Chizuko Mikamo, orpheline et héritière d’une grosse fortune, est une jeune fille timide et tourmentée. Prisonnière de sa belle famille envieuse de son héritage, Chiko sait que sa belle-mère essaye de l’empoisonner pour se débarrasser d’elle. Elle parvient à s’enfuir aux côtés d’un voleur légendaire et distingué appelé Cent-Visages. Progressivement, elle devient membre de sa troupe de bandits au grand cœur et accompagne Cent-Visages dans sa quête mystérieuse de justice… Une chose est sûre, Bones a mis les moyens pour pondre le script de la série avec pas moins de cinq scénaristes. Pas des moindres en plus car la plupart ont déjà de sacrés CV comme Michihiro Tsuchiya (FMA : Brotherhood, Major, Cross Game ou Scrapped Princess), Natsuko Takahashi (Bleach, FMA, Gundam Seed Destiny ou School Rumble) ou encore Reiko Yoshida (D.Gray-man, Jyu Oh Sei, K-ON! ou Dragon Ball Z). Cela fait beaucoup de monde pour une histoire assez simple finalement qui contient, certes, son lot de rebondissements, mais qui a franchement du mal à garder un rythme constant sur la durée. En effet, Chiko démarre comme beaucoup de séries Bones. Soit une jeune héroïne qui voit son quotidien morose complètement bousculé par une bande de pirates au grand cœur (Mars Daybreak, Eureka Seven, Xam’d: Lost Memories…). Il s’ensuit une période d’intégration où Chiko doit faire ses preuves pour se faire accepter dans sa nouvelle famille. On s’attache très rapidement aux personnages avec en tête le charismatique Cent-Visages. L’animé est alors très rythmé dans son déroulement, ce qui permet de passer outre du design général assez pauvre (on sent que le budget n’est pas le même que sur Soul Eater). Le scénario prend même une tournure inattendue et surtout plus sombre dès le sixième épisode. Un coup de poker scénaristique typique de chez Bones, qui permet souvent de transcender une série.

Sauf que Chiko accuse une baisse de régime dès que son héroïne quitte la bande de voleurs pour retourner auprès de sa belle famille. Il s’ensuit alors des histoires secondaires peu passionnantes et l’arrivée de nouveaux personnages assez horripilants (Shunka et la Maid Tome). L’intrigue concernant la tante et ses plats empoisonnés est vite évincée alors, trop glauque sûrement. Au lieu de cela, on tombe dans une banale histoire de savant fou mégalomane voulant détruire de monde. On en vient à regretter que l’univers ne soit pas assez exploité. On apprend certes le passé de Cent-Visages (par le biais de flashback pas souvent bien intégrés) mais rien sur la récente guerre et ses conséquences. Dommage car Chiko avait les moyens au départ pour être plus qu’un « petit titre ». On notera pour l’anecdote que Cent-Visages s’appelle dans la version originale Vingt-Visages. Il en a gagné 80 en arrivant en France, allez savoir pourquoi !

Shanghai. Le reporter Minoru Minorikawa et la photographe Maria Oosawa sont envoyés sur place pour couvrir un festival culturel. Après avoir été séparés durant la manifestation, Maria se retrouve mêlée à une fusillade. Elle est sauvée in extremis par une tueuse à gages à la chevelure argentée et aux yeux d’un rouge vif. Il s’agit de Canaan, une amie proche dont elle avait perdue le contact. Pendant ce temps, le groupuscule terroriste « Serpent » s’apprête à faire libérer leur leader, Alphard… Si l’on regarde la série sur ses deux premiers épisodes engageants et jusqu’à sa moitié, Canaan apparaît comme une série d’action tout à fait correcte. La confrontation musclée entre les deux antagonistes Canaan et Alphard évoque le cinéma de John Woo en version féminine. De plus, Masahiro Ando soigne ses scènes d’actions malgré leur courte durée à chaque fois et le rythme assez soutenu permet de nous faire oublier les nombreux trous du scénario. Le 7ème épisode est même un modèle de suspense digne d’un blockbuster hollywoodien. Sauf que la série bascule dans sa seconde partie pour un voyage initiatique dans une contrée désertique. Nos héros décident d’aller explorer les ruines d’un village dont les habitants ont été décimés par un virus. Les rares survivants possèdent désormais un pouvoir spécial mais ont besoin d’un médicament pour survivre. Canaan abandonne ce qui faisait son charme jusque là (l’action en gros), pour se concentrer sur les relations entre les personnages et sur une vague histoire de terrorisme bactériologique dont on se contrefout totalement (et que l’on a vu mieux ailleurs). La caractérisation très stéréotypée des différents protagonistes (dont la moitié est inutile) et l’écriture bancale de l’histoire empêche tout semblant d’intérêt. Au lieu de se concentrer sur l’affrontement, aussi bien physique que psychologique, entre Canaan et Alphard (expédié en quelques secondes à la fin), la scénariste Mari Okada (Red Garden, Vampire Knight, Kodomo no Jikan… ok, on a compris !) met en avant la gourde Maria et sa relation d’amitié (voir plus) avec Canaan.

À partir de là, la série s’embourbe dans un salmigondis de mauvaises idées que je ne vais pas m’amuser à lister bêtement. Canaan essaye alors de prendre pour Noir mais finit par ressembler au final à El Cazador de la Bruja (l’influence de la trilogie Girls & Guns de Bee Train se fait largement sentir), les scènes d’action réussies en plus. Ne cherchez pas non plus un lien aux références bibliques que pouvait nous promettre le titre. L’héroïne s’appelle Canaan uniquement parce qu’on mentor était Cham. Point barre. Difficile au final de ne pas parler de déception avec un réalisateur aussi prometteur et un matériau d’origine aussi solide (la série n’a pas grand-chose à voir avec le jeu, il paraît). Après l’excellente surprise que fut Sword of the Stranger, on attendait plus de la première série de Masahiro Ando. Mais alors beaucoup plus.

Contrairement à Darker than Black : Kuro no Keyakusha, l’intrigue semble cette fois suivre le personnage Suou Pavlichenko. Hei se retrouve à priori en protagoniste secondaire. Reste à espérer que cela n’ait pas d’impact négative sur le scénario. Au staff on retrouve le célèbre Tensai Okamura (Wolf’s Rain) à la direction, la génialissime Yoko Kanno (Cowboy Bebop, Macross Frontier) se désiste de la composition des musiques pour laisser sa place à un nouveau : Yasunori Ishii. On notera aussi la présence d’Hiroyuki Yoshino (Code Geass, Macross Frontier, My-Hime) parmi l’équipe de scénaristes. Les deux premiers épisodes nous entraînent très vite au cœur de l’action, avec l’affrontement entre le syndicat et les pactisants et l’arrivée de nouveaux personnages tel que le jumeau de l’héroïne qui semble être le principal antagoniste. Espérant juste que les scénaristes n’ont pas chaumé pendant ces deux dernières années. L’optimal serait qu’ils nous aient préparé une saison au moins aussi jouissive que la première tout en comblant les défauts de celle-ci !

Quelques images :

Afin d’accéder au rang suprême de « Death Scythe », une arme démoniaque doit ingérer 99 âmes humaines et une âme de sorcière. Cette mission est confiée aux Meisters, des spécialistes du combat formés à l’institut Shibusen, une école de formation pour faucheurs d’âmes. Maka Albarn est une Meister combattant avec sa faux, Soul, qui au repos à l’apparence d’un jeune garçon aussi cool que rebelle… Soul Eater avait fait sensation dès son premier épisode avec une réalisation démentielle, des choix artistiques osés et une qualité d’animation qui mettait à l’amende Naruto et consorts. Aucun doute là-dessus, quand Bones est dans la place, la concurrence se met à genoux. La série est dirigée par Takuya Igarashi, dont c’est la seconde réalisation après la comédie Ouran Host Club : Le lycée de la séduction (plusieurs membres du staff l’ont suivi au passage). Son expérience sur l’adaptation du manga de Bisco Hatori en fait l’homme idéal pour Soul Eater, tant le potentiel comique de l’œuvre d’Ohkubo est énorme. C’est bien simple, on n’avait pas rit autant depuis bien longtemps dans un shônen de baston. Ainsi, Black Star, version parodique de Naruto (sans être jamais cynique) assure le spectacle, tout comme Death the Kid et ses troubles obsessionnels compulsifs liés à la symétrie (un running gag hilarant qui fonctionne à chaque fois). Sans oublier Shinigami-sama et sa voix déformée, le père de Maka qui a du mal à assumer ses responsabilités paternelles, ou encore l’insupportable Excalibur, l’arme la plus ennuyeuse jamais créée. Soul Eater est aussi une série très rythmée puisque l’intégralité des épisodes couvre les 14 volumes disponibles sans que l’histoire ne soit plombée par des fillers à l’intérêt discutable (comme chez la concurrence…). L’animé peut consommer quasiment d’une traite, sans que le spectateur ressente la moindre lassitude. Les affrontements sont vifs et dynamiques et les adversaires ne perdent pas leur temps à brasser de l’air.

L’histoire est scindée en deux arcs distincts. Dans le premier, nos héros doivent empêcher une sorcière maléfique du nom de Médusa de ressusciter le Kishin Asura, un ancien guerrier passé du côté obscur. Tandis que dans le second, l’organisation Arachnophobia veut détruire le monde (au moins c’est simple et concis comme motivation) avec l’aide de ce même Asura. Ne cherchez rien de révolutionnaire, Soul Eater dispose d’une intrigue principale tout ce qu’il y a de plus classique. Contrairement à Fullmetal Alchemist qui a essayé d’innover le genre, Soul Eater se repose beaucoup trop sur ses lauriers en accumulant les péripéties habituelles des shônen (entraînement, combat, mise à mal, dépassement de soi, entraînement, etc.). De même le lien fort entre le Meister et son arme est loin d’être une nouveauté. C’est dommage, on en attendait un peu plus. Mais le reste frôle le sans faute : de la caractérisation des personnages à l’aspect technique général. Nos héros subissent une vraie évolution de caractère au cours de l’aventure (et pas uniquement de puissance). De plus, aucun des trois principaux (Maka, Black Star, Death the Kid) ne s’effacent par rapport aux autres. En revanche, les personnages secondaires ne sont pas tous exploités correctement (Giriko et Justin Law ne servent à rien, Mosquito perd tout de son intérêt comparé au manga…), tandis que certains ne montrent pas un réel intérêt dans l’histoire (Chrona est insupportable, Excalibur n’est pas toujours drôle). Un bémol à signaler aussi envers le score de Taku Iwasaki (Getbackers, Gurren Lagann) qui est certes efficace, mais loin d’être marquant. L’univers de Soul Eater évoque celui de Tim Burton. Comme D.Gray-man mais en beaucoup plus coloré et extravagant. On pense alors aux délires visuels de la Gainax et plus particulièrement ceux de Gurren Lagann. Une référence pleinement assumée qui transcende littéralement l’œuvre originale d’Atsushi Ohkubo. Une adaptation animée qui surpasse le manga, c’est assez rare pour le souligner. Il suffit de voir la terrifiante séquence de naissance du Kishin et la baston homérique qui en découle, pour se dire que Soul Eater possède une classe visuelle folle.

Comme nous l’évoquions en introduction, c’est la conclusion qui s’avère être le principal point noir de cette adaptation. L’affrontement entre nos héros et le Kishin est spectaculaire (merci Black Star et Death the Kid) mais le deus ex machina est une facilitée scénaristique dont on se serait bien passé. Si bien que la fin laisse un goût aussi amer que celle de Claymore (autre série conclue brutalement alors que le manga était en cours). Désormais, Bones ne pourra que choisir l’option du relaunch comme pour FMA pour continuer l’histoire. Sauf que l’adaptation du manga d’Hiromu Arakawa ne suivait que 7 volumes, soit la moitié de Soul Eater ! Ce qui n’est pas forcément gênant pour les aventures des frères Elric, pourrait en revanche l’être pour celles de Maka, Soul et leurs amis. Rendez-vous dans cinq ans !

Darker than Black prend la quatrième place avec 10 % des voix, juste devant Wolf’s Rain avec 9%. On notera au passage que les deux séries sont l’œuvre du même auteur, Tensai Okamura. D’ailleurs, Darker than Black revient cet automne avec une nouvelle saison (voilà pour la news cachée). Toujours aussi surprenant de voir Eureka Seven si bas avec seulement 5 % (même score pour RahXephon). Ouran High School Host Club ainsi que Xam’d: Lost Memories (première série non licenciée de la liste) suivent avec 4 % et Jyu Oh Sei avec 2%. Scrapped Princess, Kurau: Phantom Memory, Angelic Layer, Mars Daybreak et The Skull Man n’obtiennent que 1% des voix. Ghost Slayers Ayashi, Clockwork Fighters Hiwou’s War et Chiko, Heiress of the Phantom Thief ferment la marche avec seulement un unique vote chacun. C’est assez surprenant pour la dernière et cela confirme la méconnaissance totale du public envers cette série…

L’adaptation a été confiée à Mari Okada, scénariste de Vampire Knight, Red Garden, Kodomo no Jikan… que des titres marquants (ironie inside bien sûr) ! Heureusement Ando s’approprie d’emblé l’univers de Canaan avec une mise en scène immersive (le festival de Shanghaï comme si on y était) et des séquences d’action virtuose (le gunfight final). On pense même à GITS : Stand Alone Complex 2nd GIG par moment. L’histoire est encore assez floue mais on devine déjà que l’un des fils rouge sera le duel entre Canaan et Alphard (doublée par Maaya Sakamoto). Mais on n’est pas au bout de nos surprises avec le nombre important de personnages intégrés au scénario. Espérons que les 13 épisodes suffiront à bien développer tout cela.

Quelques images :

On estime à 70 % de chance qu’un tremblement de terre de magnitude 7 survienne à Tokyo. C’est à partir de ce postulat de base qu’est né Tokyo Magnitude 8.0. Le but n’étant pas de faire comme Hollywood, c’est-à-dire se servir d’un cataclysme pour en faire un divertissement, mais plutôt de plonger de manière réaliste au cœur d’une catastrophe naturelle. L’animé est la seconde réalisation de Masaki Tachibana après les ONA The King of Fighter: Another Day. Il fut aussi storyboardeur sur de nombreux titres connus (Eureka Seven, Fullmetal Alchemist, GITS : Stand Alone Complex, Noir…). Quant au script, qu’on l’on nous promet très documenté, il est l’œuvre de Natsuko Takahashi (Fullmetal Alchemist, Jyu Oh Sei, Chiko, Heiress of the Phantom Thief). Outre la technique parfaite comme souvent chez Bones (chara design tout mignon, animation très dynamique, décors fourmillant de détails), c’est la lente montée en pression qui impressionne dans cet épisode pourtant si calme. Et nous donner autant envie de voir la suite dès l’introduction, c’est souvent bon signe. 11 épisodes sont programmés pour le moment.

Quelques images :

Aoi Hana
Studios : J.C. Staff
Genre : shôjo-aï
Première diffusion : juillet 2009
?? Épisodes

Synopsis :
Fumi et Akira sont les meilleures amies du monde depuis qu’elles sont toutes petites, mais la famille de Fumi déménage et les enfants se perdent de vue. Quelques années plus tard Fumi revient dans sa ville natale et retrouve Akira devenue une belle jeune fille, tout comme elle…

Source : Anime Days

Bakemonogatari
Studios : Shaft
Genre : aventure, fantastique et comédie
Première diffusion : juillet 2009
?? épisodes

Synopsis :
Koyomi Araragi est un jeune lycéen des plus ordinaires d’une école privée, à ceci près qu’il a été mordu par un vampire. Depuis, il n’a de cesse de faire d’étranges rencontres dont celle de la jolie Hitagi Senjogahara, partageant sa classe depuis trois ans mais qui révèle bientôt une nouvelle facette…

Source : Anime Days

Canaan
Studios : P.A. Works
Genre : énigme et policier
Première diffusion : juillet 2009
?? épisodes

Synopsis :
L’an 200X. Shibuya est en pleine ébullition après un étrange kidnapping. Les destins d’un jeune garçon, d’un détective, d’un chercheur et d’un écrivain vont se croiser tandis que le monde menace de basculer.

Source : Anime Days

Cobra the Animation: Rokunin no Yûshi
Studios : Madhouse Production
Genre : action, aventure et science-fiction
Première diffusion : 4 juillet 2009
13 épisodes

Synopsis :
Troisième et dernier opus des nouvelles séries Cobra produites pour les 30 ans de la franchise après le remake Cobra the Animation: The Phycho-Gun et la série d’OAV Time Drive qui lui fait suite.

Source : Wikipédia

Element Hunters
Studios : HeeWon Entertainment et NHK Enterprises
Genre : aventure et science-fiction
Première diffusion : 4 juillet 2009
?? épisodes

Synopsis :
En 2029, après l’effondrement du plancher sous-marin en mer méditerranée des éléments chimiques élémentaires disparaissent subitement de la surface de la planète tels que l’oxygène, le carbone, le cobalt et l’or … L’humanité est au bord de l’extinction lorsque 60 ans plus tard 90% de la population a disparu. L’espoir revient lorsque les scientifiques découvrent que les éléments chimiques disparus sont aspirés vers une autre dimension appelée “Nega Earth”. Retrouver ces éléments vitaux à notre survie est impératif, une équipe de jeunes adolescents capable de traverser vers l’autre dimension est mis sur pied pour les ramener sur terre.

Source : Manganimation

Fight Ippatsu! Jûden-chan!!
Studios : Studio Hibari
Genre : comédie et ecchi
Première diffusion : 25 juin 2009
?? épisodes

Synopsis :
Dans un monde où les humains connaissent des baisses d’énergies il existe des créatures invisibles chargées de leur rendre la forme, les jûdens. Plug est une de ces jûdens qui tente de remplir son rôle de son mieux. Qu’arrivera-t-il lors de sa rencontre avec Sentô, un jeune homme capable de la voir ?

Source : Anime Days

GA: Geijutsuka Art Design Class
Studios : AIC
Genre : ??
Première diffusion : 6 juillet 2009
?? épisodes

Synopsis :
Orienté tranche de vie, cette série propose comme son nom l’indique, de suivre le quotidien de cinq jeunes filles faisant partie d’une école d’arts.

Source : AnimeNation

Hetalia Axis Powers Second Season
Studios : Studio DEEN
Genre : comédie
Première diffusion : juillet 2009
13 épisodes

Synopsis :
Suite de la première saison…

Source : ANN

Kanamemo
Studios : Feel
Genre : comédie
Première diffusion : 5 juillet 2009
?? épisodes

Synopsis :
Axé tranche de vie, cette série suit la vie de Kana Nakamichi, jeune fille travaillant dans la distribution de journaux qui semble n’embaucher que des jolies jeunes filles…

Source : ANN

Needless
Studios : Madhouse
Genre : comédie, aventure et fantastique
Première diffusion : 2 juillet 2009
?? épisodes

Synopsis :
La troisième guerre mondiale a laissé des séquelles sur le Japon sous la forme d’endroits contaminés placés en quarantaine : les Blackspots. Dans ces lieux, certains habitants ont réussi à survivre malgré la pollution, et ont développé des pouvoirs surnaturels suite à cette exposition. On les appelle les Needless, littéralement “ceux dont on a pas besoin”.

Source : moetron (traduit)

Princess Lover!
Studios : GoHands
Genre : ??
Première diffusion : 5 juillet 2009
?? épisodes

Synopsis :
Adaptation d’un eroge sorti sur PC. Ce jeu nous propose de suivre la vie de Teppei Arima, un jeune étudiant qui après avoir perdu ses deux parents dans un accident de la route, se retrouve sous la tutelle de son grand-père, qui l’oblige alors à intégrer une école prestigieuse afin qu’il mène des études pour prendre la succession de son empire financier.

Source : ANN

Sora no Manimani
Studios : Studio Comet
Genre : comédie
Première diffusion : 7 juillet 2009
?? épisodes

Synopsis :
Saku Ooyagi revient après sept ans d’absence dans sa ville et renoue avec son ami d’enfance, la toujours aussi turbulente Mihoshi Akeno ; mais les retrouvailles sont loin d’être joyeuse puisque le dernier souvenir qui les unis n’est autre que lui tentant de la sauvée lors de sa chute d’un arbre. Malgré cela, Mihoshi fait tout pour améliorer leur relation et pousse bientôt le jeune Saku à s’inscrire dans son club d’astronomie.

Source : Anime Days

Spice and Wolf II
Studios : Brains Base
Genre : aventure
Première diffusion : juillet 2009
?? épisodes

Synopsis :
Après une première saison qui a rencontrée un franc succès au Japon, voici la suite des aventures du commerçant Craft Lawrence et de la déesse louve.

Taisho Yakyû Musume
Studios : J.C. Staff
Genre : sport
Première diffusion : 2 juillet 2009
?? épisodes

Synopsis :
Juillet 1934. Koume est la fille unique des propriétaires d’un restaurant européen, le Suzukawa, qui intègre le lycée pour fille de la ville de Hoshika. Un jour, en discutant avec son amie que l’on surnomme la petite miss, là voilà qui se met en tête de jouer au baseball et plus encore, de former une équipe. Il ne leur reste alors plus qu’à recruter les autres filles afin de constituer l’équipe mais plus encore, d’apprendre les règles qu’elles ignorent totalement. L’équipe pourra-t-elle défaire celle des garçons ? Le récit de jeunes filles qui voulaient battre à plat de couture les préjugés commence.

Source : Anime Days

Tokyo Magnitude 8.0
Studios : Bones
Genre : Drame
Première diffusion : juillet 2009
?? épisodes

Synopsis :
Projet original de Bones, né entre autres d’une volonté de montrer aux citoyens japonais les conséquences d’un gros séisme sur le pays de façon réaliste. Au début des vacances d’été, Mirai se rend avec son frère Yutaka à une exposition de robotique sur l’île artificielle d’Odaiba. Une puissante secousse survient d’une faille océanique provoquant l’effondrement du Rainbow Bridge et de la Tour de Tokyo défigurant en un instant le paysage de la capitale. Avec l’aide d’une livreuse du nom de Mari rencontrée à Odaiba, Mirai et Yutaka tente de gagner leur maison à l’ouest de Tokyo, dans l’arrondissement de Setagaya.

Source : Anime Days

Umi Monogatari ~Anata ga Ite Kureta Koto~
Studios : ZEXCS
Genre : action et magical girl
Première diffusion : 24 juin 2009
?? épisodes

Synopsis :
Marin et Urin sont deux créatures mythiques vivant dans les fonds marins et rêvant du monde à la surface. Un beau jour, elles découvrent un anneau tombant au beau milieu de l’océan. Bien décidées à le rendre à son propriétaire, les deux sœurs se lancent dans un voyage périlleux les conduisant sur la terre ferme d’une île isolée où elles font la connaissance d’une lycéenne du nom de Kanon. La rencontre entre Marin, divinité des eaux, et Kanon, divinité des airs, va éveiller un pouvoir jusque-là en sommeil tandis que les ténèbres menacent le monde.

Source : Anime Days

Umineko no Naku Koro ni
Studios : Studio DEEN
Genre : thriller
Première diffusion : 1 juillet 2009
?? épisodes

Synopsis :
L’histoire prend place en octobre de l’année 1986. Le patriarche de la richissime famille Ushiromiya est mourant. Les membres de sa famille, les serviteurs et le médecin de famille sont assemblés autours de lui, dans son manoir perdu sur l’île isolée de Rokkenjima. Et alors qu’une tempête isole encore un peu plus l’île du reste du monde, les invités commencent à se faire tuer les uns après les autres. Qui est le coupable ? Ou bien est-ce qu’un phénomène surnaturel serait à l’œuvre.

Source : Anime Days

Yoku Wakaru Gendai Mahou
Studios : Nomad
Genre : magical girl
Première diffusion : 11 juillet 2009
?? épisodes

Synopsis :
Adaptation d’une série de Light Novel écrites par Hiroshi Sakurazaka. Le titre signifie littéralement « La Magie Moderne Bien Comprise ».

Source : Anime Kun

Zan Sayonara Zetsubou Sensei
Studios : SHAFT
Genre : comédie
Première diffusion : 4 juillet 2009
?? Épisodes

Synopsis :
Retour pour la troisième fois, du pessimiste et suicidaire professeur de lycée Itoshiki Nozomu (qui peine finalement à passer réellement à l’acte) et de son élève l’inébranlable optimiste Fuura Kafuka.

Merci à J-Truc pour la rédaction de cet article.

Renton Thurston, 14 ans et fils du défunt sauveur de l’humanité Adrock, mène une existence ennuyeuse dans la petite ville de Bellforest en compagnie de son grand-père mécanicien. Son unique loisir est de « riffer » sur les vagues de trappa, c’est-à-dire surfer sur les courants aériens fait de particules de lumière transparentes. Il idolâtre et rêve de rencontrer Holland, champion en la matière et fondateur du GekkoState, un groupe de rebelles anti-gouvernementaux qui utilise le riff comme symbole contre-culturel. Le GekkoState se déplace à bord du Gekko-Go, projet secret de vaisseau de combat volé aux militaires, fait sa publicité dans les pages de son propre magazine, le Ray-Out, et utilise des LFO, des robots géants, comme armes. Un soir, un LFO appelé Nirvash s’écrase sur le garage de son grand-père. À son bord, Eureka, une jeune fille membre du GekkoState dont Renton tombe immédiatement amoureux. L’accident attire l’attention des militaires et le jeune garçon s’enfuit avec Eureka. Il se retrouve ainsi propulsé au sein du GekkoState. Mais Renton déchante rapidement car ceux qu’ils admiraient en tant que surfeurs virtuoses sont en réalité un groupe de résistants en guerre contre l’armée… Débutant comme un shônen avec un jeune héros tête à claques et immature, Eureka Seven s’écarte pourtant rapidement des conventions du genre. Le studio Bones tente une approche similaire à celle de Fullmetal Alchemist, qui consiste à prendre les codes d’une série pour adolescents pour les transformer en une œuvre adulte (voir le contraste entre les séquences dites légères et celles plus graves). Avec en prime un traitement original des méchas (qui surfent !) même si le schéma général évoque furieusement les opus de la saga Macross. À savoir, une romance épique sur fond de guerre et de fin du monde. L’aspect space opéra en moins.

Sur les premiers épisodes, on pense surtout à Mars Daybreak, autre titre Bones (de 2004) qui démarrait de manière quasi identique avec un héros intégrant un équipage de « gentils pirates » (c’est aussi le cas de Xam’d: Lost Memories que nous évoquions récemment). Sauf que Mars Daybreak restait jusqu’au bout une série tout public et inoffensive. Or, c’est loin d’être le cas d’Eureka Seven. Renton va vivre une véritable plongée dans l’horreur de la guerre en se retrouvant impliqué dans une bataille dont il ignore tout des aboutissants : anti sectarisme religieux, massacre de civils, villes détruites… Le paysage décrit dans Eureka Seven est vraiment effrayant et on remarque au fil des titres que cela devient une véritable obsession chez Bones. Après quelques loners à l’intérêt variable, la série trouve enfin son rythme de croisière (à partir du moment où Renton rencontre le couple Beams). Il faut dire aussi que la création de l’univers et de la mythologie de l’animé relève d’un travail de titan. Ainsi, les scénaristes prennent leur temps pour fignoler le cadre et les personnages. Pour cela Dai Sato est épaulé par quelques pointures comme Chiaki J. Konaka (Serial Experiments Lain), Hiroshi Ohnogi (Noein), Ichiro Okôchi (Code Geass), Shôtarô Suga (Darker than Black), Megumi Shimizu et Yûichi Nomura (Xam’d: Lost Memories pour les deux). Avec une telle équipe il ne faut pas s’étonner de la complexité de l’intrigue principale (et des sous-intrigues), de la psychologie fouillée et progressive des héros et de l’extrême richesse du background (avec ni plus ni moins qu’une religion inventée uniquement pour l’animé). D’autant plus que tous ces points sont clairement privilégiés par rapport à l’action là où d’autres productions du genre préféreront se reposer dessus. Ici, les affrontements de méchas sont souvent relégués au second plan, sans que les morceaux de bravoure imposés soient sacrifiés pour autant (voir l’attaque du Gekko-Go par Charles et Ray, les combats Nirvash/The End, Holland en mode « Predator », l’assaut final du Gekko-Go…).

Eureka Seven raconte surtout une love story. Elle débute comme une bluette adolescente avec un Renton timide qui rougit au moindre regard appuyé d’Eureka. Les clichés sont bien présents, mais au départ seulement. L’attirance de Renton envers Eureka rappellera fortement celle entre Shinji et Rei dans Neon Genesis Evangelion. À l’instar de Rei, Eureka est très froide même si elle est la « maman » de trois (insupportables) mouflets qu’elle a recueilli sur un champ de bataille (après avoir pourtant tué leurs parents !). Le lien fort unissant Renton au Nirvash, va obliger Eureka à essayer de comprendre le jeune garçon. Elle va alors progressivement s’humaniser à son contact et surtout ouvrir son cœur. La sensation de vide qui va l’envahir lorsque Renton quittera le GekkoState en milieu de série, lui fera comprendre toute l’affection qu’elle a pour le jeune garçon. C’est assez paradoxal, car son amour se déclare juste au moment où sa beauté, si parfaite, se dégrade. Mais cela ne va pas empêcher leur union de devenir de plus en plus forte au fil du temps. La scène du maquillage, anodine en apparence, traduit pourtant parfaitement la singularité des sentiments de Renton. D’ailleurs, pour montrer l’évolution des personnages, le script n’a pas besoin d’effectuer une ellipse dans le temps. Elle se fait toujours de manière fluide au sein du récit. Ecrit avec une incroyable justesse et évitant toute mièvrerie, la romance entre nos deux héros est, en plus, essentielle à l’intrigue principale. En effet, elle pourrait sauver le monde ! On connaît pire justification… Les midinettes (nous en sommes tous une) seront servies puisque deux histoires d’amour secondaires, toutes aussi réussies, viennent se greffer au récit : celle entre Holland et Talho (ah l’épisode de la bague !) et celle particulièrement ambiguë entre Dominic et Anemone (qui prend tout son sens en plein climax final !).

Eureka Seven est aussi une vraie série d’aventures globe-trotter. On visite avec le Gekko-Go tous les recoins du monde. Et ils sont nombreux, comme en témoignent les diverses régions, citées ou simples villages que traversent nos héros (avec des décors différents pour chaque lieu). Si le GekkoState passe une bonne partie de son temps à repousser les assauts de l’armée dans la grande tradition « Gundamienne », chaque arrêt donne lieu à de nouvelles rencontres et intrigues. À l’instar de Fullmetal Alchemist, l’univers d’Eureka Seven évoque irrémédiablement celui du jeu de rôle pour son incroyable profondeur. Outre le couple vedette Renton/Eureka, le troisième personnage central de l’animé et la véritable star est sans conteste Holland. Le charismatique leader du GekkoState est un des héros de série animée les plus fascinants de ces dernières années. Détestable au début à cause de ses réactions imprévisibles (Renton en fait souvent les frais), il devient pourtant de plus en plus intéressant au fur et à mesure que le récit avance. Holland est un jusqu’au-boutiste. Il était perfectionniste lorsqu’il était champion de riff et il n’a pas changé comme en témoigne la façon dont il veut imposer ses idéaux (mais il vaut mieux ne rien dire pour ceux qui n’ont pas vu la série). Il faut dire aussi que le seiyû Kenji Fujiwara (sûrement le plus doué actuellement) signe ici l’une de ses meilleures prestations, tout simplement. Comme souvent chez Bones, le doublage est parfait en général. On notera que la seiyû de Renton, Yûko Sanpei, est aussi l’interprète de Nakiami dans Xam’d: Lost Memories. Pour en revenir vite fait à Holland, on regrettera finalement que la relation avec son frère Dewey, le big bad guy déclaré, soit si sous-exploitée. Qui plus est, les motivations de Dewey mettent davantage en avant sa folie que ses véritables convictions. Difficile alors d’adhérer au personnage, qui représente la seule déception du script.

Techniquement la série se révèle inattaquable, laissant loin derrière la plupart des autres productions télévisuelles (même celles de 2009). Que ce soit le chara design de Kenichi Yoshida, le mecha design de Shôji Kawamori, le score de Naoki Sato ou encore la mise en scène furieuse et opératique des combats aériens, Eureka Seven tape vers le haut, très haut. Sauf peut-être au niveau des openings et endings, assez moyens (quoique, le troisième est fort sympathique). Passionnée de musique, Dai Sato a parsemé la série de nombreuses références musicales (titres des épisodes, noms de villes, le couple Ray/Charles…). C’est anecdotique mais cela donne un cachet supplémentaire à l’ensemble. Ce qui fait qu’Eureka Seven s’est imposé comme un classique dès sa diffusion, plaçant le studio Bones tout en haut de l’échelle de la production nippone d’animé. Une place qu’ils ont su maintenir depuis les succès critiques et publics de Darker than Black, Soul Eater, Xam’d: Lost Memories et… Fullmetal Alchemist: Brotherhood. À noter qu’un long-métrage, titré Eureka Seven: Pocket Full of Rainbows est sorti au mois d’avril dernier. Mais contrairement à Conqueror of Shamballa pour FMA, ce n’est pas une séquelle mais une nouvelle version alternative (mêmes enjeux, mais péripéties différentes). On a déjà hâte ici de replonger dans cet univers palpitant. Comme dirait Holland avec son fameux leitmotiv : « Ne réclame pas. Empare-t’en. Ainsi, tu l’obtiendras. Nous sommes le GekkoState ! »

Poursuivi par des Mings venus de Chine, le jeune Kotarô et son chien Tobimaru rencontrent un ronin, Nanashi (littéralement « Sans Nom »), hanté les cauchemars de son passé et qui désormais a scellé son katana. Kotarô engage le samouraï déchu comme garde du corps pour que ce dernier l’escorte durant son voyage. Pendant ce temps-là, Rarô, un guerrier blond aux yeux bleus travaillant pour les Mings semble plus motivé par la recherche d’un adversaire digne de ce nom que par l’enfant… Véritable hommage à un genre ultra populaire en son temps mais qui aujourd’hui est en voie de disparition, Sword of the Stranger (ou Stranger – Mukoh Hadan dans sa version originale) est un authentique chambara historique et violent à l’ancienne délaissant tout aspect fantastique si à la mode dans les derniers avatars du genre (aussi bien à la télévision, qu’au cinéma). L’histoire se déroule durant l’époque Sengoku (milieu du XVème siècle jusqu’au début du XVIIème), dans une période trouble de conflits permanents mais aussi de transition vers l’ère de la modernité qui marquera la réunification du pays après maintes guerres civiles. C’est aussi une période où le commerce avec la Chine, alors considéré comme le pays le plus avancé au monde, était fleurissant. Le film retranscrit avec une certaine précision le cadre historique de l’époque avec notamment la confrontation entre deux nations voisines que tout oppose. D’un côté les Mings, des guerriers entraînés, loyaux, voué à un Empereur et de l’autre des japonais montrés comme des traîtres, des opportunistes, des voleurs, voir comme des assassins. Durant cette période de chaos, les trahisons furent monnaies courantes et nombres de seigneurs nippons se sont retrouvés avec une lame dans le dos. Une scène du film sur la fin symbolise bien cela lorsque, Itadori n’hésite pas à sacrifier son propre seigneur prisonnier de l’ennemi et ainsi prendre sa place.

Pour mettre en images cette histoire, BONES a mis quelques-uns des ses meilleurs éléments à commencer par Masahiro Ando, dont c’est la première réalisation mais qui a fait ses armes chez Mamoru Oshii (Ghost in the Shell) et Rintaro (Metropolis) en tant qu’animateur clé. Qui plus est, il a notamment participé aux storyboards des séries Fullmetal Alchemist et RahXephon, tout en assurant la réalisation de quelques épisodes. L’expérience est là et cela se voit à l’écran puisque la maîtrise du cadre et de la gestion de l’espace sont bluffantes durant les séquences d’actions. Il faut aussi prendre en compte que Sword of the Stranger est avant tout un projet personnel mené par le réalisateur depuis 2003, dont il avait réalisé un film pilote dans le but de vendre l’idée au studio. À cela, on peut ajouter le travail exceptionnel de l’équipe technique notamment le directeur de l’animation Yoshiyuki Ito (chara designer de Fullmetal Alchemist et Soul Eater) et du chara designer Tsunenori Saito (directeur de l’animation sur RahXephon, Mars Daybreak et Wolf’s Rain). Sans avoir le même budget, Sword of the Stranger n’a pourtant aucun mal à foutre la honte au récent Highlander de Yoshiaki Kawajiri. Ce qui au premier abord peut paraître insensé vu le bagage du cinéaste responsable de chefs-d’œuvre tels que Ninja Scroll ou Vampire Hunter D : Bloodlust. Entre un combat final mis en scène avec efficacité certes mais sans grand génie chez Kawajiri et un autre proprement hallucinant, multipliant les plans virevoltants comme un travelling circulaire en plein affrontement et surtout d’un dynamisme rarement vu dans un film d’animation, le choix est vite fait ! La rixe, très chorégraphiée, entre Nanashi et Rarô est la plus impressionnante et spectaculaire depuis celle entre Jubei et Gemma dans… Ninja Scroll. L’élève a dépassé le maître. D’autant que cette virtuosité ne s’étale pas uniquement sur quelques minutes mais bien sur toute la durée du métrage (même si les vingt dernières s’avèrent les plus réussies).

On doit le scénario à Fumihiko Takayama, scénariste sur RahXephon mais il est surtout connu pour avoir réalisé les OAV Mobile Suit Gundam 0080 et le film Patlabor WXIII. Sans être révolutionnaire, le script pioche avec adresse à droite et à gauche dans les diverses histoires de samouraïs dont le cinéma nippon nous a abreuvées durant quelques décennies. Mais aussi vers le western spaghetti si cher à Sergio Leone (le héros possède beaucoup de Clint Eastwood). Ainsi, Nanashi est un rônin blasé en quête de rédemption. Bien qu’au début il accepte d’escorter Kotarô pour l’argent, il va peu à peu se lier l’amitié avec lui jusqu’à prendre son job comme un expiatoire des ses péchés antérieurs. Forcément, il en viendra à sortir à nouveau son épée de son fourreau pour protéger le jeune garçon (lors d’une scène à en donner des frissons !). Et si à la fin, Nanashi doit la vie sauve à la pierre que lui avait donnée Kotarô, cela se traduit par le pardon cherché au début. Sa conscience est libre. Rarô est un personnage plus énigmatique du fait de ses origines que l’on devine européennes mais aussi pour son véritable but dans l’histoire. Rarô évoque ses guerriers mythiques, tel Achille, incontrôlables pour leur souverain et souhaitant avant tout la gloire par l’épée. Pour cela, il cherche une lame à sa mesure et Nanashi semble être l’adversaire idéal. Rarô ira même jusqu’à trancher les deux bras de son chef, qui allait abattre Nanashi avec un fusil, pour avoir l’honneur de combattre avec le ronin. Sword of the Stranger impressionne par son approche décomplexée de la violence, là où la Toei et leurs récents films Hokuto no Ken se borgnent à livrer des œuvres aseptisées et inoffensives (un comble pour du Ken !). Ici, ça tranche, ça coupe, ça défigure à tout va. Les membres et les têtes volent, tandis que le sol se recouvre de sang. Le sang d’un pays en perdition.

Si l’on pouvait dès le départ faire confiance au studio BONES pour nous livrer un film soigné, il faut avouer que l’on ne s’attendait pas à une telle réussite de leur part. D’autant plus que l’on n’a pas évoqué toutes les bonnes idées jalonnant le film telles que la localisation des voix (les Mings parlent chinois) ou le score très inspiré de Naoki Sato (X, Eureka Seven). Le film sortira la semaine prochaine en France, dans une combinaison de salles que l’on devine limitée. Donc si vous avez l’occasion de vous déplacer, n’hésitez pas une seule seconde car Sword of the Stranger possède déjà l’étoffe d’un classique et Masahiro Ando sera un réalisateur à suivre de près d’ici les prochaines années. Sa seconde réalisation déboulera d’ailleurs dès cet été au Japon avec la série Canaan, produite par le studio P.A. Works (True Tears).