forment et tentent des stratégies plus ou moins astucieuses (Kaiji trouve deux associés en cours de route). Et enfin, l’argent distribué en début de partie devient un atout considérable (Kaiji s’en sert pour acheter des cartes).

Une chose est sûre, la croisière ne s’amuse pas ici. Le temps est limité (quatre heures) et la défaite synonyme de mort. Ou peut-être pire encore (esclave à vie pour les yakuzas ?). Le doute plane sur le sort des perdants, qui finissent nus comme des vers dans une salle sombre (Kaiji ira y faire un tour pour s’y échapper dans un ultime sursaut d’orgueil). La seconde partie est encore plus machiavélique avec trois nouvelles épreuves : une traversée au-dessus du vide sur des poutres, une partie de cartes contre l’organisateur et enfin pour finir, un jeu de hasard contre le big boss des yakuzas. Autant vous dire que le chemin est parsemé d’embûches pour le pauvre Kaiji. Surtout lorsqu’il verra ses camarades faillir les uns après les autres ! On pourrait classer Kaiji dans le même panier qu’un Death Note et Code Geass, soit de purs thrillers fonctionnant sur leur rythme trépidant, de multiples coups de théâtre et sur la bataille psychologique que se livre le personnage central. De même, chacune de ces séries disposent d’un sous-texte intéressant : la justice pour Death Note et la place de la jeunesse dans notre société pour Code Geass. Pour Kaiji, c’est le pouvoir de l’argent. Logique lorsque l’on parle de jeu. Toutefois, l’œuvre de Fukumoto se démarque pour son approche plus adulte (les tics du shônen sont soigneusement évités), voir carrément nihilistes par moment. Les individus engagés dans ces paris absurdes ne sont pas considérés comme des êtres humains. Kaiji découvre durant l’épreuve des poutres, qu’ils sont en réalité les jouets de richissimes personnalités. Le but principal n’est pas de gagner le gros lot, mais plutôt de divertir par le biais d’un spectacle dangereux et surtout dégradant. Série quasiment parfaite sur les quinze premiers épisodes, Kaiji montre des faiblesses dans sa dernière ligne droite. La triche fait son apparition de manière quelque peu absurde (l’émetteur qui mesure les pulsations cardiaques), le suspense vire au torture porn gratuit à la Saw (Kaiji met en jeu son ouïe, puis après ses doigts) et le propos perd en subtilité (les discours redondants de Tonegawa sur le fossé séparant les riches/puissants et les pauvres/ratés). On a frôlé de peu le chef-d’œuvre.

La personnalité très travaillée de Kaiji doit une grande part à la réussite de la série. Loser immédiatement sympathique (au début il crève les pneus du mafieux qui va lui rendre visite sans savoir que c’est sa voiture), Kaiji est beaucoup plus intelligent qu’il ne le laisse paraître. Durant la partie sur l’Espoir, il devient rapidement un leader et établi une stratégie de jeu que peu d’individus auraient pu mettre en place. Toutefois, Kaiji est trop gentil. C’est sa nature. Après la trahison de son ami Ando, il continuera à avoir confiance en lui, sachant pertinemment que ce dernier pourrait lui refaire le coup. De même, s’il se considère comme un raté, Kaiji devient un tout autre homme avec des cartes en mains. Quelqu’un capable de prendre des risques insensées car il est persuadé que ses coups sont infaillibles. Ce qui le mènera à sa perte au vu de son état à la fin de la série (pourtant il ne semble pas découragé pour autant). Comme on l’évoquait en début d’article, Fukumoto avoue être mauvais en dessin. Dommage alors que Madhouse n’ait pas mis un peu plus les moyens pour mieux faire passer la pilule. Le chara design de Masato Hagiwara (directeur de l’animation sur Claymore) est trop fidèle à l’œuvre d’origine, les métaphores visuelles censées décrire l’état mental des personnages sont ringardes et l’animation rudimentaire au possible. Heureusement, la bande son rattrape le tire avec un très bon score de Hideki Taniuchi dans la lignée de son travail sur Death Note. Kaiji étant une série très bavarde, le doublage devait absolument être une réussite. Ce qu’il est grâce à Masato Hagiwara dans le rôle du héros principal mais aussi Hakuryuu dans celui du diabolique Tonegawa (qui chante aussi l’ending) et Fumihiko Tachiki (Gendô Ikari dans Evangelion et Bunji Kugashira dans Gungrave) dans celui du narrateur. En effet, les épreuves de Kaiji sont commentées, ce qui donne un côté « sportif  » à l’ensemble tout en intensifiant le suspense déjà très présent.

Si vous arriverez à passer au delà du chara design, vous allez à coup sûr avoir envie de finir Kaiji d’une traite tant la série est addictive. On regrettera juste que la seconde partie soit inférieure à la première (comme pour Death Note !) et que la critique sociale n’ait pas les arguments suffisants pour être totalement crédible. Même si toutefois, la vision désespérée de l’être humain donnée par Fukumoto mérite le coup d’œil tant elle tranche avec le reste de la production d’animés. Madhouse a annoncé depuis la mise en chantier d’une nouvelle saison, on peut donc espérer une diffusion pour 2010. Zawa Zawa en attendant.

Seconde partie du dytique de Takashi Miike, Crows Zero 2 nous ramène dans le lycée Suzuran. Genji Takaya a mis un terme à la guerre des gangs en battant tous les leaders. Mais une nouvelle bataille s’annonce lorsque le lycée rival, Housen, dirigé par Taiga Narumi, leur lance un nouveau défi…

Pour jouer, il vous suffit de donner les réponses aux questions suivantes (attention, ce n’est pas simple !) et d’envoyer le tout à zak.animefr@gmail.com :

1. Hormis les deux Crows Zero, citez un autre film de Takashi Miike ?

2. Shun Oguri qui joue Genji Takaya, le héros de Crows Zero 1 & 2, a aussi officié comme doubleur pour des animés (notamment chez Bones). Citez au moins un titre auquel il a participé ?

3. Qui est l’auteur du manga Crows ?

Question subsidiaire : combien de personnes vont jouer à ce concours ?

Le concours prendra fin le 17 novembre à minuit et les gagnants seront départagés avec la dernière question.

Bonne chance !

Kôichi Hayase est un lycéen chahuté depuis l’enfance par des voyous. D’un naturel plutôt calme et tranquille, il préfère se plier à leur bon vouloir au lieu de riposter. Cette attitude exaspère sa meilleure amie Risako qui intervient pour l’aider avec l’aide de Yajima, un autre ami d’enfance de Kôichi. Un jour, un mécha, le Linebarrel, tombe du ciel juste à l’endroit où se trouvait ce pauvre Kôichi. Après avoir perdu connaissance, le jeune garçon se réveille dans un cratère au côté d’une femme nue répondant au nom d’Emi Kizaki. À peine trouve-t-il le temps de la ramener chez lui que la ville est attaquée par une armée de robots géants appartenant à un groupuscule terroriste nommé Kato-Kikan. Emi demande alors à Kôichi de l’aider. C’est ainsi que notre héros se retrouve aux commandes du Linebarrel. Il va alors prendre confiance en lui et battre ses ennemis facilement. Kôichi va alors s’attirer les convoitises de la Juda, une organisation militaire chargée de la protection de la Terre qui agit en sous-marin en se faisant passer un fournisseur de médicaments. Mais aussi de la Kato-Kikan, qui aimerait surtout récupérer le Linebarrel… Cette histoire d’adolescent obtenant un grand pouvoir n’est guère nouvelle. C’est quasiment la base de tous les shônen, sauf qu’ici, l’approche du genre semble parodique. Koîchi est, en quelque sorte, un Lelouch crétin qui s’autoproclame « héros de la justice » sans se rendre compte de l’importance de ce rôle. Un neuneu qui arrive à être détestable en plus, lorsqu’il devient aussi mauvais que les voyous qui lui rendaient la vie dure jadis. Bref, il a beau être con notre Koîchi, il est aussi plus intéressant que les héros positifs habituels (toutefois il rentrera dans le rang bien trop rapidement). Linebarrels of Iron est réalisé par Masamitsu Hidaka, habitué des Pokémon, puisqu’il en est le réalisateur attitré ! Ok, ça ne donne pas trop envie. Etant donné que le manga n’est pas terminé, la série diffère de ce dernier. Mais au lieu de virer de bord en cours de partie comme sur le très bon Bokurano, Linebarrels of Iron part dans une autre direction et ce, dès le départ. Même le design des personnages change puisque l’on retrouve le trait habituel d’Hirai (assez foiré, au passage) au lieu de celui d’origine.

Linebarrels of Iron s’inspire de beaucoup de hits récents. Code Geass pour les coups de théâtre fracassants (celui de l’épisode 22 est pas mal dans son genre), Gurren Lagann pour l’exubérance de certains affrontements et la franchise Gundam pour le sous-texte politique en toile de fond (en mode simplifié toutefois, voir simpliste). Il n’est pas étonnant alors de voir que l’un des scénaristes (Shigeru Morita) avait travaillé sur Mobile Suit Gundam Seed et sa suite Destiny. On mélange toutes ces influences et y rajoute la touche « Gonzo » : du bon gros fan service dans toute sa subtilité. Comme nous l’avions précisé plus haut, la comédie (à connotation parodique ou non) occupe une bonne partie de la première moitié de la série. Malgré les enjeux importants (protéger la Terre de la Kato-Kikan), rien ne semble pris au sérieux par personne. Ainsi nos héros préfèrent aller à la plage ou se saper en cosplay au karaoké au lieu de se préparer au combat. Tandis que le directeur de la Juda fait continuellement le pitre (Jôji Nakata, en grande forme). Tout ceci est bien évidemment un prétexte dans le but de montrer les atouts généreux des personnages féminins. En maillots de bain, combinaisons moulantes et même en mère noël, tout y passe (même le bondage avec les tentacules d’une pieuvre géante !). Le héros est forcément décrit comme un pervers (souvent contre son gré), ce qui ne l’empêche pas de s’attirer les faveurs de toutes les filles de la Juda. Un vrai tombeur, soit l’avatar fantasmé de tout otaku qui se respecte. On peut comprendre alors que les fans du manga tirent la gueule devant l’animé. Mais avouons-le, certains passages sont tordants pour peu que l’on soit de bonne humeur à ce moment-là. En effet, Linebarrels of Iron n’oublie jamais d’être ludique. C’est en quelque sorte sa principale force (son unique ?). Et même si la seconde moitié verse dans la série mécha classique, les rebondissements relancent systématiquement la machine… tout en cachant les trous béants du scénario.

Après les fulgurances de Blassreiter (et Gantz juste avant), on attendait fébrilement ce que nous préparait Ichiro Itano aux effets spéciaux. Malheureusement le réalisateur Masamitsu Hidaka n’utilise jamais la 3D à bon escient. Ainsi, les séquences d’action auraient eu le même impact avec de l’animation 2D traditionnelle. Dommage, Linebarrels of Iron passera inaperçu dans le flot des séries mécha malgré son statut d’honnête divertissement, quelque peu couillon. Mais divertissant, soulignons-le.

Contrairement à Darker than Black : Kuro no Keyakusha, l’intrigue semble cette fois suivre le personnage Suou Pavlichenko. Hei se retrouve à priori en protagoniste secondaire. Reste à espérer que cela n’ait pas d’impact négative sur le scénario. Au staff on retrouve le célèbre Tensai Okamura (Wolf’s Rain) à la direction, la génialissime Yoko Kanno (Cowboy Bebop, Macross Frontier) se désiste de la composition des musiques pour laisser sa place à un nouveau : Yasunori Ishii. On notera aussi la présence d’Hiroyuki Yoshino (Code Geass, Macross Frontier, My-Hime) parmi l’équipe de scénaristes. Les deux premiers épisodes nous entraînent très vite au cÅ“ur de l’action, avec l’affrontement entre le syndicat et les pactisants et l’arrivée de nouveaux personnages tel que le jumeau de l’héroïne qui semble être le principal antagoniste. Espérant juste que les scénaristes n’ont pas chaumé pendant ces deux dernières années. L’optimal serait qu’ils nous aient préparé une saison au moins aussi jouissive que la première tout en comblant les défauts de celle-ci !

Quelques images :

Fairy Tail se déroule dans le pays de Fiore où l’utilisation de la magie est devenue monnaie courante. Les magiciens se font appeler Madôshi et ils appartiennent à des guildes différentes, dont la plus réputée est Fairy Tail. L’histoire est centrée sur les missions d’un groupe de Madôshi composé de Natsu, Lucy, Happy, Erza et Grey. L’adaptation du manga a été confiée à un spécialiste du genre : Masashi Sogo, déjà au même poste sur Bleach (on lui doit aussi Gantz, GTO ou encore Full Metal Panic!). Storyboarder sur plusieurs productions Bones (FMA : Brotherhood, Darker than Black, Soul Eater) et réalisateur de Tokyo Demon Campus, Shinki Shihira dirige le tout. Démarrage classique part une présentation rapide et efficace de l’univers et des héros. Le visuel général, très coloré, évoque beaucoup celui de One Piece, les mages remplaçant les pirates… Quoique pas tout à fait puisque les méchants de ce premier épisode sont des pirates justement ! Aucune originalité à signaler mais le rythme est soutenu (avec en prime une baston impressionnante à la fin) et les mimiques des personnages sont très drôles. Avec déjà 17 volumes disponibles au Japon (et ce n’est pas fini), la série est bien parti pour faire au moins la centaine d’épisodes. Faut espérer maintenant que ce sera mieux que Rave Master, première transposition d’un manga d’Hiro Mashima (51 épisodes entre 2001 et 2002).

Passons maintenant à Letter Bee. Dans les territoires de l’Amberground, la nuit est éternelle et des monstres-insectes infestent les régions les plus pauvres. Gauche est un Letter Bee, c’est-à-dire un responsable de l’acheminement du courrier. Un jour, il trouve curieux colis : un enfant du nom de Lag dont la mère a disparu. Ils partent ensemble à sa recherche… Akira Iwanaga (réalisateurs d’épisodes sur Bleach et Saiyuki Reload) réalise, tandis que Tetsuya Oishi (scénariste du second film Death Note) s’occupe de l’adaptation. Contrairement à Fairy Tail, Letter Bee nous plonge dans un monde obscur plus original et recherché (le concept des « facteurs », l’absence de jour, les armes des Bees). Le rythme est plus posé, plus contemplatif aussi avec des passages oniriques en guise de flashbacks. L’absence d’humour est même surprenante pour le genre. Reste à voir comment va évoluer la relation entre les deux héros et si le scénario proposera autre chose d’un simple voyage initiatique. Démarrage satisfaisant pour les deux séries, en somme.

Quelques images de Letter Bee :

Cecile Campbell, la fille d’un noble, est devenue chevalier dans le but de protéger les démunis. Elle recherche un forgeron qui serait capable de réparer la vieille épée qu’elle a héritée de son père. Un jour, alors qu’elle essaye d’arrêter un chevalier devenu fou, elle est sauvée in extremis par un jeune homme. Bien qu’étant un expert dans le maniement de l’épée, Luke Ainsworth est aussi un forgeron surdoué… The Sacred Blacksmith démarre mal dans le sens où Manglobe est allé chercher le réalisateur de Linebarrels of Iron et Pokémon pour cette adaptation. Tandis que le scénario a été confié à Masashi Suzuki, auteur des deux premières saisons de La Fille des Enfers. Autant vous dire que cela ne risque pas trop d’être une Å“uvre personnelle mais plutôt un bon gros projet commercial ayant pour but de remplir les caisses du studio. Après tout, Manglobe peut se le permettre après trois titres visant plutôt un public plus restreint. Après, nous ne sommes pas à l’abri d’une surprise. Le premier épisode possède une qualité d’animation et un chara design au-dessus de la moyenne. Dommage que le visuel général manque de personnalité et ressemble à n’importe quel série lambda d’heroic fantasy. De plus, l’héroïne est déjà à baffer (mais son armure – qui ne protège que la poitrine – est sympa) et le coup du héros arrogant qui sauve la faible sympa… c’est du déjà vu 1000 fois (de trop). 12 épisodes sont programmés pour l’instant, mais étant donné l’unique volume du manga disponible, il est possible que la série soit courte.

Quelques images :

Au XIIème siècle, dans une des nombreuses forêts du Japon, le seigneur Kuro est sorti vaincu du conflit contre son frère, le shôgun et fondateur de Kamakura. Il fuit alors, à travers les montagnes, accompagné par son serviteur, Benkei. Ils arrivent alors devant une maison dans un endroit reculé de la forêt. Benkei décide de demander l’hospitalité pour la nuit afin que Kuro, blessé, puisse récupérer. Ils découvrent alors que le propriétaire de la maison est une jeune femme d’une beauté exceptionnelle nommé Kuromitsu. Elle accepte de les héberger le temps qu’ils souhaiteront, mais en contrepartie, elle leur demande de ne jamais s’approcher de sa chambre se trouvant de l’autre côté de la maison. Alors que Benkei est parti acheter des médicaments pour son maître, d’autres assassins font leur apparition pour éliminer Kuro. Avec l’intention de protéger Kuromitsu, ce dernier se dirige vers sa chambre bravant de ce fait l’interdit. Le secret qui lui est alors révélé changera de manière irrémédiable sa destinée. Des liens, que même le temps ne peut rompre, se créeront ainsi entre les deux amants amenés à souffrir continuellement… Débutant sur les chapeaux de roues (réalisation au top et cliffhanger démentiel à la fin du deuxième épisode), Kurozuka s’essouffle rapidement. La faute à un script qui manque singulièrement de consistance. Alors que les combats s’enchaînent, sans enjeux réellement justifiés, le fond se retrouve totalement négligé. Notamment la fameuse histoire d’amour, ce qui est plutôt gênant puisque c’est le sujet principal. Pareil pour les personnages secondaires qui ne servent pas à grand-chose. Ils meurent comme de simples déchets au fil des épisodes, amis comme ennemis, et on s’en moque éperdument. Enfin, on saluera les retournements de situations prévisibles comme la trahison de Kuon. Kurozuka rappellera en outre, le dernier opus de Yoshiaki Kawajiri, à savoir Highlander : The Search for Vengeance, pour l’histoire des immortels, mais aussi et surtout pour le cadre post-apocalyptique. Mais on pensera aussi à Ninja Scroll, Claymore ou encore Gungrave (avec un simili-Beyond the Grave en la personne de Kuon).

La série cite les autres à foisons, tout en oubliant de se forger une propre personnalité. Alors certes, on ne pourra nier la qualité technique générale et la mise en scène inspirée par moment. Toutefois, cela ne suffira pas pour éveiller un réel intérêt. Qui plus est, le mutisme du héros principal Kuro (doublé par Light Yagami himself !), pourrait presque nous faire croire que l’on se trouve dans une production Bee Train. C’est dire si Kurozuka n’est guère passionnant. Et la fin confirme la mauvaise impression que l’on avait jusque-là. Tetsuro Araki devrait se contenter de réaliser et laisser les scénarios aux plus compétents. C’est la conclusion évidente qui s’impose. Mais il paraît que le manga est différent. Je veux bien le croire.

Au programme pour la fin des vacances d’été, deux séries pour le prix d’une critique lapidaire ! Si l’annonce d’une adaptation animée pour 2008 de l’œuvre phare d’Hiroaki Samura fut une nouvelle saisissante tant L’Habitant de l’infini (Mugen no Jûnin dans sa version originale) représente la quintessence du chambara moderne. La débandade fut sauvage lorsque l’on avait appris que le studio Bee Train allait s’en charger et ce durant uniquement 13 épisodes (le manga compte actuellement 24 volumes quand même…). N’espérez donc pas retrouver le style graphique si particulier de Samura, ni même la violence sèche et l’atmosphère moite. Pour cela, il aurait fallu un studio comme Madhouse derrière (et un staff concerné). L’Habitant de l’infini devient pour le petit écran, un produit sans âme mais techniquement dans la norme. Une ébauche qui ne donne jamais envie de plonger dans le manga. Mais quelle déception !

Edo, 1770. Manji, un samouraï dont la sÅ“ur fut sauvagement assassinée, a décidé qu’il passerait le reste de son existence à tuer 1000 bandits pour racheter ses crimes passés. Un jour, il rencontre une jeune fille de 16 ans du nom de Lin qui lui demande de l’aide. Cette dernière cherche à se venger de la mort de ses parents, tués par les membres de l’école Ittô-Ryû. Devant la détermination de Lin, Manji accepte d’être son bras armé… La série couvre les quatre premiers tomes du manga, soit juste un apéritif dont on ressort le ventre vide. D’autant plus que Koichi Mashimo (éternel réalisateur fainéant des productions Bee Train) ne s’embarrasse pas d’une fin en plus de passer complètement à côté de l’essence même de L’Habitant de l’infini : la description nihiliste d’un pays en pleine perte de ses repères. La série devient donc une banale histoire de vengeance avec un ennemi à battre à chaque épisode. Manji se fait tuer à chaque fois mais comme il est invulnérable, il profite de l’effet de surprise pour surprendre son adversaire. Etant donné que la réalisation est molle à souhait, on s’ennuie rapidement. Aucun intérêt donc.

Autre douche froide, Jûshin Enbu, la seconde adaptation d’un manga d’Hiromu Arakawa (Fullmetal Alchemist) datant de 2007 par Studio Flag (généralement de la sous-traitance, notamment sur Gantz pour Gonzo). Trop pressé de transposer le manga pour le petit écran (seulement un seul tome était sorti !), la série est un ratage intégral qui a bien du mal à remplir ses 26 épisodes. Le script de Mayori Sekita (Zegapain, Clamp School) brasse de l’air ou raconte une histoire déjà vue des dizaines de fois, souvent en mieux. Dans l’Empire Ken, un pays évoquant la Chine féodale, Keirô, général de l’armée impériale s’attaque seul au temple de la ville de Taishan pour s’emparer de l’épée Kenkaranpu. La tradition veut que, celui qui est capable de dégainer cette épée sera digne de devenir empereur et pourra dominer le monde. Les plans de Keirô sont compromis par Taitô, un jeune moine prêt à donner sa vie pour l’arrêter. Ces deux personnages sont des représentants de la constellation de la grande Ourse composée de sept étoiles. Cet héritage leur confère des capacités de combat surpuissantes. D’après la légende, Keirô et Taitô sont destinés à s’affronter. Les cinq autres combattants de la constellation doivent les empêcher de détruire le monde…

Si au début on s’amuse de retrouver le chara design de la mangaka Hiromu Arakawa (Taitô ressemble à un Edward Elric brun qui aurait mangé de la soupe étant petit), on déchante rapidement tant l’histoire de Jûshin Enbu ne décolle jamais. Littéralement pollué par tous les clichés du genre (Taitô est encore plus con qu’un Naruto) et se montrant prévisible tout le long (l’ambiguïté sur le véritable plan Keirô ne fonctionne jamais), la série devient rapidement un authentique supplice à suivre. Le réalisateur Osamu Sekita (auteur récent de Cross Game et habitué de la saga Gundam) cible un public uniquement jeune et abandonne ainsi toute forme de maturité. Ainsi, nos héros passent leur temps à gentiment se chamailler et l’humour se place forcément aux ras des pâquerettes. Bienvenue à l’école maternelle ! N’espérez pas des scènes d’action pour tirer l’animé vers le haut, elles sont généralement expédiées faute de budget. Et quand une bonne idée pointe le bout de son nez (le personnage énigmatique de Shimei), on s’aperçoit au final que c’était du flan. Comme tout le reste en fait.

À la veille de la guerre du Vietnam, une base américaine est infestée par d’étranges créatures démoniaques à l’apparence humaine. Une jeune fille répondant au nom de Saya est envoyée sur place par une organisation gouvernementale secrète dans le but de les éliminer. Pour mener à bien sa mission, elle adopte alors l’identité d’une écolière et intègre le collège de la base… Malgré une mythologie amplement développée via les divers mangas et la très bonne série animée, Blood+ (2005), le script préfère uniquement se référer au film original (2000). Première erreur d’une longue liste car le moyen-métrage d’Hiroyuki Kitabuko (50 minutes, on le rappelle) était avant tout une démonstration technique dont la minceur du scénario était palliée par un visuel sublime et des scènes d’action virtuoses. Le film reprend donc les grandes lignes de l’intrigue générale (la chasse aux démons dans la base militaire), en y injectant en plus une adolescente américaine, des flashsbacks sur Saya et un ennemi final en guise de big boss. Autant ne pas y aller par quatre chemins, Blood : The Last Vampire est une catastrophe intégrale. Pourtant, les intentions de départ étaient louables, notamment dans la création d’un univers glauque assez proche du film original (hôtel sordide, ruelle sale, métro peu éclairé). On appréciera aussi l’hommage au chambara lors d’un flashblack où le maître de Saya affronte une armée de ninjas. Mais voilà, le film est plombé d’entrée par un scénario, très mal écrit (mais vraiment), qui semble avoir été commencé un soir de beuverie puis finalisé sur le tas, en plein tournage. L’ajout du personnage d’Alice aurait pu donner une bonne idée à la manière de Kai dans la série animée Blood+. Mais au lieu d’être le garde-fou qui maintiendrait la part d’humanité de Saya, c’est juste un boulet qui sert de point d’identification pour les spectateurs ados. Heureusement, la petite coréenne, Jun Ji-hyun (devenue Gianna pour l’international, c’est moins compliqué pour le bouseux), s’avère crédible dans le rôle de la chasseuse de démons. Au moins une qui semble y croire.

Les péripéties s’enchaînent alors, sans aucun liens ou quelconques cohérences. Ainsi, on passe brusquement de la chasse dans la base militaire à une sombre histoire de vengeance où Saya doit se confronter au super démon Onigen (la belle Koyuki) qui a tué son père. C’est vers la saga – déjà pas bien reluisante – Underworld que Chris Nahon va ensuite chercher son inspiration, avec au passage une scène copier-coller du second opus (l’attaque du camion). Quant aux enjeux de la fameuse guerre entre humains et démons, on les cherche encore… Malgré les 30 millions de dollars mis sur le tapis, le réalisateur français semble totalement dépassé. Si bien que son long-métrage ne semble pas avoir été finalisé (on attend le patch 1.1). Des rumeurs évoquaient des problèmes de post-production au niveau des effets spéciaux. Cela se confirme à l’écran avec des maquillages en plastoc digne de Buffy contre les vampires, des cascades câblées bien trop visibles et des CGI qui auraient peut-être fait fureur au début des années 90. À ce titre, la première transformation en démon d’un humain est un grand moment d’humour involontaire. Tout comme les passages avec les membres de l’organisation secrète (mention spéciale aux nettoyeurs Dupont et Dupond). Et les combats au sabre dans tout ce joyeux bordel ? On veut bien excuser les effets spéciaux pourris, le script inexistant, l’interprétation foireuse mais au moins, Nahon aurait pu torcher ses scènes d’actions avec un minimum de classe. Manqué… Les affrontements sont systématiques surdécoupés, rendant le tout incompréhensible pour le commun des mortels. On en vient alors à s’ennuyer fermement alors que Saya dérouille des dizaines de démons à l’écran. Fallait le faire… À défaut d’avoir de grosses ambitions, Blood : The Last Vampire aurait pu être une série B régressive et brutale. Au final, on n’obtient qu’un navet indigeste. Une insulte envers son matériau d’origine qui n’était pourtant pas bien compliqué à adapter. Je tiens pour finir à présenter mes excuses envers les exécutifs de la 20th Century Fox sur ce que j’ai pu dire dans mon papelard sur Dragonball Evolution, car on vient d’en trouver des plus incompétents qu’eux. Chapeau bas les gars !