Hirochimi Kojima est une des stars les plus réputées de la ligue nipponne de baseball. Toutefois, son équipe, les Lycaons de Saitama, stagne dans les bas fonds du classement général.  À cause du manque de motivation des joueurs et d’un dirigeant qui préfère l’argent aux résultats sportifs, Kojima ne voit aucun moyen de reprendre le dessus. Un jour, il fait la connaissance de Tôa Tokuchi, un lanceur imbattable au One Outs. Ce jeu d’argent est un défi entre le lanceur et le batteur. Si ce dernier renvoie la balle, il a gagné. Dans le cas contraire, après trois strikes (balles ratées), il a perdu. Pour éponger une dette importante de l’un de ses joueurs, Kojima accepte d’affronter Tokuchi. Kojima perd mais demande un nouveau pari. S’il manque la balle, il mettra un terme à sa carrière. Mais s’il l’a renvoie, Tokuchi devra intégrer l’équipe des Lycaons. Un miracle se produit et Tokuchi se retrouve propulsé dans l’impitoyable championnat national de baseball… Avant d’être une série animée de 2008, One Outs est à l’origine un manga de Shinobu Kaitani commencé en 1998 et qui durera 19 volumes jusqu’en 2006. Kaitani signa aussi les dessins du manga Sommelier en 2003 (disponible en France chez Glénat) et travaille actuellement sur Liar Game depuis 2005 (8 volumes et toujours en cours). One Outs s’inscrit dans le même registre qu’Akagi, Kaiji ou Death Note, c’est-à-dire des Å“uvres très verbeuses fonctionnant sur un suspense latent et des rebondissements explosifs. Le réalisateur Yuzo Sato et le scénariste Hideo Takayashiki sont donc en terrain connu puisque les matchs de baseball se déroulent comme des parties de poker : paris d’argent et bluff sont au programme. En effet, Tokuchi a signé un contrat spécial avec le président. S’il élimine un batteur, il gagne cinq millions de yens (environ 40 000 euros), mais s’il perd un point, il lui devra cinquante millions (400 000 euros). Même si ce contrat « One Outs » semble complètement défavorable pour notre héros, ce dernier a une confiance totale en ses capacités.

C’est en quelque sorte le gros défaut de One Outs : Tokuchi est trop fort pour que l’on s’inquiète de ses prises de risques. Ainsi, même si la situation semble désespérée, il trouve toujours une astuce pour la retourner à son avantage. Si le spectateur est surpris au départ, une certaine lassitude peut s’installer à force de coups de théâtre improbables. Sur ce point, Kaiji montrait plus d’intérêt car beaucoup moins prévisible dans son déroulement. Tokuchi ne connaît pas le goût de la défaite et son assurance fait aussi son charisme (on pense plutôt à Akagi au final). Il faut l’avouer, il a une sacrée classe et chacun de ses coups est jubilatoire à encaisser. Bien que très doué dans le lancé de balles rapides, Tokuchi est surtout un maître de la manipulation d’esprit. Il lui suffit souvent d’une réplique cinglante et arrogante pour déstabiliser et faire perdre toute confiance à ses adversaires. One Outs est découpé en neuf matchs (trois matchs contre trois équipes différentes). Il est regrettable que les enjeux restent minimes à cause de l’absence d’une réelle fin. Les 25 épisodes ne couvrant pas tout le manga, le championnat s’arrête alors qu’il commençait à devenir intéressant. Cependant, les matchs sont tous différents dans leur déroulement. Mention spéciale à la dernière équipe qui utilise la tricherie et l’antijeu pour arriver à ses fins. À ce titre, les tous derniers épisodes sont absolument renversants. L’équipe adverse essaye de blesser Tokuchi pour le mettre hors course. Lorsque ce dernier est à la batte, le lanceur vise sa tête délibérément. Pour contrer la tentative, Tokuchi balance sa batte en direction du lanceur en feignant le geste maladroit. Au final, c’est l’arroseur arrosé et le lanceur ne peut plus tenter quoique ce soit. À l’instar des autres réalisations de Yuzo Sato, One Outs se situe techniquement dans la petite moyenne. Ce n’est pas un modèle d’esbroufe visuelle (les métaphores symbolisant les états mentaux des protagonistes sont toujours aussi cheap), c’est évident. Toutefois, le chara design original plus passe-partout que celui de Kaiji risque de moins rebuter certains spectateurs.

Il faut vraiment voir One Outs comme un thriller psychologique et pas comme une série sportive. On peut ainsi aisément regarder l’animé sans rien connaître du baseball. C’est en quelque sorte sa force, d’autant plus que les règles sont expliquées de manières tout à fait limpides. Étant donné la faible qualité de la production 2009 d’animés, One Outs se distingue sans problème des autres titres. Pour les genres qu’il aborde (sport + thriller) mais aussi tout simplement parce que la série est très bien écrite. Dommage encore une fois que la fin soit si expédiée avec un message clair : si vous voulez en savoir plus, lisez le manga. Cela devient une sale habitude chez Madhouse en ce moment…

Kaiji Itô est un raté. Vivant dans un petit studio minable à Tokyo et incapable d’avoir un emploi stable, il passe son temps à perdre son argent aux jeux ou autres paris. Un jour, il reçoit la visite d’un mafieux car il se serait porté garant des dettes d’un ami par le passé. Non seulement Kaiji a une vie de merde mais en plus il se retrouve endetté d’une lourde somme ! Toutefois, on lui propose une alternative qui lui permettrait d’effacer son ardoise : participer à un jeu clandestin durant une nuit sur un paquebot nommé « Espoir ». Kaiji accepte la proposition. Les ennuis ne font que commencer… Kaiji est la troisième réalisation de Yuzo Sato après l’OAV Bio Hunter et… Akagi bien sûr (il a depuis fait One Outs aussi). Sato fut aussi animateur clé sur Ninja Scroll et The Sky Crawlers, ainsi que storyboardeur sur Death Note, Claymore et Gungrave (la crème des productions récentes Madhouse). Bref, un habitué des adaptations de manga à succès, doublé d’un connaisseur de l’univers de Fukumoto. Soit le candidat logique pour Kaiji. Il retrouve ainsi son scénariste d’Akagi, Hideo Takayashiki (aussi auteur de Rideback, One Outs, Master Keaton, Maison Ikkoku, Ashita No Joe 2…) et le seiyû Masato Hagiwara qui interprétait déjà le personnage d’Akagi (et Tôa Tokuchi One Outs). Kaiji est scindé en deux arcs (attention la suite dévoile l’intrigue). Le premier couvre les neuf premiers épisodes et se déroule à l’intérieur du paquebot Espoir. Notre héros va devoir jouer au janken restreint, une sorte de pierre-feuille-ciseau avec des règles bien précises. Un jeu simple en apparence, mais qui se révèle bien plus complexe en réalité. Les anciens profitent de l’inexpérience des noobs pour les arnaquer (dont ce pauvre Kaiji). Différents clans se forment et tentent des stratégies plus ou moins astucieuses (Kaiji trouve deux associés en cours de route). Et enfin, l’argent distribué en début de partie devient un atout considérable (Kaiji s’en sert pour acheter des cartes).

Une chose est sûre, la croisière ne s’amuse pas ici. Le temps est limité (quatre heures) et la défaite synonyme de mort. Ou peut-être pire encore (esclave à vie pour les yakuzas ?). Le doute plane sur le sort des perdants, qui finissent nus comme des vers dans une salle sombre (Kaiji ira y faire un tour pour s’y échapper dans un ultime sursaut d’orgueil). La seconde partie est encore plus machiavélique avec trois nouvelles épreuves : une traversée au-dessus du vide sur des poutres, une partie de cartes contre l’organisateur et enfin pour finir, un jeu de hasard contre le big boss des yakuzas. Autant vous dire que le chemin est parsemé d’embûches pour le pauvre Kaiji. Surtout lorsqu’il verra ses camarades faillir les uns après les autres ! On pourrait classer Kaiji dans le même panier qu’un Death Note et Code Geass, soit de purs thrillers fonctionnant sur leur rythme trépidant, de multiples coups de théâtre et sur la bataille psychologique que se livre le personnage central. De même, chacune de ces séries disposent d’un sous-texte intéressant : la justice pour Death Note et la place de la jeunesse dans notre société pour Code Geass. Pour Kaiji, c’est le pouvoir de l’argent. Logique lorsque l’on parle de jeu. Toutefois, l’œuvre de Fukumoto se démarque pour son approche plus adulte (les tics du shônen sont soigneusement évités), voir carrément nihilistes par moment. Les individus engagés dans ces paris absurdes ne sont pas considérés comme des êtres humains. Kaiji découvre durant l’épreuve des poutres, qu’ils sont en réalité les jouets de richissimes personnalités. Le but principal n’est pas de gagner le gros lot, mais plutôt de divertir par le biais d’un spectacle dangereux et surtout dégradant. Série quasiment parfaite sur les quinze premiers épisodes, Kaiji montre des faiblesses dans sa dernière ligne droite. La triche fait son apparition de manière quelque peu absurde (l’émetteur qui mesure les pulsations cardiaques), le suspense vire au torture porn gratuit à la Saw (Kaiji met en jeu son ouïe, puis après ses doigts) et le propos perd en subtilité (les discours redondants de Tonegawa sur le fossé séparant les riches/puissants et les pauvres/ratés). On a frôlé de peu le chef-d’œuvre.

La personnalité très travaillée de Kaiji doit une grande part à la réussite de la série. Loser immédiatement sympathique (au début il crève les pneus du mafieux qui va lui rendre visite sans savoir que c’est sa voiture), Kaiji est beaucoup plus intelligent qu’il ne le laisse paraître. Durant la partie sur l’Espoir, il devient rapidement un leader et établi une stratégie de jeu que peu d’individus auraient pu mettre en place. Toutefois, Kaiji est trop gentil. C’est sa nature. Après la trahison de son ami Ando, il continuera à avoir confiance en lui, sachant pertinemment que ce dernier pourrait lui refaire le coup. De même, s’il se considère comme un raté, Kaiji devient un tout autre homme avec des cartes en mains. Quelqu’un capable de prendre des risques insensées car il est persuadé que ses coups sont infaillibles. Ce qui le mènera à sa perte au vu de son état à la fin de la série (pourtant il ne semble pas découragé pour autant). Comme on l’évoquait en début d’article, Fukumoto avoue être mauvais en dessin. Dommage alors que Madhouse n’ait pas mis un peu plus les moyens pour mieux faire passer la pilule. Le chara design de Masato Hagiwara (directeur de l’animation sur Claymore) est trop fidèle à l’œuvre d’origine, les métaphores visuelles censées décrire l’état mental des personnages sont ringardes et l’animation rudimentaire au possible. Heureusement, la bande son rattrape le tire avec un très bon score de Hideki Taniuchi dans la lignée de son travail sur Death Note. Kaiji étant une série très bavarde, le doublage devait absolument être une réussite. Ce qu’il est grâce à Masato Hagiwara dans le rôle du héros principal mais aussi Hakuryuu dans celui du diabolique Tonegawa (qui chante aussi l’ending) et Fumihiko Tachiki (Gendô Ikari dans Evangelion et Bunji Kugashira dans Gungrave) dans celui du narrateur. En effet, les épreuves de Kaiji sont commentées, ce qui donne un côté « sportif  » à l’ensemble tout en intensifiant le suspense déjà très présent.

Si vous arriverez à passer au delà du chara design, vous allez à coup sûr avoir envie de finir Kaiji d’une traite tant la série est addictive. On regrettera juste que la seconde partie soit inférieure à la première (comme pour Death Note !) et que la critique sociale n’ait pas les arguments suffisants pour être totalement crédible. Même si toutefois, la vision désespérée de l’être humain donnée par Fukumoto mérite le coup d’œil tant elle tranche avec le reste de la production d’animés. Madhouse a annoncé depuis la mise en chantier d’une nouvelle saison, on peut donc espérer une diffusion pour 2010. Zawa Zawa en attendant.

Hormis le trait d’Obata pour les personnages de ce premier épisode (le héros est le sosie de Light), on retrouve le visuel très travaillé de Death Note. Les couleurs ternes siéent à merveille à l’atmosphère dépressive et à l’aspect de cauchemar éveillé. Il est question d’un homme qui a vécu toute sa vie sous l’influence de son père. Il en souffre énormément aujourd’hui, si bien qu’il a de plus en plus de mal à retenir ses pulsions meurtrières. Madhouse nous propose une intéressante étude de caractère via son personnage central plutôt perturbé (et perturbant). C’est Morio Asaka, réalisateur de la série Nana et de Chobits qui se charge de mettre en images ce premier arc pour quatre épisodes (et c’est Tetsuro Araki qui s’y colle pour le suivant !).

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Au XIIème siècle, dans une des nombreuses forêts du Japon, le seigneur Kuro est sorti vaincu du conflit contre son frère, le shôgun et fondateur de Kamakura. Il fuit alors, à travers les montagnes, accompagné par son serviteur, Benkei. Ils arrivent alors devant une maison dans un endroit reculé de la forêt. Benkei décide de demander l’hospitalité pour la nuit afin que Kuro, blessé, puisse récupérer. Ils découvrent alors que le propriétaire de la maison est une jeune femme d’une beauté exceptionnelle nommé Kuromitsu. Elle accepte de les héberger le temps qu’ils souhaiteront, mais en contrepartie, elle leur demande de ne jamais s’approcher de sa chambre se trouvant de l’autre côté de la maison. Alors que Benkei est parti acheter des médicaments pour son maître, d’autres assassins font leur apparition pour éliminer Kuro. Avec l’intention de protéger Kuromitsu, ce dernier se dirige vers sa chambre bravant de ce fait l’interdit. Le secret qui lui est alors révélé changera de manière irrémédiable sa destinée. Des liens, que même le temps ne peut rompre, se créeront ainsi entre les deux amants amenés à souffrir continuellement… Débutant sur les chapeaux de roues (réalisation au top et cliffhanger démentiel à la fin du deuxième épisode), Kurozuka s’essouffle rapidement. La faute à un script qui manque singulièrement de consistance. Alors que les combats s’enchaînent, sans enjeux réellement justifiés, le fond se retrouve totalement négligé. Notamment la fameuse histoire d’amour, ce qui est plutôt gênant puisque c’est le sujet principal. Pareil pour les personnages secondaires qui ne servent pas à grand-chose. Ils meurent comme de simples déchets au fil des épisodes, amis comme ennemis, et on s’en moque éperdument. Enfin, on saluera les retournements de situations prévisibles comme la trahison de Kuon. Kurozuka rappellera en outre, le dernier opus de Yoshiaki Kawajiri, à savoir Highlander : The Search for Vengeance, pour l’histoire des immortels, mais aussi et surtout pour le cadre post-apocalyptique. Mais on pensera aussi à Ninja Scroll, Claymore ou encore Gungrave (avec un simili-Beyond the Grave en la personne de Kuon).

La série cite les autres à foisons, tout en oubliant de se forger une propre personnalité. Alors certes, on ne pourra nier la qualité technique générale et la mise en scène inspirée par moment. Toutefois, cela ne suffira pas pour éveiller un réel intérêt. Qui plus est, le mutisme du héros principal Kuro (doublé par Light Yagami himself !), pourrait presque nous faire croire que l’on se trouve dans une production Bee Train. C’est dire si Kurozuka n’est guère passionnant. Et la fin confirme la mauvaise impression que l’on avait jusque-là. Tetsuro Araki devrait se contenter de réaliser et laisser les scénarios aux plus compétents. C’est la conclusion évidente qui s’impose. Mais il paraît que le manga est différent. Je veux bien le croire.

Rideback aura ouvert le bal 2009 des productions Madhouse dès le mois de janvier. Cette série de 12 épisodes est l’adaptation du manga seinen éponyme de Tetsuro Kasahara qui venait juste de se terminer au bout de 10 volumes. Après avoir bossé sur quelques titres réputés comme Paranoia Agent, Kemonozume, Abenobashi et assister d’Hayao Miyazaki sur Le Voyage de Chihiro, Atsushi Takahashi signe ici sa première réalisation. Tandis que le scénariste de Akagi, Kaiji et One Outs, Hideo Takayashiki, se charge de porter à l’écran le manga. Un travail plus que complexe étant donné le faible nombre d’épisodes produits par le studio. Ainsi, la structure scénaristique de la série est sans conteste son principal défaut. Ce qui l’empêchera sûrement de sortir de l’anonymat. Rideback méritait meilleur traitement même si le résultat final vaut clairement le coup d’œil.

Nous sommes en 2020, dans un Japon instable dominé par un groupuscule armé, le GGP. Rin Ogata est une jeune ballerine qui désire suivre l’exemple de sa mère, décédée lors d’un tremblement de terre, et ainsi devenir une grande danseuse de ballet. Lors d’une représentation Rin fait une chute et se blesse à la cheville. Suite à cet accident, elle décide de raccrocher. En entrant à l’université d’art de Tokyo, Rin tombe sur un club de conduite d’engins assez particuliers, des motos robotisées : les Rideback. Hishida Haruki, l’un des membres, lui propose d’essayer de conduire l’une de ces machines baptisées Fuego. En le pilotant, Rin éprouve alors un étrange sentiment et témoigne d’une adresse remarquable dans son maniement. C’est ainsi que commence son entrée dans le club… Sous ses faux airs de série mécha aux thèmes de SF classiques (la symbiose entre le pilote et la machine), Rideback cache pourtant de nombreux atouts. Ainsi, au début Rideback fait parti du genre « sportif  » (Rin s’inscrit au club et participe à des courses) pour verser doucement vers le techno thriller doté de fortes résonances sociales. Alors forcément, le potentiel commercial de l’œuvre est plus limité d’où sa courte durée au final. D’où un sentiment continu que l’histoire et l’évolution des personnages (secondaires principalement) avance bien trop rapidement. À ce titre, le climax est malheureusement expédié et gâché par ce manque de temps. Alors qu’énormément de titres ont du mal à remplir leur durée, Rideback est une des rares séries qui aurait mérité davantage d’épisodes. Mais d’un autre côté, la série bénéficie d’une régularité technique irréprochable sur le long. Atsushi Takahashi soigne sa réalisation tout en mettant en avant les nombreux effets 3D utile aussi bien à l’histoire que pour l’aspect visuel général. Il est finalement relativement rare à la télévision que le mariage entre l’animation traditionnelle et les CGI fasse aussi bon ménage. Pourtant, c’est le cas dans Rideback.

Rin est une héroïne qui sort facilement du lot tant son écriture fait preuve d’une absence de stéréotypes. Un personnage féminin fort, déterminé, qui retrouve avec le Rideback les sensations qu’elle avait perdues à cause de son accident. Elle n’hésite pas à prendre des risques, quitte à défier les autorités pour sauver les siens (la prise d’otage dans l’immeuble de l’épisode 4 ou la poursuite avec les Ridebacks blancs de l’épisode 6). Contre son gré, Rin va devoir se battre aux côtés de terroristes car la milice fascisante du GGP abuse de plus en plus de son pouvoir de répression. Malgré la manifestation contre le pouvoir en place, il est regrettable que le script n’aille pas plus loin dans le discours politique. Ainsi, Rideback préfère se concentrer sur une histoire de vengeance entre ex-militaire, qui, honnêtement ne brille pas par son originalité. Beaucoup de regrets au final même si le rythme soutenu, la technique irréprochable et la maturité font de Rideback un titre tout à fait recommandable.

Excellent premier épisode qui démarre superbement par le spectacle de danse classique monté en parallèle avec une exposition du contexte géopolitique. Même si pour l’instant l’histoire reste du cadre de l’intimiste/tranches de vie, on peut aisément deviner que le background ne sera pas uniquement une fenêtre. Rin fait pour l’instant connaissance avec Fuego, son nouvel ami motorisé. Elle va pouvoir danser à nouveau avec le Rideback et en faire un prolongement direct de son corps. Une thématique intéressante qui, on l’espère, sera développée avec parcimonie par la suite. La qualité technique est au rendez-vous avec une utilisation accrue des CGI (pour le Rideback notamment). Toute la séquence de poursuite de l’épisode est très convaincante et se termine en apogée par un magnifique plan séquence sur fond de notes de piano. Dommage que seulement 12 épisodes soit prévus au programme. C’est d’autant plus regrettable que le manga était assez conséquent pour en faire le double.

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Un premier épisode plut?¥t étrange baignant dans une atmosphère poétique et macabre à la fois. Le ton contemplatif rappelle beaucoup celui du film Saint Seiya Tenkai-hen. Le héros, torturé à souhait, possède en plus un petit air de Seiya. C’est d’autant plus flagrant que le seiy?ª n’est autre que Tor?ª Furuya et que le chara design old school de Yoshihiko Umakoshi (Mushi-Shi) s’inspire beaucoup des travaux de Shingo Araki. Dommage que Yamauchi n’ai pas débauché aussi Michiko Yokote puisque le script est de Yasuko Kobayashi (Claymore, Witchblade, Blassreiter, pas vraiment des titres qui brillent par leur qualité d’écriture). En revanche, le studio a mis le paquet (du moins pour cette ouverture) puisque l’animation et les décors (post-apo) sont de toutes beautés. Faut dire que Madhouse n’a pas encore sorti de gros titre cette année. En tout cas, la série bénéficie déjà d’une véritable personnalité, ce qui est plut?¥t bon signe pour la suite. Yamauchi semble parti pour aller au-delà du simple remake destinés aux fans de la première heure avec comme objectif l’exploration de la face cachée et sombre du héros. Après tout, il est question des péchés de Casshern. Le nombre d’épisodes restent encore inconnu mais sachant que l’original en comptait 35, on aura peut être la même chose (ou pas).

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Au Japon en 2026, Yûko « Yasako » Okonogi, une jeune écolière, et sa famille emménagent à Daikoku car son père vient d’être muté. Cette ville est particulière car elle abrite tout un monde virtuel superposé à la réalité et qu’il est possible de voir grâce à des lunettes spéciales révolutionnaires. Yûko est encore novice dans l’utilisation de cette nouvelle technologie et grâce à sa grand-mère spécialiste du domaine et ses nouveaux amis, Fumie et Haraken, elle va peu à peu apprendre à utiliser les possibilités de cet univers virtuel. Elle va aussi rencontrer Yûko « Isako » Amasawa, une programmeuse talentueuse mais antipathique qui recherche les « illégaux », des virus informatiques détenteurs de grands pouvoirs… L’univers de Dennô Coil évoque assez rapidement celui du réalisateur de Princesse Mononoké ou du Voyage de Chihiro. Non pas pour le genre dans lequel on évolue (la science-fiction ici) mais dans la façon de l’aborder. Ainsi, les héros sont des enfants qui vont devoir parcourir et comprendre un monde parallèle régit par des règles différentes du nôtre. Au début, on serait tenté de faire le rapprochement avec Serial Experiments Lain, série phare dans le domaine de l’exploration des univers virtuels. Pourtant, les thèmes évoqués par Iso (le deuil, l’amitié, l’imaginaire…) semblent tout droit sorti d’une Å“uvre d’Hayao Miyazaki, et surtout dans la façon, très poétique, de les traiter. On pense aussi beaucoup à Beyond, le segment de Kôji Morimoto sur les Animatrix. Le chara design de Takeshi Honda (Millennium Actress, Blue Submarine No.6) semble aussi trouver son inspiration chez le maître, tout comme les créatures parcourant le monde virtuel et qui symbolisent les programmes informatiques (Satchii, les illégaux).

Qui plus est, Dennô Coil est une série universelle, à la fois adulte du fait de la complexité de son univers mais aussi destinée aux plus jeunes, qui pourront facilement s’identifier aux héros. En plus d’être infiniment plus accessible que Lain. Mitsuo Iso prend son temps pour développer le cadre et les personnages. Si bien que le fil conducteur apparaît alors qu’il reste déjà moins d’une dizaine d’épisodes. Cette lenteur narrative permet d’un côté d’avoir des bases solides mais de l’autre, la série perd de son intérêt vers le milieu avec quelques épisodes poussifs mettant en scène les personnages secondaires. D’autant que ceux-ci (Daichi, Fumie…) vont disparaître complètement de l’intrigue principale sur la fin. Toutefois, les épisodes sont souvent sauvés in extremis par des idées scénaristiques ou visuelles. Nos héros utilisent le monde virtuel comme un terrain de jeu où l’on se « combat » (dans le sens « jouer ») à coup de programmes. Même s’ils semblent mettre en jeu leur propre vie, il suffit d’enlever les lunettes pour que tout disparaisse. La limite entre le réel et le virtuel (ou l’imaginaire en fait) revient souvent au cours de la série. Ce que les personnages ressentent avec leurs lunettes peut-il avoir un lien émotionnel avec la réalité ? Densuke, le chien virtuel de Yasako (un Tamagotchi grandeur nature en somme), est-il aussi important qu’un vrai chien ? Iso apporte une réflexion plutôt intéressante sur le sujet. A partir du 18ème épisode, Dennô Coil prend un virage à 180 degrés et installe doucement une atmosphère beaucoup moins guillerette qu’auparavant. En effet, fini les guéguerres interscolaires à coup de lasers tirés du front ou de poursuites burlesques avec Satchii. L’animé verse un temps dans le genre horrifique avec l’attaque de la maison digne d’un survival horror à la Silent Hill (la brume, les couloirs sombres, les formes menaçantes). Puis une intrigue de thriller se dessine doucement avec un souvenir important enfouit au fin fond de la mémoire de l’héroïne, Yasako.

Cependant, contrairement aux Å“uvres d’Hayao Miyazaki, Dennô Coil se déroule intégralement dans un environnement urbain, austère (les couleurs tendent vers le gris et le pastel) et labyrinthique (toutes les rues du quartier se ressemblent). De superbes décors auxquels on peut ajouter une animation très au-dessus de la moyenne. Il faut aussi dire que la diffusion se sera écoulée sur neuf mois au lieu des six habituels pour une série au même nombre d’épisodes. Preuve que Mitsuo Iso a su convaincre un gros studio tel que Madhouse du bien fait de son projet, pourtant très éloigné des standards commerciaux. Comme quoi, il existe encore un minimum d’intégrité artistique parmi les dirigeants des grands studio d’animation nippon. En définitive, Dennô Coil mérite sa flatteuse réputation (encore un titre à mettre dans la liste des titres à acquérir d’urgence par les éditeurs français) et on attend déjà la prochaine série de son auteur… À moins qu’on le retrouve prochainement au cinéma. Il en a clairement la carrure.

Je ne sais pas si vous avez vu le film Ultraviolet avec miss Jovovich mais dans le genre nanar cosmique, il se pose là. Avec son esthétisme flashy de pub pour parfum, sa première demi-heure aussi gol que jouissive et le joyeux bordel qui fait office de scénario, on ne peut pas dire que le film restera dans les mémoires. Alors oui, il paraît que Wimmer (pressentit pour écrire l’adaptation de Metal Gear Solid) s’est vu coupé les ailes par le studio qui lui a pourri son film en l’amputant d’une bonne demi-heure. Au passage, le montage américain dispose de 7 minutes de plus que celui européen que l’on connaît. C’est pourquoi, si vous voulez vous procurer le film (comme plaisir coupable), optez pour le DVD Z1 et non celui disponible en France. Fin de la parenthèse et passons à ce premier épisode franchement soporifique où l’on suit les états d’âme de 044 (doublée par l’excellente Romi Paku). Avec tout le respect que l’on doit à Dezaki, tout ce que l’on attend d’une adaptation d’Ultraviolet, c’est du bourrinage, point barre. Et pour le moment, c’est le désert. Toutefois, l’intrigue semble démarrer dès le second épisode. Je veux bien laisser le bénéfice du doute, mais la série sent la pure commande commerciale à la Devil May Cry. On préfèrera revoir Dezaki sur la prochaine série Cobra…

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(Source : ANN)