Malgré sa paralysie, Jake Sully, un ancien marine immobilisé dans un fauteuil roulant, est resté un combattant au plus profond de son être. Il est recruté pour se rendre à des années-lumière de la Terre, sur Pandora, où de puissants groupes industriels exploitent un minerai rarissime destiné à résoudre la crise énergétique sur Terre. Parce que l’atmosphère de Pandora est toxique pour les humains, ceux-ci ont créé le Programme Avatar, qui permet à des « pilotes » humains de lier leur esprit à un avatar, un corps biologique commandé à distance, capable de survivre dans cette atmosphère létale. Ces avatars sont des hybrides créés génétiquement en croisant l’ADN humain avec celui des Na’vi, les autochtones de Pandora. Sous sa forme d’avatar, Jake peut de nouveau marcher. On lui confie une mission d’infiltration auprès des Na’vi, devenus un obstacle trop conséquent à l’exploitation du précieux minerai. Mais tout va changer lorsque Neytiri, une très belle Na’vi, sauve la vie de Jake… Avant d’être un tour de force technique et une œuvre visionnaire (3D renversante et FX proprement hallucinants), Avatar est sans conteste le film épique et dépaysant que l’on attendait tous depuis le dernier Star Wars en 2005. Un voyage immersif, quasi sensoriel, d’une pureté absolue. Le spectateur se retrouve littéralement propulsé sur Pandora, les images sont d’une beauté sidérante et véhiculent une émotion palpable à tout instant (la découverte de la flore de Pandora, un simple regard échangé entre Jake et Neytiri…). À l’heure où les blockbusters hollywoodiens essayent d’être inutilement sophistiqués quitte à se perdre en cours de route et ne plus savoir raconter l’essentiel, Avatar prend à contre-courant la tendance actuelle. Soit livrer une histoire épurée et limpide dont la fluidité narrative nous projette littéralement aux côtés des personnages. Malgré la technologie de pointe utilisée, les moyens démentiels mis en œuvre, un univers d’une richesse inouïe, Avatar surprend par le classicisme de son récit.

On suit alors Jake (Sam Worthington, la nouvelle coqueluche d’Hollywood) dans son apprentissage de la vie de guerrier, mais aussi sa quête spirituel au sein de la tribu Na’vi et sa découverte d’un monde merveilleux. Il va apprendre et surtout comprendre leur culture, langage et croyances, si bien qu’il en oublie sa mission initiale. Lorsque les militaires dirigés par le colonel Quaritch (Stephen Lang, excellent en salopard) décide d’aller annihiler les indigènes car leur village se trouve sur le gisement du précieux minerai, Jake prend les armes avec ses nouveaux compagnons. Avatar est assurément le film le plus ambitieux de la carrière de James Cameron, mais aussi peut être son plus personnel. On retrouve dedans nombre d’éléments de sa filmographie. Il n’est pas question de recyclage, mais plutôt de créer une œuvre somme. Comme si le réalisateur souhaitait faire une sorte de bilan tout en regardant avec nostalgie la légende qu’il laissera derrière lui. L’aspect guerrier et tribal évoque Aliens, le retour. La masculine Trudy (Michelle Rodriguez) et le belliqueux Selfridge (Giovanni Ribisi) rappelleront respectivement Vasquez et Carter Burke. Sans oublier les fameux robots renvoyant à celui piloté par Ripley lors de l’affrontement final contre la Reine Mère des Aliens. Un mécha qui avait par ailleurs fortement influencé l’animation japonaise depuis. Abyss est aussi nettement cité ne serait-ce pour l’opposition de point de vue entre l’armée et les scientifiques, ainsi que le message écologique et humaniste. Et bien sûr, la romance passionnelle entre Sully et Neytiri, suite logique de celle entre Jack et Rose de Titanic (qui était déjà le prolongement de celle entre Bud et Lindsey dans Abyss). James Cameron avoue même s’être inspiré de sa propre personne pour créer le docteur Grace Augustine (Sigourney Weaver). Le cinéaste n’a jamais caché sa passion pour la science, la nature (le fond des océans notamment) et l’anthropologie. Il a par ailleurs consacré son temps à des documentaires entre Titanic et Avatar. Ainsi, si Pandora ressemble autant à un fond marin qu’à une jungle exotique, ce n’est sûrement pas un hasard.

James Cameron puise aussi une de ses inspirations du côté de l’animation japonaise. Notamment chez un autre génie, Hayao Miyazaki. Impossible ne pas penser au Château dans le ciel ou Nausicäa de la vallée du vent devant les étranges décors montagneux et la façon de mettre en scène les créatures ou machines volantes. Neytiri n’est-elle pas non plus la Mononoké de Pandora ? Tout comme le mysticisme, l’idée de communion avec la nature est directement empruntée au cinéma de Miyazaki. Cela donne au final un mélange relevant du jamais vu au cinéma. Une œuvre transfigurée par la puissance évocatrice de ses images. Une œuvre capable de nous faire rêver et frissonner durant 2 h 40, et dont les sensations perdurent encore quelques minutes après le générique de fin. Une œuvre que l’on peu d’ors et déjà élever au rang de classique indiscutable tant elle apporte autant au cinéma, qu’aux spectateurs. Difficile de ne pas être confiant pour la future adaptation du mythique manga Gunnm, tant James Cameron semble le réalisateur parfait pour mener à bien ce projet dantesque.

Un autre projet s’annonce plus intriguant en revanche : celui de Gantz, qui sera scindé en deux films (comme pour Death Note) prévus pour l’hiver 2011 et le printemps 2012 (pas pour tout de suite donc !). Déjà adapté en animé par Gonzo en 2004, le manga d’Hiroya Oku approche de sa conclusion. Le diptyque sera réalisé par Shinsuke Sato, réalisateur du nazebroque Princess Blade (décidement !) avec Kazunari Ninomiya (Lettres d’Iwo Jima) dans le rôle de Kei Kurono et Kenichi Matsuyama (L dans les Death Note) dans celui de Katô. Le tournage débute le mois prochain. On est curieux de voir si les films garderont l’ultra violence, le sexe, le fun et surtout le nihilisme de l’œuvre originale. Une adaptation du jeu vidéo et surtout de l’animé Gungrave est aussi envisagéei, sans que plus d’infos aient filtrées pour l’instant. Pour finir, voici le trailer du prochain Mamoru Oshii, Assault Girls (rien à voir avec un quelconque manga mais faut bien en parler) et sachez que le moyen L : Change de World, spin-off de Death Note, sortira chez nous directement en DVD le 18 novembre prochain. Voici le visuel :

Poursuivi par des Mings venus de Chine, le jeune Kotarô et son chien Tobimaru rencontrent un ronin, Nanashi (littéralement « Sans Nom »), hanté les cauchemars de son passé et qui désormais a scellé son katana. Kotarô engage le samouraï déchu comme garde du corps pour que ce dernier l’escorte durant son voyage. Pendant ce temps-là, Rarô, un guerrier blond aux yeux bleus travaillant pour les Mings semble plus motivé par la recherche d’un adversaire digne de ce nom que par l’enfant… Véritable hommage à un genre ultra populaire en son temps mais qui aujourd’hui est en voie de disparition, Sword of the Stranger (ou Stranger – Mukoh Hadan dans sa version originale) est un authentique chambara historique et violent à l’ancienne délaissant tout aspect fantastique si à la mode dans les derniers avatars du genre (aussi bien à la télévision, qu’au cinéma). L’histoire se déroule durant l’époque Sengoku (milieu du XVème siècle jusqu’au début du XVIIème), dans une période trouble de conflits permanents mais aussi de transition vers l’ère de la modernité qui marquera la réunification du pays après maintes guerres civiles. C’est aussi une période où le commerce avec la Chine, alors considéré comme le pays le plus avancé au monde, était fleurissant. Le film retranscrit avec une certaine précision le cadre historique de l’époque avec notamment la confrontation entre deux nations voisines que tout oppose. D’un côté les Mings, des guerriers entraînés, loyaux, voué à un Empereur et de l’autre des japonais montrés comme des traîtres, des opportunistes, des voleurs, voir comme des assassins. Durant cette période de chaos, les trahisons furent monnaies courantes et nombres de seigneurs nippons se sont retrouvés avec une lame dans le dos. Une scène du film sur la fin symbolise bien cela lorsque, Itadori n’hésite pas à sacrifier son propre seigneur prisonnier de l’ennemi et ainsi prendre sa place.

Pour mettre en images cette histoire, BONES a mis quelques-uns des ses meilleurs éléments à commencer par Masahiro Ando, dont c’est la première réalisation mais qui a fait ses armes chez Mamoru Oshii (Ghost in the Shell) et Rintaro (Metropolis) en tant qu’animateur clé. Qui plus est, il a notamment participé aux storyboards des séries Fullmetal Alchemist et RahXephon, tout en assurant la réalisation de quelques épisodes. L’expérience est là et cela se voit à l’écran puisque la maîtrise du cadre et de la gestion de l’espace sont bluffantes durant les séquences d’actions. Il faut aussi prendre en compte que Sword of the Stranger est avant tout un projet personnel mené par le réalisateur depuis 2003, dont il avait réalisé un film pilote dans le but de vendre l’idée au studio. À cela, on peut ajouter le travail exceptionnel de l’équipe technique notamment le directeur de l’animation Yoshiyuki Ito (chara designer de Fullmetal Alchemist et Soul Eater) et du chara designer Tsunenori Saito (directeur de l’animation sur RahXephon, Mars Daybreak et Wolf’s Rain). Sans avoir le même budget, Sword of the Stranger n’a pourtant aucun mal à foutre la honte au récent Highlander de Yoshiaki Kawajiri. Ce qui au premier abord peut paraître insensé vu le bagage du cinéaste responsable de chefs-d’œuvre tels que Ninja Scroll ou Vampire Hunter D : Bloodlust. Entre un combat final mis en scène avec efficacité certes mais sans grand génie chez Kawajiri et un autre proprement hallucinant, multipliant les plans virevoltants comme un travelling circulaire en plein affrontement et surtout d’un dynamisme rarement vu dans un film d’animation, le choix est vite fait ! La rixe, très chorégraphiée, entre Nanashi et Rarô est la plus impressionnante et spectaculaire depuis celle entre Jubei et Gemma dans… Ninja Scroll. L’élève a dépassé le maître. D’autant que cette virtuosité ne s’étale pas uniquement sur quelques minutes mais bien sur toute la durée du métrage (même si les vingt dernières s’avèrent les plus réussies).

On doit le scénario à Fumihiko Takayama, scénariste sur RahXephon mais il est surtout connu pour avoir réalisé les OAV Mobile Suit Gundam 0080 et le film Patlabor WXIII. Sans être révolutionnaire, le script pioche avec adresse à droite et à gauche dans les diverses histoires de samouraïs dont le cinéma nippon nous a abreuvées durant quelques décennies. Mais aussi vers le western spaghetti si cher à Sergio Leone (le héros possède beaucoup de Clint Eastwood). Ainsi, Nanashi est un rônin blasé en quête de rédemption. Bien qu’au début il accepte d’escorter Kotarô pour l’argent, il va peu à peu se lier l’amitié avec lui jusqu’à prendre son job comme un expiatoire des ses péchés antérieurs. Forcément, il en viendra à sortir à nouveau son épée de son fourreau pour protéger le jeune garçon (lors d’une scène à en donner des frissons !). Et si à la fin, Nanashi doit la vie sauve à la pierre que lui avait donnée Kotarô, cela se traduit par le pardon cherché au début. Sa conscience est libre. Rarô est un personnage plus énigmatique du fait de ses origines que l’on devine européennes mais aussi pour son véritable but dans l’histoire. Rarô évoque ses guerriers mythiques, tel Achille, incontrôlables pour leur souverain et souhaitant avant tout la gloire par l’épée. Pour cela, il cherche une lame à sa mesure et Nanashi semble être l’adversaire idéal. Rarô ira même jusqu’à trancher les deux bras de son chef, qui allait abattre Nanashi avec un fusil, pour avoir l’honneur de combattre avec le ronin. Sword of the Stranger impressionne par son approche décomplexée de la violence, là où la Toei et leurs récents films Hokuto no Ken se borgnent à livrer des œuvres aseptisées et inoffensives (un comble pour du Ken !). Ici, ça tranche, ça coupe, ça défigure à tout va. Les membres et les têtes volent, tandis que le sol se recouvre de sang. Le sang d’un pays en perdition.

Si l’on pouvait dès le départ faire confiance au studio BONES pour nous livrer un film soigné, il faut avouer que l’on ne s’attendait pas à une telle réussite de leur part. D’autant plus que l’on n’a pas évoqué toutes les bonnes idées jalonnant le film telles que la localisation des voix (les Mings parlent chinois) ou le score très inspiré de Naoki Sato (X, Eureka Seven). Le film sortira la semaine prochaine en France, dans une combinaison de salles que l’on devine limitée. Donc si vous avez l’occasion de vous déplacer, n’hésitez pas une seule seconde car Sword of the Stranger possède déjà l’étoffe d’un classique et Masahiro Ando sera un réalisateur à suivre de près d’ici les prochaines années. Sa seconde réalisation déboulera d’ailleurs dès cet été au Japon avec la série Canaan, produite par le studio P.A. Works (True Tears).

Le petit Sôsuke, cinq ans, habite une maison construite au sommet d’une falaise qui surplombe la mer. Un matin, alors qu’il joue sur la plage en contrebas, il découvre une petite fille poisson rouge piégée dans un pot en verre. Sôsuke la sauve et lui donne le nom de Ponyo. Il décide alors de la garder avec lui dans un seau. Ponyo est aussi fascinée par Sôsuke que ce dernier l’est par elle. Le petit garçon lui promet de la protéger et de s’occuper d’elle, mais le père de Ponyo, Fujimoto, un sorcier autrefois humain qui vit au fond de la mer, la force à revenir avec lui dans les profondeurs. Bien décidée à devenir humaine, Ponyo s’échappe pour retrouver Sôsuke… Après un Château Ambulant en 2004 très sophistiqué qui ne fit pas l’unanimité, Miyazaki revient à un cinéma plus classique et ciblé pour les très jeunes comme pouvait l’être Mon Voisin Totoro (1988) et Kiki la petite sorcière (1989). Et si le cinéaste effectue en quelque sort un retour en arrière stylique, Ponyo sur la falaise reste toutefois dans l’évolution logique de sa carrière. Celle d’un homme qui cherche à faire le point en regardant le trajet exceptionnel qu’il a effectué depuis la fin des années 70. Après Pixar avec Le Monde de Nemo, c’est au tour de Miyazaki de déclarer son amour pour l’océan et sa faune au travers d’un conte écologique. La séquence d’ouverture est, par exemple, un véritable festival visuel ou comment faire du spectaculaire en montrant uniquement la vie sous-marine. Du spectacle justement, on en trouve dans Ponyo malgré le caractère intimiste de l’intrigue (histoire centrée sur deux protagonistes principaux, peu de personnages secondaires ou de lieux). Ainsi, la tempête fait déjà partie des plus belles séquences de la filmographie du réalisateur. Même si dans Ponyo il est question de l’avenir de l’humanité, le film ne présente aucun méchant, ni véritable menace. Fujimoto, le père de Ponyo, cherche juste à récupérer sa fille pour la protéger des Hommes qu’il considère comme des pollueurs d’océan. Et lorsque la catastrophe naturelle intervient, les dégâts sont justes matériels et tout le monde s’entraide dans la bonne humeur. La conclusion est vouée à être positive et on en ressort heureux.

Ce monde idyllique décrit par Miyazaki donne indéniablement une personnalité à son œuvre, contrastant ainsi avec notre monde actuel où l’on ne parle que de conflits ou de crise économique. Si bien, qu’il est difficile de revenir à la réalité une fois arrivé au générique de fin. Alors que l’on juge de plus en plus un long-métrage sur sa noirceur ou son soit disant traitement « adulte », Ponyo nous ramène à l’enfance dès les premières images. Alors que les films d’animation sortis du studio Dreamworks comme Monstres contre Aliens (exemple obligatoire du moment) ne proposent que des gags scatologiques en plus d’afficher un profond cynisme pour le genre qu’il aborde, Ponyo sur la falaise propose un vrai voyage dans l’imaginaire destiné à tous. Pas la peine de préciser lequel des deux films il faut absolument voir…