UC0001, An 1 de l’Universal Century. Cette nouvelle ère marque l’émigration des hommes vers l’espace. Mais alors que le gouvernement fédéral terrien organisait en grande pompe une cérémonie pour célébrer ce tournant historique, la station spatiale « Laplace », où se tenait l’événement, fut la cible d’une attaque terroriste. Dans les décombres, le jeune Siam fera la découverte d’un étrange objet. Un objet que les initiés appelleront plus tard la « Boîte de Laplace ». Cette « Boîte de Laplace » n’a jamais été ouverte et rares sont ceux qui connaissent son existence. Le secret de cette boîte est resté lié à Siam… UC0096. Orbitant au point Lagrange 1, la colonie Industrial 7 est toujours en construction. Le jeune Banagher Links, de père inconnu, rencontre une mystérieuse fille à bord de la navette qui l’emmène sur la colonie. Et mêlé à d’intrigants évènements, dont sa rencontre avec un Mobile Suit blanc nommé « Unicorn », il va changer le cours de l’histoire. Banagher est encore loin de savoir que ses péripéties le conduiront vers les batailles dont la Boîte de Laplace constitue l’enjeu. C’est une première, Mobile Suit Gundam Unicorn bénéficie d’une sortie mondiale. Ainsi, japonais, américain ou français peuvent profiter, depuis le 12 mars dernier, de l’OAV 1 au format blu-ray uniquement (même si les possesseurs de PS3 avaient accès à l’épisode via le PlayStation Store depuis le 20 février). La série est réalisée par l’expérimenté Kazuhiro Furuhashi (Kenshin Le Vagabond, Hunter X Hunter) qui quitte Production I.G (il est récemment l’auteur du Chevalier d’Eon et Real Drive) pour Sunrise. Il retrouve le scénariste du Chevalier d’Eon, Yasuyuki Muto que l’on connaît aussi pour Basilisk, Sengoku Basara ou encore Banner of the Stars III.

En regardant l’épisode, on ne peut que regretter que les premières séries Gundam soient encore inédites chez nous (on a les films, certes), tant le néophyte risque d’être perdu devant le flot d’informations déversées. Avec seulement six épisodes d’une heure, Gundam UC démarre sur les chapeaux de roues, multiplie les références et autres coups de coude au spectateur. Difficile alors d’apprécier pleinement sans avoir le bagage nécessaire (ce qui n’était pas le cas de Gundam Seed ou Gundam 00 qui étaient plus accessibles). Cependant, même pour les non initiés, Gundam UC est assurément une sacrée claque visuelle. Format OAV oblige, on est au niveau d’un long-métrage de cinéma. Pas sûr que le film Gundam 00 prévu pour septembre au Japon soit aussi bien soigné. Les morceaux de bravoure sont déjà légions comme la présentation efficace du mécha de Marida Cruz ou le final aussi spectaculaire qu’émouvant. Pas de doutes, on est dans un vrai Gundam avec un jeune adolescent qui se retrouve impliqué dans une guerre qui le dépasse totalement, aux commandes d’un Gundam surpuissant. On attend déjà le mystérieux individu masqué (au nom intriguant de Full Frontal) pour le prochain épisode prévu pour l’automne. Comme pour les OAV Hellsing Ultimate, il va falloir s’armer de patience entre les épisodes…

Quelques images :

PS : 35 € pour un blu-ray contenant uniquement l’épisode sans aucun doublage français, c’est limite du vol…

• Naruto Film 1 – Naruto et la princesse des neiges – 19,95 € (les films 2 & 3 sont aussi disponibles)

Editeur : Kana

• Naruto Shippûden – Box 5/? (39,95 €)

Editeur : Kana

• Mobile Suit Gundam 00 saison 1 – Volume 3/3 (33,99 €)

Editeur : Beez

• Mobile Suit Gundam 00 S1 – Box 2/3 (35,99 €)

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Editeur : Beez

• Bleach – Box collector 8/? (49,99 €)

Editeur : Kaze

• Eyeshield 21 – Box 3/4 (39,99 €)

Editeur : Kaze

Renton Thurston, 14 ans et fils du défunt sauveur de l’humanité Adrock, mène une existence ennuyeuse dans la petite ville de Bellforest en compagnie de son grand-père mécanicien. Son unique loisir est de « riffer » sur les vagues de trappa, c’est-à-dire surfer sur les courants aériens fait de particules de lumière transparentes. Il idolâtre et rêve de rencontrer Holland, champion en la matière et fondateur du GekkoState, un groupe de rebelles anti-gouvernementaux qui utilise le riff comme symbole contre-culturel. Le GekkoState se déplace à bord du Gekko-Go, projet secret de vaisseau de combat volé aux militaires, fait sa publicité dans les pages de son propre magazine, le Ray-Out, et utilise des LFO, des robots géants, comme armes. Un soir, un LFO appelé Nirvash s’écrase sur le garage de son grand-père. À son bord, Eureka, une jeune fille membre du GekkoState dont Renton tombe immédiatement amoureux. L’accident attire l’attention des militaires et le jeune garçon s’enfuit avec Eureka. Il se retrouve ainsi propulsé au sein du GekkoState. Mais Renton déchante rapidement car ceux qu’ils admiraient en tant que surfeurs virtuoses sont en réalité un groupe de résistants en guerre contre l’armée… Débutant comme un shônen avec un jeune héros tête à claques et immature, Eureka Seven s’écarte pourtant rapidement des conventions du genre. Le studio Bones tente une approche similaire à celle de Fullmetal Alchemist, qui consiste à prendre les codes d’une série pour adolescents pour les transformer en une œuvre adulte (voir le contraste entre les séquences dites légères et celles plus graves). Avec en prime un traitement original des méchas (qui surfent !) même si le schéma général évoque furieusement les opus de la saga Macross. À savoir, une romance épique sur fond de guerre et de fin du monde. L’aspect space opéra en moins.

Sur les premiers épisodes, on pense surtout à Mars Daybreak, autre titre Bones (de 2004) qui démarrait de manière quasi identique avec un héros intégrant un équipage de « gentils pirates » (c’est aussi le cas de Xam’d: Lost Memories que nous évoquions récemment). Sauf que Mars Daybreak restait jusqu’au bout une série tout public et inoffensive. Or, c’est loin d’être le cas d’Eureka Seven. Renton va vivre une véritable plongée dans l’horreur de la guerre en se retrouvant impliqué dans une bataille dont il ignore tout des aboutissants : anti sectarisme religieux, massacre de civils, villes détruites… Le paysage décrit dans Eureka Seven est vraiment effrayant et on remarque au fil des titres que cela devient une véritable obsession chez Bones. Après quelques loners à l’intérêt variable, la série trouve enfin son rythme de croisière (à partir du moment où Renton rencontre le couple Beams). Il faut dire aussi que la création de l’univers et de la mythologie de l’animé relève d’un travail de titan. Ainsi, les scénaristes prennent leur temps pour fignoler le cadre et les personnages. Pour cela Dai Sato est épaulé par quelques pointures comme Chiaki J. Konaka (Serial Experiments Lain), Hiroshi Ohnogi (Noein), Ichiro Okôchi (Code Geass), Shôtarô Suga (Darker than Black), Megumi Shimizu et Yûichi Nomura (Xam’d: Lost Memories pour les deux). Avec une telle équipe il ne faut pas s’étonner de la complexité de l’intrigue principale (et des sous-intrigues), de la psychologie fouillée et progressive des héros et de l’extrême richesse du background (avec ni plus ni moins qu’une religion inventée uniquement pour l’animé). D’autant plus que tous ces points sont clairement privilégiés par rapport à l’action là où d’autres productions du genre préféreront se reposer dessus. Ici, les affrontements de méchas sont souvent relégués au second plan, sans que les morceaux de bravoure imposés soient sacrifiés pour autant (voir l’attaque du Gekko-Go par Charles et Ray, les combats Nirvash/The End, Holland en mode « Predator », l’assaut final du Gekko-Go…).

Eureka Seven raconte surtout une love story. Elle débute comme une bluette adolescente avec un Renton timide qui rougit au moindre regard appuyé d’Eureka. Les clichés sont bien présents, mais au départ seulement. L’attirance de Renton envers Eureka rappellera fortement celle entre Shinji et Rei dans Neon Genesis Evangelion. À l’instar de Rei, Eureka est très froide même si elle est la « maman » de trois (insupportables) mouflets qu’elle a recueilli sur un champ de bataille (après avoir pourtant tué leurs parents !). Le lien fort unissant Renton au Nirvash, va obliger Eureka à essayer de comprendre le jeune garçon. Elle va alors progressivement s’humaniser à son contact et surtout ouvrir son cœur. La sensation de vide qui va l’envahir lorsque Renton quittera le GekkoState en milieu de série, lui fera comprendre toute l’affection qu’elle a pour le jeune garçon. C’est assez paradoxal, car son amour se déclare juste au moment où sa beauté, si parfaite, se dégrade. Mais cela ne va pas empêcher leur union de devenir de plus en plus forte au fil du temps. La scène du maquillage, anodine en apparence, traduit pourtant parfaitement la singularité des sentiments de Renton. D’ailleurs, pour montrer l’évolution des personnages, le script n’a pas besoin d’effectuer une ellipse dans le temps. Elle se fait toujours de manière fluide au sein du récit. Ecrit avec une incroyable justesse et évitant toute mièvrerie, la romance entre nos deux héros est, en plus, essentielle à l’intrigue principale. En effet, elle pourrait sauver le monde ! On connaît pire justification… Les midinettes (nous en sommes tous une) seront servies puisque deux histoires d’amour secondaires, toutes aussi réussies, viennent se greffer au récit : celle entre Holland et Talho (ah l’épisode de la bague !) et celle particulièrement ambiguë entre Dominic et Anemone (qui prend tout son sens en plein climax final !).

Eureka Seven est aussi une vraie série d’aventures globe-trotter. On visite avec le Gekko-Go tous les recoins du monde. Et ils sont nombreux, comme en témoignent les diverses régions, citées ou simples villages que traversent nos héros (avec des décors différents pour chaque lieu). Si le GekkoState passe une bonne partie de son temps à repousser les assauts de l’armée dans la grande tradition « Gundamienne », chaque arrêt donne lieu à de nouvelles rencontres et intrigues. À l’instar de Fullmetal Alchemist, l’univers d’Eureka Seven évoque irrémédiablement celui du jeu de rôle pour son incroyable profondeur. Outre le couple vedette Renton/Eureka, le troisième personnage central de l’animé et la véritable star est sans conteste Holland. Le charismatique leader du GekkoState est un des héros de série animée les plus fascinants de ces dernières années. Détestable au début à cause de ses réactions imprévisibles (Renton en fait souvent les frais), il devient pourtant de plus en plus intéressant au fur et à mesure que le récit avance. Holland est un jusqu’au-boutiste. Il était perfectionniste lorsqu’il était champion de riff et il n’a pas changé comme en témoigne la façon dont il veut imposer ses idéaux (mais il vaut mieux ne rien dire pour ceux qui n’ont pas vu la série). Il faut dire aussi que le seiyû Kenji Fujiwara (sûrement le plus doué actuellement) signe ici l’une de ses meilleures prestations, tout simplement. Comme souvent chez Bones, le doublage est parfait en général. On notera que la seiyû de Renton, Yûko Sanpei, est aussi l’interprète de Nakiami dans Xam’d: Lost Memories. Pour en revenir vite fait à Holland, on regrettera finalement que la relation avec son frère Dewey, le big bad guy déclaré, soit si sous-exploitée. Qui plus est, les motivations de Dewey mettent davantage en avant sa folie que ses véritables convictions. Difficile alors d’adhérer au personnage, qui représente la seule déception du script.

Techniquement la série se révèle inattaquable, laissant loin derrière la plupart des autres productions télévisuelles (même celles de 2009). Que ce soit le chara design de Kenichi Yoshida, le mecha design de Shôji Kawamori, le score de Naoki Sato ou encore la mise en scène furieuse et opératique des combats aériens, Eureka Seven tape vers le haut, très haut. Sauf peut-être au niveau des openings et endings, assez moyens (quoique, le troisième est fort sympathique). Passionnée de musique, Dai Sato a parsemé la série de nombreuses références musicales (titres des épisodes, noms de villes, le couple Ray/Charles…). C’est anecdotique mais cela donne un cachet supplémentaire à l’ensemble. Ce qui fait qu’Eureka Seven s’est imposé comme un classique dès sa diffusion, plaçant le studio Bones tout en haut de l’échelle de la production nippone d’animé. Une place qu’ils ont su maintenir depuis les succès critiques et publics de Darker than Black, Soul Eater, Xam’d: Lost Memories et… Fullmetal Alchemist: Brotherhood. À noter qu’un long-métrage, titré Eureka Seven: Pocket Full of Rainbows est sorti au mois d’avril dernier. Mais contrairement à Conqueror of Shamballa pour FMA, ce n’est pas une séquelle mais une nouvelle version alternative (mêmes enjeux, mais péripéties différentes). On a déjà hâte ici de replonger dans cet univers palpitant. Comme dirait Holland avec son fameux leitmotiv : « Ne réclame pas. Empare-t’en. Ainsi, tu l’obtiendras. Nous sommes le GekkoState ! »

Pour en revenir à Gundam 00, le premier coffret chez Beez débarquera le 1er juillet prochain. Il comprendra 9 épisodes, soit le tiers de la première saison, ainsi que de nombreux goodies. Le visuel ci-dessous :

Vous le savez déjà sûrement, cette année, la saga fête ses 30 années d’existence et pour l’occasion je vous conseille fortement le podcast de chez Skouetch, où tous les titres sont décryptés. C’est un excellent moyen d’apprendre à connaître cette immense franchise de l’animation japonaise. Enfin pour finir, ces tarés de nippons ont décidé de sortir les grands moyens pour l’anniversaire avec ni plus ni moins qu’une réplique grandeur nature de Mobile Suit, le Gundam RX-78-2 (18 mètres), exposé au quartier Obaida à Tokyo du 11 juillet au 31 août 2009. À ne pas rater pour les veinards qui seront sur place, pour les autres voici quelques photos :

(Source : Pinktentacle)

(Merci à Kakashi89 pour la rédaction de cet article et le prochain sondage concernera les séries du studio Bones)

Poursuivi par des Mings venus de Chine, le jeune Kotarô et son chien Tobimaru rencontrent un ronin, Nanashi (littéralement « Sans Nom »), hanté les cauchemars de son passé et qui désormais a scellé son katana. Kotarô engage le samouraï déchu comme garde du corps pour que ce dernier l’escorte durant son voyage. Pendant ce temps-là, Rarô, un guerrier blond aux yeux bleus travaillant pour les Mings semble plus motivé par la recherche d’un adversaire digne de ce nom que par l’enfant… Véritable hommage à un genre ultra populaire en son temps mais qui aujourd’hui est en voie de disparition, Sword of the Stranger (ou Stranger – Mukoh Hadan dans sa version originale) est un authentique chambara historique et violent à l’ancienne délaissant tout aspect fantastique si à la mode dans les derniers avatars du genre (aussi bien à la télévision, qu’au cinéma). L’histoire se déroule durant l’époque Sengoku (milieu du XVème siècle jusqu’au début du XVIIème), dans une période trouble de conflits permanents mais aussi de transition vers l’ère de la modernité qui marquera la réunification du pays après maintes guerres civiles. C’est aussi une période où le commerce avec la Chine, alors considéré comme le pays le plus avancé au monde, était fleurissant. Le film retranscrit avec une certaine précision le cadre historique de l’époque avec notamment la confrontation entre deux nations voisines que tout oppose. D’un côté les Mings, des guerriers entraînés, loyaux, voué à un Empereur et de l’autre des japonais montrés comme des traîtres, des opportunistes, des voleurs, voir comme des assassins. Durant cette période de chaos, les trahisons furent monnaies courantes et nombres de seigneurs nippons se sont retrouvés avec une lame dans le dos. Une scène du film sur la fin symbolise bien cela lorsque, Itadori n’hésite pas à sacrifier son propre seigneur prisonnier de l’ennemi et ainsi prendre sa place.

Pour mettre en images cette histoire, BONES a mis quelques-uns des ses meilleurs éléments à commencer par Masahiro Ando, dont c’est la première réalisation mais qui a fait ses armes chez Mamoru Oshii (Ghost in the Shell) et Rintaro (Metropolis) en tant qu’animateur clé. Qui plus est, il a notamment participé aux storyboards des séries Fullmetal Alchemist et RahXephon, tout en assurant la réalisation de quelques épisodes. L’expérience est là et cela se voit à l’écran puisque la maîtrise du cadre et de la gestion de l’espace sont bluffantes durant les séquences d’actions. Il faut aussi prendre en compte que Sword of the Stranger est avant tout un projet personnel mené par le réalisateur depuis 2003, dont il avait réalisé un film pilote dans le but de vendre l’idée au studio. À cela, on peut ajouter le travail exceptionnel de l’équipe technique notamment le directeur de l’animation Yoshiyuki Ito (chara designer de Fullmetal Alchemist et Soul Eater) et du chara designer Tsunenori Saito (directeur de l’animation sur RahXephon, Mars Daybreak et Wolf’s Rain). Sans avoir le même budget, Sword of the Stranger n’a pourtant aucun mal à foutre la honte au récent Highlander de Yoshiaki Kawajiri. Ce qui au premier abord peut paraître insensé vu le bagage du cinéaste responsable de chefs-d’œuvre tels que Ninja Scroll ou Vampire Hunter D : Bloodlust. Entre un combat final mis en scène avec efficacité certes mais sans grand génie chez Kawajiri et un autre proprement hallucinant, multipliant les plans virevoltants comme un travelling circulaire en plein affrontement et surtout d’un dynamisme rarement vu dans un film d’animation, le choix est vite fait ! La rixe, très chorégraphiée, entre Nanashi et Rarô est la plus impressionnante et spectaculaire depuis celle entre Jubei et Gemma dans… Ninja Scroll. L’élève a dépassé le maître. D’autant que cette virtuosité ne s’étale pas uniquement sur quelques minutes mais bien sur toute la durée du métrage (même si les vingt dernières s’avèrent les plus réussies).

On doit le scénario à Fumihiko Takayama, scénariste sur RahXephon mais il est surtout connu pour avoir réalisé les OAV Mobile Suit Gundam 0080 et le film Patlabor WXIII. Sans être révolutionnaire, le script pioche avec adresse à droite et à gauche dans les diverses histoires de samouraïs dont le cinéma nippon nous a abreuvées durant quelques décennies. Mais aussi vers le western spaghetti si cher à Sergio Leone (le héros possède beaucoup de Clint Eastwood). Ainsi, Nanashi est un rônin blasé en quête de rédemption. Bien qu’au début il accepte d’escorter Kotarô pour l’argent, il va peu à peu se lier l’amitié avec lui jusqu’à prendre son job comme un expiatoire des ses péchés antérieurs. Forcément, il en viendra à sortir à nouveau son épée de son fourreau pour protéger le jeune garçon (lors d’une scène à en donner des frissons !). Et si à la fin, Nanashi doit la vie sauve à la pierre que lui avait donnée Kotarô, cela se traduit par le pardon cherché au début. Sa conscience est libre. Rarô est un personnage plus énigmatique du fait de ses origines que l’on devine européennes mais aussi pour son véritable but dans l’histoire. Rarô évoque ses guerriers mythiques, tel Achille, incontrôlables pour leur souverain et souhaitant avant tout la gloire par l’épée. Pour cela, il cherche une lame à sa mesure et Nanashi semble être l’adversaire idéal. Rarô ira même jusqu’à trancher les deux bras de son chef, qui allait abattre Nanashi avec un fusil, pour avoir l’honneur de combattre avec le ronin. Sword of the Stranger impressionne par son approche décomplexée de la violence, là où la Toei et leurs récents films Hokuto no Ken se borgnent à livrer des œuvres aseptisées et inoffensives (un comble pour du Ken !). Ici, ça tranche, ça coupe, ça défigure à tout va. Les membres et les têtes volent, tandis que le sol se recouvre de sang. Le sang d’un pays en perdition.

Si l’on pouvait dès le départ faire confiance au studio BONES pour nous livrer un film soigné, il faut avouer que l’on ne s’attendait pas à une telle réussite de leur part. D’autant plus que l’on n’a pas évoqué toutes les bonnes idées jalonnant le film telles que la localisation des voix (les Mings parlent chinois) ou le score très inspiré de Naoki Sato (X, Eureka Seven). Le film sortira la semaine prochaine en France, dans une combinaison de salles que l’on devine limitée. Donc si vous avez l’occasion de vous déplacer, n’hésitez pas une seule seconde car Sword of the Stranger possède déjà l’étoffe d’un classique et Masahiro Ando sera un réalisateur à suivre de près d’ici les prochaines années. Sa seconde réalisation déboulera d’ailleurs dès cet été au Japon avec la série Canaan, produite par le studio P.A. Works (True Tears).

Année 2312. Quatre ans se sont écoulés depuis la dernière bataille qui a opposé Celestial Being à la Force des Nations Unies. Depuis, tous les pays se sont rassemblés sous la bannière de la Fédération Terrienne. Mais outre sa force régulière, celle-ci possède une unité indépendante dévolue au « maintien de l’ordre public », l’organisation A-Laws. En vérité, celle-ci exerce une pression extrême envers toute personne ou mouvement remettant en cause la Fédération. Saji Crossroad, alors qu’il réalise son rêve de devenir ingénieur spatial et tient la promesse qu’il a faite à Louise Halevy, sera aussi emporté par la tyrannie du gouvernement fédéral. Depuis la disparition d’Alejandro Corner, Setsuna F. Seiei, qui a survécu à la bataille d’il y a quatre ans, rêve d’un monde paisible, dépourvu de conflit. Mais il voit de ses propres yeux que cette paix est corrompue par l’oppression des A-Laws. Ainsi, il a pris la décision de se battre à nouveau au moyen d’un pouvoir capable de changer le monde, au moyen des Gundam. Sur cette planète qui se remet en marche, qui sait où les emportera la voie de Setsuna et de Saji ? Finalement la création d’une fédération unique entre les différentes nations de la Terre n’aura pas engendré la fin des conflits souhaités par les Celestial Being. Les pays riches profitent de cette unification, tandis que les pauvres récoltent les restes en plus de subir la répression de la nouvelle milice fascisante. Les A-Laws n’hésitent pas à massacrer des civils sans se salir les mains (voir la séquence avec les Automatons du premier épisode) pour imposer leur loi. C’est pourquoi les Celestial Being se reforment et repartent en guerre (avec comme première grosse scène d’action importante, l’évasion d’Allelujah d’un quartier de haute sécurité). Alors que les spots promotionnels nous montraient déjà son retour, Lockon Stratos revient en la personne de Lyle Dylandy, le frère jumeau de Neil. Expédiée dès le premier épisode, cette révélation n’est pas une réelle surprise étant donné la popularité du personnage lors de la saison précédente (de plus, on savait déjà que Neil avait un jumeau).

Le script, toujours signé Yôsuke Kuroda, n’oublie heureusement pas de faire évoluer les personnages principaux comme secondaires. Ainsi Saji Crossroad et Louise Halevy prennent enfin de l’importance après leur rôle de spectateurs dans la première saison. Saji intègre, contre son gré, les Celestial Being après avoir été sauvé par Setsuna. Tandis que Louise s’est engagée chez les A-Laws pour venger la mort de sa famille. Après avoir été séparés, les deux amis vont voir leur destin se recroiser mais dans deux camps différents. On remarque rapidement que certains protagonistes secondaires, à peine esquissés auparavant, bénéficient désormais d’un traitement de faveur (Soma Peries, Kati Mannequin, Sumeragi Lee Noriega…). Malheureusement, ce n’est pas le cas de tous comme Graham Aker, réduit ici à une simple étiquette « Gundamienne » de l’homme masqué. On passe quasiment toute la série à attendre sa fameuse revanche contre Setsuna. Et lorsqu’elle arrive, le combat est totalement expédié et dénué du moindre enjeu intéressant. De plus, le mercenaire sans scrupule Ali Al-Saachez perd complètement de son charisme pour un vulgaire méchant cabotin. On sent très nettement que Kuroda a du mal à gérer tout son petit monde, surtout dans la seconde moitié de cette saison. D’autant plus que de nouveaux protagonistes font leur apparition comme Andrei Smirnov (le fils de Sergei, avec qui il entretient un rapport houleux), Anew Returner (et sa touchante relation avec Lockon) et bien sûr, les fameux Innovators de Ribbons Almarks qui font office de bad guys dans cette deuxième partie. Quant au quatuor des Celestial Being, ce sont toujours des murs de glace endurcis par les conflits. Setsuna gagne en maturité et perd quelque peu de son côté autiste (ouf !). Il est regrettable que sur la fin, il se transforme en banal héros de shônen avec les powers-up de mise. Lockon reste, une fois de plus, le plus attachant du lot. Pour son côté plus « humain » sûrement. Kuroda a bien essayé de faire de même avec Allelujah sur le début par le biais des retrouvailles avec Soma/Marie, mais le couple est clairement laissé de côté jusqu’à la fin. On remarquera au passage que Sunrise aime bien recycler, de série en série, les « séquences de drague sur île déserte après un crash » (Asran et Cagalli dans Gundam Seed, Shinn et Stella dans Gundam Seed Destiny, Suzaku et Kallen dans Code Geass…).

Le plan de Ribbons et des Innovators (les êtres supérieurs typiques de la saga) étant en place, la seconde saison de Gundam 00 privilégie l’action à la parlote. Et même si le background reste solide (rébellion des pays du Moyen-Orient, manipulation de l’information de la Fédération…), il faut avouer que la série se transforme en spectacle ouvertement bourrin. Un « action anime », sacrément bien réalisé au passage (Mizushima dans toute son œuvre), qui multiplie les morceaux de bravoure comme on n’en avait pas vu depuis Code Geass R2. Entre les tactiques de Sumeragi contre celles de Mannequin, l’assaut quasi suicidaire du Ptolemy contre de la station orbitale Memento Mori (épisode 13) ou la destruction des débris de l’ascenseur orbital d’Afrique (épisode 17), ce Gundam ne lésine pas sur les séquences explosives. À l’instar de Gundam Seed Destiny, le nombre de types de Gundam augmente très nettement avec des nouveaux modèles toujours plus puissants que les précédents (d’où l’aspect « Real Robot » moins présent). Mais à contrario de Destiny, le mecha design est ici très travaillé avec de magnifiques créations, à la fois originales et dans la lignée de la franchise (avec des petits coups de coudes pour le vieux fan des débuts). Par exemple, le Gundam Seraphim est une excellente trouvaille donnant lieu à une superbe séquence dans l’épisode 15 où Tieria se débarrasse d’un Innovator alors que ce dernier se croyait déjà victorieux. Comme dans tout blockbuster, Mobile Suit Gundam 00 S2 dispose d’un budget confortable qui permet à la série de garder une régularité technique sur les 25 épisodes. Kenji Kawai signe un score dans la lignée du précédent et le second ending Trust You de Yuna Ito est clairement le plus marquant du lot. Finalement, c’est bien uniquement du point de vue de l’écriture que l’animé montre ses limites. Dans le développement inégal de certains personnages, par le manque d’enjeux solides ou dans les quelques fautes de goûts nanaresques que l’on aimerait bien oublier (l’infiltration de Tieria au bal pour rencontrer Ribbons).

De même, la fin paraît quelque peu précipitée là où le climax de la première saison faisait monter la pression en crescendo, pour finir sur une multitude de séquences fortes en émotions. La plupart des morts – toujours très violentes comme dans tout bon Gundam – sont des personnages très secondaires auxquels le spectateur ne s’est pas franchement attaché. La bataille finale reste toutefois aussi impressionnante que celles de Code Geass R2 ou Macross Frontier, pour prendre des exemples récents de séries mécha. La saga 00 n’est au final pas terminée d’ailleurs puisque Sunrise nous promet un long-métrage pour 2010 qui fera office de nouvelle suite. En effet, même si l’arc est bel et bien clôt, la fin reste assez ouverte pour prolonger l’histoire (malin !). Alors que la première saison essayait d’avoir un juste milieu entre le fond et la forme, Mobile Suit Gundam 00 S2 privilégie la forme, avec une réalisation un cran au-dessus, et se consomme comme un bon blockbuster américain estival. Même si c’est bourré de menus défauts, c’est tellement spectaculaire et jubilatoire, qu’on en ressort forcément content à la fin.

• My-Hime – Intégrale (50,99 €)

Editeur : Beez

• La Tour au-delà des nuages (19,99 €)

Editeur : Pathé

• Eureka Seven – Box 2/2 (50,99 €)

Editeur : Beez

• Mobile Suit Gundam Seed Destiny – Box 2/2 (50,99 €)

Editeur : Beez

• Souten no Ken – Box  2/2 (39,96 €)

Editeur : Kaze

• Death Note: R Relight – L’affrontement (13,99 €)

Editeur : Kana

• Gilgasmesh – Intégrale slim (31,99 €)

Editeur : Kaze