Raizo, jeune ninja orphelin, a été entraîné à tuer par le clan Ozunu. Après l’exécution de sa seule amie, Raizo est soudainement en proie au doute, et quitte alors le clan afin de préparer sa vengeance… Des années plus tard, à Berlin, Raizo tombe sur l’agent d’Europol Mika Coretti qui, après avoir levé le voile sur une affaire politique mettant en cause une mystérieuse organisation asiatique, est devenue la cible du clan Ozunu. Traqués, tous deux se lancent dans une dangereuse course-poursuite… Si l’on excepte les scénaristes, Ninja Assassin est l’œuvre de la même équipe que l’adaptation de V pour Vendetta en 2005. Avec le petit protégé d’Andy et Larry Wachowski à la barre : James McTeigue. Force est de constater que cet ancien assistant réalisateur sur la trilogie Matrix, Speed Racer, L’Attaque des clones et Dark City n’a pas le talent de ses aïeux. En effet, s’il emballe ce Ninja Assassin avec soin, son film manque cruellement d’âme pour dépasser le cadre de la série B régressive légèrement influencée par la « culture manga ». On se met alors à rêver ce qu’un tel film aurait pu donner entre des mains de génies. Guillermo Del Toro par exemple avait transformé Blade 2 en véritable hommage au cinéma de Yoshiaki Kawajiri (et pas seulement pour les séquences d’action !). On ne parle même pas des frères Wachowski dont leurs Matrix et Speed Racer respiraient l’amour de l’animation japonaise. Ils auraient été parfaits derrière la caméra au lieu de se contenter de produire… Mais voilà, faisons avec ce que l’on a ! McTeigue a le mérite de bien mettre en valeur les aptitudes de son héros et livre de belles idées visuelles sur la fin. Ninja Assassin est le premier scénario d’un fan d’arts martiaux, Matthew Sand. Mais devant la faiblesse du matériau, le premier jet a été repensé en urgence (cela se voit à l’écran) par J. Michael Straczynski, bien éloigné de l’univers de Babylon 5. On peut émettre l’hypothèse que développement de l’enquête policière et la mythologie autour des clans d’assassins est de son œuvre.

Même si on ira voir Ninja Assassin en se débranchant la cervelle pour admirer principalement le fantastique travail sur les chorégraphies martiales, avec une histoire c’est quand même mieux. Dans l’état, elle reste très faiblarde et bancale. Ponctuée de nombreux flashbacks souvent balancés n’importe comment et de répliques couillonnes, le script de Ninja Assassin prend pourtant son temps. Comme un bon diesel avant de lâcher la sauce pour une dernière demi-heure explosive. On regrettera alors que la plupart des affrontements se déroulent de nuit ou dans des environnements très sombres. Le manque de lisibilité gâche souvent l’action. Vous me direz, c’est logique pour des ninjas. Il n’y a que dans Naruto que les ninjas se baladent de jour en combinaison fluo ! Bien heureusement, le combat hargneux dans les toilettes et le tout climax réhausse le tout. Si vous voulez voir une bataille rangée entre des forces spéciales et des ninjas (avec dégommage au lance-roquettes) ou un héros vénère qui tranche à tour de bras, Ninja Assassin devrait combler vos attentes.

Alors que la joie grandit dans les rues de Londres en cette veille de Noël, Ebenezer Scrooge, connu pour être le vieillard le plus riche et le plus avare, reçoit la visite du spectre de son ancien associé. Ce dernier lui annonce que trois esprits vont venir le hanter : celui des Noëls passés, celui du Noël présent et enfin celui des Noëls à venir. Un cauchemar éveillé qui va propulser le vieux cynique dans ses souvenirs enfouis et les recoins sombres de sa misérable existence. Derrière son apparence de conte moralisateur et inoffensif, Le Drôle de Noël de Scrooge cache en réalité une œuvre au contenu bien plus subtil tout en faisant preuve d’une étonnante noirceur. Pour l’aspect « train fantôme », argument principal de vente du film, mais surtout dans la description de milieux sociaux radicalement opposés (la famille pauvre de Bob Cratchit et celle du riche neveu de Scrooge) et celle de rapports humains souvent compliqués (Scrooge déteste les gens sans les connaître véritablement). Alors certes, on retrouvait cette critique du capitalisme ( »l’argent rend mauvais » en somme) dans le texte original de Dickens, mais on ne peut qu’être surpris devant le choix de Disney de se refuser à toute forme d’édulcoration du propos. Le Drôle de Noël de Scrooge apparaît alors comme un divertissement aussi bien adulte que destiné aux enfants, au même titre que les productions Pixar (on notera au passage que Là-haut avait aussi un héros du troisième âge). D’un point de vue technique, la Performance Capture est toujours aussi impressionnante. Les mimiques de Jim Carrey sont immédiatement identifiables malgré les huit rôles différents qu’il occupe. Tandis que Robert Zemeckis s’amuse « derrière la caméra » car son procédé n’offre aucune limite de mise en scène. Il suffit alors d’un seul et unique plan-séquence aérien pour présenter cette fourmilière qu’est le fameux quartier de Whitechapel du 19ème siècle. Une séquence qui prendrait des pages de scénario, réduite ici avec efficacité sans rien perdre en qualité de description.

Généralement utilisé comme simple gadget histoire de vendre des places de cinéma plus cher (la plupart des films d’animation et d’horreur), la 3D trouve ici sa meilleure utilisation depuis La Légende de Beowulf. En attendant, Avatar de James Cameron pour dans quelques jours, Robert Zemeckis semble le seul cinéaste capable d’utiliser avec intelligence la 3D pour faire évoluer le langage cinématographique. Ainsi, l’histoire se déroule au premier plan, mais aussi au second, jouant énormément sur la profondeur de champ. L’implication du spectateur s’en retrouve accentuée au point que l’on assiste à un film quasiment immersif. Si Le Pôle Express et La Légende de Beowulf avait du mal à capter l’émotion du spectateur, ce n’est plus le cas ici. L’histoire de Scrooge est vraiment touchante, celle d’un homme brisé dès l’enfance dont la société en a fait un vieil acariâtre solitaire. Les trois fantômes lui montrent alors ses erreurs passées et lui fait comprendre qu’il détient le pouvoir pour changer les choses. Non pas celui de l’argent, mais de la générosité. Derrière le classicisme évident de ce conte se cache en réalité le miroir de notre société de plus en plus déshumanisée, délaissant toute forme d’altruisme au profit de l’individualisme. Et si Robert Zemeckis conclut son film sur une note d’espoir, cela reste malheureusement idyllique vis-à-vis de la réalité. Joyeux Noël quand même !

Une mystérieuse explosion d’énergie spirituelle se produit au centre du Seireitei dans le monde de la Soul Society, causant de gros dégâts. Au même moment, Rukia ressent une étrange sensation, comme si elle avait oublié quelque chose d’important. Ayant eu vent des événements, Kisuke Urahara envoie Ichigo en reconnaissance pour enquêter. Une fois sur place, Ichigo se fait attaquer par les shinigamis, qui ne semblent pas le reconnaître. En essayant de les raisonner, il découvre que personne ne se souvient de Rukia. Ichigo part à la recherche de son amie pour découvrir qui se trame derrière cette amnésie générale… Bleach: Fade to Black part d’une bonne idée, celle de faire de notre héros, Ichigo, un total inconnu aux yeux des shinigamis. En arrivant à la Soul Society, Ichigo doit se frotter à tous ses amis qui le prennent pour un intrus : Renji, Ikkaku, ou encore des capitaines comme Komamura ou Hitsuyaga. S’engage alors une sorte de remake du premier arc de l’histoire originale, sauf que désormais Ichigo a désormais la puissance d’un capitaine. Mais voilà, ce qui s’annonçait excitant sur le papier – soit des combats à la chaîne avec un zeste de mystère – est vite éventé par une seconde intrigue montée en parallèle. Cette dernière, centrée sur Rukia et deux étranges individus étroitement liés à son passé, ne fait que casser un rythme déjà pas bien dynamique. Le manque de charisme des bad guys (un frère et une sœur) joue beaucoup en défaveur de cette histoire. Leurs motivations se limitant à garder Rukia juste pour eux. On notera aussi passage que la fille est doublée par Aya Hirano, seiyû que l’on connaît bien, notamment pour les rôles de Lumière (Kiddy Grade), Misa Amane (Death Note) ou encore Chiko (Chiko, l’héritière de Cent-visages).

L’absence de réels enjeux, de personnages développés et d’implication émotionnelle (le combat contre « Evil Rukia » tombe complètement à plat) fait de cet opus le plus faible des trois. Une fois de plus Studio Pierrot essaye de satisfaire tout le monde en casant le plus de monde possible (même Urahara vient se battre). Réitérer la même erreur trois fois de suite, faut vraiment être borné ! Seul le deuxième opus, The DiamondDust Rebellion (qui sort en janvier chez Kaze) avait réussit à trouver un juste milieu entre le fan service et un script un minimum consistant.

Un autre projet s’annonce plus intriguant en revanche : celui de Gantz, qui sera scindé en deux films (comme pour Death Note) prévus pour l’hiver 2011 et le printemps 2012 (pas pour tout de suite donc !). Déjà adapté en animé par Gonzo en 2004, le manga d’Hiroya Oku approche de sa conclusion. Le diptyque sera réalisé par Shinsuke Sato, réalisateur du nazebroque Princess Blade (décidement !) avec Kazunari Ninomiya (Lettres d’Iwo Jima) dans le rôle de Kei Kurono et Kenichi Matsuyama (L dans les Death Note) dans celui de Katô. Le tournage débute le mois prochain. On est curieux de voir si les films garderont l’ultra violence, le sexe, le fun et surtout le nihilisme de l’œuvre originale. Une adaptation du jeu vidéo et surtout de l’animé Gungrave est aussi envisagéei, sans que plus d’infos aient filtrées pour l’instant. Pour finir, voici le trailer du prochain Mamoru Oshii, Assault Girls (rien à voir avec un quelconque manga mais faut bien en parler) et sachez que le moyen L : Change de World, spin-off de Death Note, sortira chez nous directement en DVD le 18 novembre prochain. Voici le visuel :

• RahXephon : Pluralitas Concentio – (29,99 €)

Editeur : Beez

• Fullmetal Alchemist – Box collector 2/2 (62,99 €)

Editeur : Dybex

Un mystérieux groupe de ninjas du Pays du Vent attaque Konoha par surprise, détruisant une bonne partie du village. Tsunade envoie alors deux équipes de ninjas dans le but de trouver d’où venaient leurs agresseurs. Pendant ce temps, Orochimaru confie une mission à Sasuke : il doit retrouver le ninja médecin qui lui a appris la technique interdite de réincarnation… Avec la fameuse séquence de bombardement de Konoha à la Pearl Harbor (fortement inspiré du film de Michael Bay au passage !), ce Kizuna démarrait sur les chapeaux de roues. Mais voilà, nos espoirs s’effacent rapidement. On nous ressert, une fois de plus, le même plat avarié avec deux pauvres scènes d’actions mettant en scène les personnages secondaires (ici Sai qui s’octroie une des meilleures séquences) et un dernier acte qui s’éternise avec un Naruto qui partage le premier rôle avec un boulet (une fille comme dans La Mort de Naruto). La courte présence de Sasuke est bien évidemment une arnaque puisqu’il vient juste aider sur la fin pour battre le bad guy. Parlons-en d’ailleurs de ce fameux méchant ! Etant donné que son identité fonctionne sur un whodunit, si vous ne voulez pas savoir, ne lisez pas la suite (même si ça ne changera pas grand-chose). Ainsi, on apprend que le gentil ninja médecin qui aidait nos héros depuis le départ est en réalité un dangereux mégalomane qui veut réduire Konoha en cendres. Soit, mais nous faire croire qu’il manipulait son apprentie depuis plusieurs années est difficile à avaler. Mais pourquoi s’embêter d’un tel fardeau… Kamegaki et son équipe n’ont honte de rien puisqu’il le transforme à la fin en clone de Broly (le gros balèze de Dragon Ball Z), le charisme en moins. Beaucoup de muscles et très peu de cervelle comme l’atteste cette séquence affligeante où son attaque surpuissante ne touche personne à proximité de lui sauf sa propre flotte qui se trouvait à plusieurs kilomètres de là.

Un vrai gag même si Shino avait déjà détruit plusieurs bateaux avec ses insectes, pendant que Kakashi et Neiji glandent tranquillement sur la plage. Dans la seconde équipe, Naruto n’est pas seul puisqu’il est accompagné de Sakura et Ino, qui disparaissent rapidement car le scénariste ne sait plus quoi en faire. Vous l’aurez deviné, le script de Kizuna est on ne peut plus hasard. Surtout quand il s’agit en plus de recycler des éléments déjà surexploités dans la série (Naruto luttant pour ne pas utiliser le pouvoir de Kyubi) ou encore de multiplier les incohérences (Naruto effectuant un Rasengan sans clone). Dire que les spectateurs japonais ont dû s’affliger un tel navet en salles… Heureusement, Studio Pierrot s’est rapidement rattrapé sur la série avec l’arc Hidan/Kakuzu. Certains épisodes de cette deuxième confrontation avec l’Akatsuki possèdent une réalisation supérieure au film que nous évoquons ici ! Pas la peine d’ajouter que Naruto Shippûden : Kizuna est le plus faible des films de la franchise…

Le petit Sôsuke, cinq ans, habite une maison construite au sommet d’une falaise qui surplombe la mer. Un matin, alors qu’il joue sur la plage en contrebas, il découvre une petite fille poisson rouge piégée dans un pot en verre. Sôsuke la sauve et lui donne le nom de Ponyo. Il décide alors de la garder avec lui dans un seau. Ponyo est aussi fascinée par Sôsuke que ce dernier l’est par elle. Le petit garçon lui promet de la protéger et de s’occuper d’elle, mais le père de Ponyo, Fujimoto, un sorcier autrefois humain qui vit au fond de la mer, la force à revenir avec lui dans les profondeurs. Bien décidée à devenir humaine, Ponyo s’échappe pour retrouver Sôsuke… Après un Château Ambulant en 2004 très sophistiqué qui ne fit pas l’unanimité, Miyazaki revient à un cinéma plus classique et ciblé pour les très jeunes comme pouvait l’être Mon Voisin Totoro (1988) et Kiki la petite sorcière (1989). Et si le cinéaste effectue en quelque sort un retour en arrière stylique, Ponyo sur la falaise reste toutefois dans l’évolution logique de sa carrière. Celle d’un homme qui cherche à faire le point en regardant le trajet exceptionnel qu’il a effectué depuis la fin des années 70. Après Pixar avec Le Monde de Nemo, c’est au tour de Miyazaki de déclarer son amour pour l’océan et sa faune au travers d’un conte écologique. La séquence d’ouverture est, par exemple, un véritable festival visuel ou comment faire du spectaculaire en montrant uniquement la vie sous-marine. Du spectacle justement, on en trouve dans Ponyo malgré le caractère intimiste de l’intrigue (histoire centrée sur deux protagonistes principaux, peu de personnages secondaires ou de lieux). Ainsi, la tempête fait déjà partie des plus belles séquences de la filmographie du réalisateur. Même si dans Ponyo il est question de l’avenir de l’humanité, le film ne présente aucun méchant, ni véritable menace. Fujimoto, le père de Ponyo, cherche juste à récupérer sa fille pour la protéger des Hommes qu’il considère comme des pollueurs d’océan. Et lorsque la catastrophe naturelle intervient, les dégâts sont justes matériels et tout le monde s’entraide dans la bonne humeur. La conclusion est vouée à être positive et on en ressort heureux.

Ce monde idyllique décrit par Miyazaki donne indéniablement une personnalité à son œuvre, contrastant ainsi avec notre monde actuel où l’on ne parle que de conflits ou de crise économique. Si bien, qu’il est difficile de revenir à la réalité une fois arrivé au générique de fin. Alors que l’on juge de plus en plus un long-métrage sur sa noirceur ou son soit disant traitement « adulte », Ponyo nous ramène à l’enfance dès les premières images. Alors que les films d’animation sortis du studio Dreamworks comme Monstres contre Aliens (exemple obligatoire du moment) ne proposent que des gags scatologiques en plus d’afficher un profond cynisme pour le genre qu’il aborde, Ponyo sur la falaise propose un vrai voyage dans l’imaginaire destiné à tous. Pas la peine de préciser lequel des deux films il faut absolument voir…

Dans les temps anciens, la Terre faillit être détruite par des forces maléfiques. Pour s’en prémunir, sept sages créèrent les boules de cristal : les Dragonball. Décidées à prendre leur revanche, les forces du Mal sont désormais de retour, et un seul guerrier d’exception est capable d’empêcher le pire. Le jeune Goku va alors découvrir le jour de ses 18 ans que son destin est très loin de ce qu’il avait imaginé. Après la mort accidentelle de son grand-père, il rencontre Maître Roshi, un expert en arts martiaux qui lui révèlera le secret et le pouvoir des Dragonball. Goku se retrouve alors investi d’une mission cruciale : retrouver toutes les boules de cristal avant son ennemi le plus cruel, Piccolo. Il se lancera dans une course effrénée aux côtés de Bulma, une scientifique brillante, Yamcha, un bandit du désert, et Chi Chi pour qui son cœur bat. L’échec d’une adaptation est évident lorsque l’on prend celle-ci sans comprendre le matériau d’origine. Le réalisateur James Wong, pourtant pas le plus incompétent des tâcherons (on lui doit le sympathiquement roublard Destination finale), s’est retrouvé sur Dragonball Evolution sans rien connaître du manga si ce n’est que ses enfants en étaient fans. Une grosse erreur d’appréciation pour le metteur en scène puisque Dragonball n’est pas une œuvre tout public justement (c’est violent, le CSA nous l’a assez rabâché à l’époque). Ainsi, le film sort en France avec une classification de film pour mouflets ! Une génération qui ne connaît ni le manga, ni l’animé. Autant vous dire que niveau gnons, cela ne va pas bien loin. Il n’est alors pas étonnant que la Fox cautionne une telle aberration filmique. Ce qui importe pour eux, c’est que le film rapporte un max. Et plus la tranche d’âge est large, plus le film a des chances d’attirer les foules. Pendant ce temps, Gavin Hood se bat pour essayer de faire de son Wolverine, le spin-off de X-Men et premier gros blockbuster de l’année pour le studio, une œuvre un tant soit peu adulte…

Dragonball devient donc un Smallville de luxe en scope avec un Goku de 18 ans tout droit sorti d’une pub pour gel ultra fixant. Sans aucune honte, le script balance les pires clichés existants de la vie lycéenne, puisque Goku est le freak maltraité de sa classe qui aimerait bien se taper la petite amie du sportif populaire qui roule en voiture tuné. Et comme son grand-père lui a interdit de se battre, il se laisse marcher sur les pieds… Ne cherchez pas le moindre rapport avec l’œuvre de Toriyama ! Pourtant James Wong installe un univers visuel futuriste pas si éloigné du manga (tout comme les décors désertiques sur la fin faisant office de champ de bataille). On n’y croirait presque si tout le monde ne roulait pas en Renault ou en Peugeot (c’est bien un monde utopique !). Mais le vrai problème du film est de refuser de créer une vraie mythologie. Ainsi, on nous balance en introduction que Piccolo a failli détruire l’humanité par le passé et qu’il a été scellé par sept guerriers. Seul problème, Piccolo est de retour aujourd’hui mais on ne sait pas comment. Il cherche les boules de cristal pour finir son dessein, mais on ne sait pas pourquoi… De toute façon, aucun des personnages secondaires ne possèdent la moindre consistance. Mention spéciale à Chi Chi, uniquement présente pour assurer une romance pitoyable avec Goku (et en plus elle se bat aussi, nawak !).  La déjà mémorable séquence de drague  avec les kamehameha qui allument les bougies restera comme une des scènes les plus ridicules vue cette année au cinéma. Les péripéties s’enchaînent souvent sans cohérence, passant d’un lieu à un autre sans aucune transition. Pendant ce temps-là, le fan se demande quand est-ce que ça va bastonner un peu ? Manque de bol, le court combat final opposant Goku à Piccolo est ridicule avec ses effets spéciaux d’un autre âge, ses inserts foireux ou autres faux raccords. Justin Chatwin n’est pas crédible une seule seconde dans le rôle principal. Que ce soit dans un registre comique (miam le gros morceau de viande !), dramatique (bouuuh papy est mort) ou guerrier (je fais ma tronche constipé quand je suis vénère !). Il est aussi regrettable de voir un comédien de la trempe de Chow Yun-fat cabotiner à outrance dans le rôle de Roshi (Tortue Géniale, je le rappelle). Mais on commence à avoir l’habitude depuis son arrivée aux Etats-Unis (dire qu’il a quitté le plateau des Trois Royaumes des John Woo pour ça).

Alors qu’il en avait toutes les caractéristiques, Dragonball Evolution ne ressemble même pas à un pilote de série TV (l’absence de mythologie donc) mais juste à un étron sur pellicule qui prend le spectateur pour un débile profond (aussi bien les fans, les néophytes que les mioches). Absolument tout sonne faux dans le film, du jeu des comédiens jusqu’aux costumes (Goku s’habille chez Kiabi). Pour faire pire que la première adaptation philippino-taïwanaise de 1989, il fallait être sacrément doué… et pourtant la Fox l’a fait ! Dommage que Stephen Chow (Shaolin Soccer, Crazy kung-fu) ait quitté le navire après avoir lu le scénario. S’il reste toutefois producteur de la chose, à aucun moment le film reflète sa personnalité et son style. En tout cas, près de 50 millions de dollars pour un épisode de Power Rangers sur grand écran, cela force presque le respect. Il ne reste plus qu’à espérer l’échec du film pour ainsi mettre fin aux prochaines transpositions live de manga/anime prévus. Cowboy Bebop étant la prochaine cible de la Fox par exemple. En temps de crise mondiale et de diabolisation de grand patron, ce serait bien de prendre pour cible Tom Rothman, big boss de la 20th Century Fox. Qu’on lui file son parachute doré et qu’il aille faire autre chose que du cinéma…

Edit du 06/03 : Après le teaser, le trailer final disponible à ce lien. Un peu plus d’images au programme et l’accent est toujours mis sur l’action (par contre, on sait toujours rien de l’histoire…). Les effets numériques ont l’air très foireux, c’est mauvaise signe tout ça.

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