La série de six OAV Karas fête le 40ème anniversaire du grand studio Tatsunoko Production. Produit en 2002, les trois premiers OAV ont vu le jour à partir de 2005 et les trois derniers en 2007. Un travail colossal pour ce studio qui est spécialisé dans les séries sensationnelles. Nous retiendrons parmi toutes leurs séries la saga Catchaman, Generator Gawl (1998) et The SoulTaker (2001) qui donnent un exemple du talent de ce studio pas comme les autres. C’est à Tatsuo Yoshida et ses frères Kenji et Toyoharu à qui nous devons la fondation du studio dans les années 60. Pour vous donner une idée de l’impact du studio Tatsunoko Production, on retrouve d’anciens employés dans la fondation du Studio Pierrot (Get Backers, la saga Saiyuki, Hikaru no Go, Naruto Shippûden, Blue Dragon), J.C. Staff (Utena, Read or Die TV, Ghost Hunt, Nabari no Ô), sans oublier l’un des studios les plus célèbres de ce 21ème siècle, Production I.G (GITS : Stand Alone Complex, Blood+, Le Chevalier d’Eon, Ghost Hound) et d’autres studios encore. L’équipe de la Tatsunoko Production est unique, chacune de leurs œuvres est un véritable bijou, toujours appliquée dans leurs travaux, prenant le temps pour finaliser leur objectif. Aujourd’hui la Tatsunoko Production est parvenue à créer l’une des séries d’OAV les plus réussies de l’animation japonaise. Rarement une série a été aussi délicatement animée en terme technique, rarement une histoire aussi courte soit-elle est parvenue à nous sensibiliser autant, rarement de telles œuvres nous parviennent en France et pourtant… et pourtant, Karas réuni tous les ingrédients pour nous plonger durant 130 minutes dans les profondeurs d’une humanité bafouée par l’égoïsme, l’avarice, l’individualisme et la corruption. Une nouvelle œuvre d’art traverse nos contrées françaises grâce à Dybex en licenciant ce chef-d’œuvre et en le proposant en deux DVD. Keiichi Satô est le créateur de la série, il a également travaillé sur The SoulTaker, sur des films de City Hunter et sur le chef-d’œuvre Wolf’s Rain en tant que directeur d’animation.

Keiichi Satô voue sa vie dans l’aboutissement de séries animées originales. Il travaille souvent en collaboration avec d’autres studios pour apprendre mais également pour mettre en application ces connaissances dans les domaines de l’animation. Et Hajime Satô s’est occupé du design des personnages comme à son habitude lui conférant le meilleur style qui représentait le plus fidèlement l’ambiance de Karas. Dans un Japon contemporain, l’histoire nous entraîne à Tokyo où chaque quartier de Tokyo (appelé « Machi » en japonais qui signifie ville mais à prendre au sens quartier dans ce contexte) possède un protecteur, portant le nom de Maître Karas. Ce protecteur est choisi en fonction de la volonté du quartier (Machi) elle-même qui se matérialise sous les traits d’une jeune fille portant le nom de Yurine (se prononce « Yuriné »). C’est ensuite cette même Yurine qui choisit le Karas qui sera digne de vouer son âme à la protection des lieux. Ainsi, Yurine symbolise le pacte entre la volonté de la ville et l’Élu. L’équilibre entre Yurine et Karas est complémentaire, l’un ne peut vivre sans l’autre. Nous avons encore le symbole du Yin et du Yang. L’une symbolisant la Lune et l’un le Soleil. La volonté unit à la force, c’est sous cette alliance que le rôle du Karas prend son ampleur. Cependant aucun homme ne peut devenir un Karas, c’est à travers la mort qu’il est possible d’atteindre la lumière, donc en devenant un Karas, l’humain abandonne sa vie sur Terre pour laisser son esprit ou son âme revêtir l’armure sacrée. Ekô fut le Karas du quartier de Shinjuku, ayant protégé la ville durant des siècles et des siècles, passant l’éternité à sauver les humains de leur propre déchirure, témoin de la décadence de l’humanité, victime du monde courant à sa perte. Claude Aveline a dit un jour : « Fais que chaque heure de ta vie soit belle. Le moindre geste est un souvenir futur ». L’ambition de sauver Shinjuku le pousse à établir un plan pour défier les règles sacrées afin d’apporter la paix auprès des Hommes. Toutefois, faisant abstraction du repos qui lui a été accordé, un nouveau Karas fait son apparition à Shinjuku. D’après les règles sacrées, un seul Karas est assigné à un quartier, ce qui amène indubitablement un conflit entre Karas Ekô et Karas Otoha. Mais loin de se résigner à abandonner ce pour quoi il a passé un millénaire à se battre, Ekô décide de mener à terme son plan. On dit souvent que la vie est un travail qu’il faut faire debout.

C’est ainsi que le monde des Yôkai (esprits japonais) et des humains autrefois délimités s’ouvrent et des Mikuras (démons) deviennent les exécutants du plan machiavélique d’Ekô. Le téméraire Otoha devient le nouveau Karas de Shinjuku. La lourde tâche de sauver Shinjuku l’entraîne dans la plus sanglante guerre opposant deux Karas. Et comme si cela ne suffisait pas, Otoha devra combattre les démons de son passé pour briser les liens qui maintiennent son corps en vie. Qui a dit que Karas Otoha serait seul dans cet affrontement ? Nue (se prononce « Nué ») est un Mikuras d’un des quatre éléments terrestres qui recherche son frère. C’est au fur et à mesure de l’histoire qu’il se tiendra au côté d’Otoha pour défaire Ekô qui contrôle le jeune frère de Nue. Nue est un personnage attachant, amusant, amateur d’armes à feu, et c’est à travers sa vision durant le premier OAV que nous nous immergeons dans l’univers folklore japonais. Un choix plus que judicieux car de ce fait, l’histoire nous place sous trois angles de vue différents (Nue, Otoha & Ekô). La force de Nue est immense lorsqu’il se transforme en Mikuras. Cachant son véritable pouvoir, et sa destinée, il restera gravé dans la mémoire d’Otoha, et le poussera aux delà de ces limites pour acquérir le véritable pouvoir des Karas. D’autres personnages font leur apparition comme deux inspecteurs qui recherchent l’origine des morts surnaturelles qui jonchent Shinjuku. Mais également un autre Karas qui malgré son air détaché, viendra en aide à Otoha dans cette guerre qui au final va plus loin que la domination du monde puisqu’elle aboutira à la survie ou à la disparition des humains et Yôkai. Certes, la série ne développe pas suffisamment la psychologie des personnages, certes, la série ne développe pas suffisamment le lien entre Yôkai et Humains mais ce n’est pas son but puisque c’est avant tout un hommage. Six magnifiques OAV qui mettent en scène l’histoire d’un peuple où l’envie insatiable a barricadé les hommes, où la haine a multiplié les effusions de sang, une histoire où l’homme a développé des connaissances qui l’on renfermé sur lui-même, où l’intelligence a rendu l’humanité inhumaine. Une belle histoire qui montre que nous ne ressentons pas assez ce qui nous entoure et que nous pensons trop.

Et que dire des combats qui ponctuent l’histoire de manière à ne jamais s’ennuyer ? Majestueux, des chorégraphies maîtrisées à la perfection, le mélange de Graphic Computer (GC) se mariant parfaitement au dessin japonais montre le talent des membres de la Tatsunoko Production dans l’animation (animation hybride 2D/3D). À la différence de la récente série Blassreiter du studio Gonzo. Et n’oublions pas, la bande sonore jouée par l’Orchestre de Prague, où les sonorités et rythmiques émergent le spectateur dans un tourbillon musical réellement appréciable en plus d’une histoire captivante où les minutes semblent défilées telles des secondes ! Après le super-héros Guyver, les japonais en ont un nouveau qui veille sur eux, portant le nom de Karas, protégeant les Yôkai et les humains, dont la vie est vouée à la protection de l’humanité. Petit aparté, on remarquera que Karas reprend des thèmes que l’ont retrouvent dans la série animée The SoulTaker (en moins développé puisque cette dernière série ne compte que 13 épisodes) et également dans son genre, alors chers membres du studio Tatsunoko production, The SoulTaker reprendra t-il vie un jour ? Aurons-nous le droit à une nouvelle saison ou à un film d’animation à son effigie ? On l’espère en tout cas, et après avoir vu Karas, on ne peut être que confiant en l’avenir de l’animation japonaise. Six OAV à ne pas rater pour tout passionné !

Officiellement, Zero a été éliminé par l’Empire Britannia, et Lelouch retourne à ses occupations quotidiennes après qu’on lui ait fait un lavage de cerveau pour oublier ses ambitions démesurées. Entouré de ses fidèles amis au lycée ainsi qu’épaulé d’un jeune frère serviable, le jeune homme doit être sage et sans peur pour vivre heureux. Parallèlement, la capture de C.C est devenue la priorité de l’Empire Britannia. Mais que serait la vie sans l’excitation ? La routine ennuie considérablement notre héros, Lelouch, qui passe ces journées à la recherche de dangereux défis à travers des combats acharnés aux échecs dans l’attente de trouver l’objet de ces désirs qui arrivera à satisfaire sa soif. Une journée qui aurait du être comme les autres, mais le destin en a voulu autrement puisque qu’un pacte est un pacte. On achète un chien avec de la nourriture, un homme avec de l’argent mais la pensée ne s’achète pas. Les Chevaliers de l’Ordre Noir, subordonnés du feu Zero, décident avec l’aide de C.C aux commandes, de lancer leur dernière offensive pour retrouver Lelouch. Ainsi Zero renaît de ses cendres, plus déterminé que jamais à réduire l’Empire en cendre et à retrouver sa sœur, Nunally. Le conflit entre l’action et la pensée est fait d’un compromis. Aucune perfection, aucune poursuite de l’inaccessible, aucune recherche de l’inconnaissable mais prenant la vie à sa juste valeur.

Les premiers épisodes ne déçoivent pas une seule seconde. Une multitude de personnages ont rejoins cette nouvelle saison, une diversité qui annonce un long et éprouvant combat qui attend Zero et ses acolytes puisqu’en utilisant le Geass, Zero a ouvert la porte aux détenteurs du même pouvoir allié à l’Empire. Tous souhaitent tuer Zero, mais qui y parviendra ? Lelouch a mûri, moins impulsif et beaucoup plus machiavélique, à juste titre. Sa sœur bien-aimée est entre les mains de l’Empire. L’Empereur a déshérité Lelouch et l’a condamné, son ancien ami d’enfance Suzaku l’a abandonné pour occuper le poste de Noble Chevalier de l’Empire. Autant de haine qui prend forme au fur et à mesure des épisodes. Passion, Sagesse et Courage forme la saison 2 de Code Geass ! Le but pour la liberté des japonais se fait à travers de nombreuses transformations, parmi des obstacles sans fin, des combats et des morts qui illustrent quoi qu’il en coûte, la doctrine selon laquelle chaque nation doit devenir sa propre loi. Connaissez-vous maître Sun ? Vous devriez, car cette seconde saison de Code Geass applique l’art de la guerre de manière pointilleuse. La guerre est la grande affaire des nations, elle est le lieu où se décident la vie et la mort. Elle est la voie de la survie ou de la disparition. Suivez la série animée, Code Geass – Hangyaku no Lelouch R2, pour découvrir un univers politique riche en émotions.

Les quatre premiers épisodes mettent en évidence un personnage principal plus intelligent, plus réceptif à ce qui l’entoure et surtout plus déterminé à mener son coup d’État même si cela le conduit à sacrifier des vies. Ne dit-on pas que « La vengeance est un plat qui se mange froid ». La victoire dépend de la perspicacité, de l’impartialité, de l’humanité, de la résolution et de la sévérité de Lelouch Lamperouge (Zero) : « Il faut agir toujours en dehors des règles ordinaires alors Britannia tremblez ! Ceux qui prennent un malin plaisir à faire souffrir les Hommes seront mes victimes et ceux qui me soutiennent deviendront mes alliés ». On ne peut pas se tromper en disant que Code Geass est sur la bonne voie pour devenir la meilleure série animée 2008 ! Wait and see !

Quelques images :

- Anime

- Manga

- Drama/Films

- Mode/musiques

+ La situation actuelle de l’animation et du manga en France.

Jusque là rien de bien nouveau me direz-vous. Pourtant ne vous y trompez pas, ces quatre domaines recèlent bien plus de potentiel qu’on peut y croire. C’est pourquoi, passionné que je suis, souhaiterai me lancer dans cette formidable aventure qu’est l’émission live manga, pour passer un bon moment entres fans, partager ce que j’aime, et surtout pour donner un aspect divertissant au site AnimeFr en favorisant une approche originale pour votre plus grand plaisir. Le principe ? Autour d’une table seront regroupés les chroniqueurs présidés par l’animateur de l’émission. Leur rôle sera de mettre en avant le ou leurs sujets tout en répondant aux questions de l’animateur afin d’aller jusqu’au fond des choses. Cependant l’originalité sera au goût du jour. Par la suite nous essayerons de faire intervenir des acteurs de l’édition d’animés et du manga en France afin d’avoir un réel aperçu et surtout connaitre l’avis d’expert travaillant dans le milieu.

Sept postes seront à pourvoir :

- Quatre chroniqueurs/rédacteurs (deux garçons et deux filles)

- Un caméraman (spécialisé dans tout ce qui touche les plans, séquences pour bien filmer)

- Une personne s’y connaissant dans le montage vidéo (afin d’inclure dans l’émission des reportages par exemple avec voix off, inclure des musiques, amv, etc.)

- Un rédacteur supplémentaire qui travaillera avec moi sur des reportages

Par contre le candidat devra répondre aux exigences :

– Avoir une bonne élocution

– Être motivé

– Être à l’aise devant la caméra

– Avoir un minimum de connaissance sur la culture japonaise

– Avoir un minimum de temps libre (réunion d’informations, pour tourner les émissions, etc.)

- Habiter à Paris, en région parisienne ou pouvoir y venir facilement (pour se voir, tourner les émissions, etc.)

- Avoir au moins 18 ans

Alors comment participer ? Tout simplement en m’envoyant par mail (en cliquant sur mon pseudo en haut de l’article marqué « Par Reith Saji » un bref écrit (une page environ) traitant d’un thème et me préciser quelle rubrique vous intéresse. N’oublions pas qu’il est avant tout question de plaisir et de faire plaisir. L’émission sera transmise sur le site AnimeFr puisqu’il vise avant tout à rendre un hommage au site ainsi qu’à ceux qui lui donne vie aussi bien dans l’écriture d’articles que dans l’échange de critiques, de commentaires ou encore des fidèles lecteurs. Cependant, avant toute chose, j’aimerai connaitre votre avis sur la question.

C’est le premier épisode de la saga Final Fantasy qui a su atteindre le sol français et par la même occasion conquérir des milliers de joueurs, par son scénario poignant, son design particulier (en Super Deformed 3D) et ses musiques. Le 14 septembre 2005, le long-métrage Final Fantasy VII : Advent Children apparaît majestueusement en proposant enfin une suite à l’histoire du fameux RPG. Un film d’animation de toute beauté aussi bien en termes de réalisation que scénaristiquement parlant. Deux ans se sont écoulés après que la rivière de la vie ait détruit le météore qui menaçait la Terre et que Cloud ait combattu son frère d’arme, Sephiroth. Midgar n’est plus la ville dynamique qu’elle était et la paix ne semble pas être encore venue puisque depuis quelques temps, une maladie se répand chez les enfants qu’on nomme géostigmates. Cloud demeure passif, et à perdu goût pour la vie depuis la mort de sa bien aimée Aerith. Malheureusement pour Cloud, il n’y a point de repos pour les guerriers car trois hommes dont les pouvoirs sont aussi puissants que Sephiroth font leurs apparitions à Midgar et détruisent tous ce qu’ils rencontrent sur le chemin qui les mènera à la résurrection de leur Mère. Le 26 janvier 2006, c’est au tour de Dirge of Cerberus sur PS2 et son histoire se focalisant sur Vincent Valentine. Un an est passé depuis la fin de l’épidémie de géostigmates. L’organisation WRO (World Regenesis Organization), menée par Reeve Tuesti, s’active pour effacer l’horreur causée par la Shinra. Cependant, depuis quelques semaines, une nouvelle organisation s’impose de manière violente sous le nom de Deepground. Des gens disparaissent, des cris de douleurs venant de Midgar s’amplifient de jour en jour. Vincent Valentine actuellement à Kalm se retrouve au milieu d’un assaut des soldats de Deepground. Malheureusement le calvaire a débuté le moment où Vincent capte une transmission qu’il n’aurait jamais du entendre… Les Démons du passé doivent retourner dans les Ténèbres… C’est alors que Vincent Valentine décide de s’occuper personnellement du conflit pour mettre un terme à son passé qui le poursuit depuis la mort de sa bien aimée. Une histoire des plus captivantes qui proposent aux joueurs des révélations qu’il était impossible d’imaginer jusqu’à maintenant.

Puis enfin vient la consécration le 13 septembre 2007, l’épisode action/RPG que tous les fans attendaient depuis plusieurs années. Crisis Core : Final Fantasy VII sur PSP. L’histoire se situe quelques années avant l’épisode sur PSone. La Shinra est l’organisation qui régit la région politiquement parlant. Possédant des milliers de soldats, ainsi que des unités spéciales, l’histoire de ce nouvel opus nous embarque dans l’unité d’élite, Soldier. La mission est simple, préserver la paix sur Terre, et venir en aide aux personnes qui en ont le plus besoin. Un état d’esprit omniprésent dans le jeu face aux détracteurs qui polluent le monde de Midgar. Nous incarnons, le soldat de première classe Zack Fair de Soldier. Sous les ordres de son ami et mentor, Angeals, les missions se succèdent jusqu’au jour où le soldat de première classe Genesis, ami d’enfance de Angeals et Sephiroth disparaît mystérieusement. Depuis sa disparition, des clones de Genesis s’introduisent dans les missions de la Shinra ayant pour but d’éradiquer la corporation. Derrière ces actes, Genesis puis par la suite, Angeals décide de rejoindre son vieil ami dans la lutte qu’il mène contre la Shinra même si cela doit l’opposer à son petit protégé, Zack. Assisté par Sephiroth, a pour mission d’éliminer Genesis et Angeals qui commencent à devenir trop violent et qui mettent en danger les habitants. Partagé entre son devoir de Soldier et de ses sentiments envers Angeals, la bataille promet d’être psychologiquement dure. À la guerre le nombre n’est pas un facteur décisif, c’est pourquoi durant tout le jeu Zack sera seul lors des combats. Savoir concentrer ses forces et évaluer l’adversaire seront les deux compétences dont il faudra faire preuve pour terrasser vos ennemis et sortir vainqueur de cette guerre.

Outre les magnifiques graphismes que nous offre la PSP, le système de combat de Crisis Core est d’une richesse sans faille. Original et intuitif, nous avons le droit à des combats qui se rapproche de l’action/RPG puisque durant les affrontements nous pouvons déplacer Zack et esquiver ainsi les attaques de nos adversaires. L’utilisation des Matéria (la magie) se fait de la même manière que dans Final Fantasy VII et le système de limites (attaques spéciales du personnage) et d’invocations jouent sur une roulette qui doit aligner les trois mêmes têtes du personnage principal. Les limites sont en réalité l’intimité qu’à Zack avec le personnage en question, donc plus il se rapprochera d’un personnage et plus sa puissance s’en trouvera augmenter considérablement. L’association des têtes avec les chiffres apportent aussi un petit plus lors des combats comme des compétences supplémentaires (utilisation de magies à l’infini, invincibilité, etc.). Pour entrecouper l’histoire, des missions sont accessibles à partir du point de sauvegarde. Des missions extrêmement simples qui durent généralement 5 à 15 minutes maximum (parfait pour y jouer quand on attend le bus ou dans le métro) et qui donne accès aux invocations ainsi qu’à l’expérience puisque plus vous ferez de combats et plus le pourcentage de la roulette permet d’augmenter votre équipement (Matéria principalement). Le jeu a une durée de vie d’environ 15 heures sans compter les missions qui ne sont pas obligatoires mais qui sont très utiles si vous voulez avoir l’occasion acquérir toutes les invocations qui se déroulent en images de synthèse d’une véritable beauté cinématographique !

Cet opus PSP semble être le dernier jeu prévu pour le projet inspiré de Final Fantasy VII. Il révèle les derniers secrets du scénario de l’œuvre originale, ainsi que les nouveaux détails apportés par les autres licences FF7. Profitant largement de la puissance de la console, Crisis Core est intégralement en 3D et ses superbes cinématiques et séquences vidéo nous immergent dès les premières secondes du jeu. C’est bien entendu Tetsuya Nomura aux commandes du chara design des nouveaux personnages, introduits dans le scénario, par Kazushige Nojima. Le jeu est d’ailleurs réalisé par l’équipe de Hajime Tabata, à qui l’on doit Before Crisis (sur téléphone portable). Et la musique est signée Takeharu Ishimoto qui s’illustre une nouvelle fois avec une musicalité qui va au-delà de tout entendement (achetez l’OST, les musiques rivalisent sans problème avec celle de Final Fantasy VII). Crisis Core nous conte une véritable histoire originale et poignante, entre un Sephiroth humain qui souhaite sauver ses amis d’enfance (Angeals et Genesis) puis un Zack naïf et attachant. Le jeu nous entraîne au plus profond des secrets de Final Fantasy VII, c’est la première fois qu’un RPG propose une histoire aussi humaine. Bien au-delà d’une licence, Crisis Core est un témoignage sur la pensée et la vie. Si l’on devait définir ce jeu, on dirait que c’est un jeu lyrique en employant le terme dans le sens subjectif et qu’il véhicule une philosophie de la vie. La vie devient un processus biologique et la vraie question de l’immortalité passe au second plan. C’est d’ailleurs l’écrivain chinois Lin Yutang qui a dit un jour : « L’homme désire vivre, mais il lui faut vivre sur cette terre et non dans le ciel ». Loin d’être un simple produit commercial, ce titre à une valeur sentimentale pour n’importe quel passionné de RPG puisque qu’il démontre de manière unanime la beauté d’un univers unique où l’émotion nous tient jusqu’aux dernières secondes de la fin, et surtout nous fait part, de la conception de l’humanité.

Le jeu est actuellement sorti aux Etats-Unis ce qui laisse présager une adaptation française d’ici quelques temps. Si comme moi, vous n’en pouvez plus d’attendre, je vous conseille le site Play-Asia pour commander en USA le jeu Crisis Core compatible avec toutes les PSP puisque qu’il n’y a pas de zonage. En attendant Final Fantasy XIII à la fin de l’année (ou début 2009) et le remake de Final Fantasy VII sur PS3 pour 2011, Crisis Core est le RPG à posséder absolument car le jeu en vaut vraiment la chandelle. Un site spécialisé dans l’univers FF s’occupe soigneusement d’établir des fiches complètes ainsi que de l’actualité de la saga, c’est par ici.

(Je tiens à remercier tous les sites qui m’ont permis de constituer cet article !)

C’est en 2008, que Kazuya Minekura, auteur de Saiyuki, autorise l’adaptation de son manga Bus Gamer (terminé en 2002), une série shônen dont l’intérêt des trois épisodes réside dans l’accomplissement d’un objectif simple pour trois personnages qui ne se connaissent pas du tout mais qui doivent unir leur force pour gagner. C’est à Naoyuki Kuzuya qu’on confie la réalisation, qui a travaillé notamment sur les OAV Art of Fighting et Fatal Fury. Malheureusement à la suite de ce premier épisode, l’animation se trouve être terriblement fade, les combats sont d’une laideur rarement atteinte à la différence de la saga Saiyuki par exemple pour reprendre une adaptation de l’auteur. Les musiques sont d’une pauvreté rythmique déconcertante, à croire que fêter les six ans du manga Bus Gamer est revenu à en faire une daube animée sur tous les plans. Donc ne remercions pas Hiroyuki Nagashima qui s’est occupé des musiques. Etant un fan de la saga Saiyuki, je juge très durement les adaptations de Kazuya Minekura, et en voir une aussi ratée est inadmissible (alors que le manga est une perle) surtout lorsqu’on sait que le studio en charge du projet est Studio Izena qui a travaillé en collaboration sur l’excellente série Tactics et le très bon shônen The Law of Ueki. Le premier épisode ne donne pas du tout envie de voir la suite, cependant vu le nombre restreint d’épisodes, je ne peux que conseiller de se faire sa propre opinions sur l’ensemble.

Toutefois, la personnalité des protagonistes demeure fidèle au style de son auteur. On retrouve avec plaisir la célèbre alliance des deux gros durs qui ne s’apprécient pas et du petit jeune naïf et attachant qui va tout faire pour unir le groupe tels des frères. Mais bon, cela n’arrive pas à surprendre, ni même à convaincre, non pas parce que le graphisme est moche puisqu’il est convenable mais loin d’un style soigné à la Saiyuki. Que voulez-vous que je vous dise sur l’histoire ? L’intrigue est inintéressante et l’anime se concentre uniquement sur des passages de parlottes sans intérêt. À croire qu’il faut passer une licence de littérature pour structurer un peu plus les dialogues car on atteint un niveau de discussion des plus bas (« Je veux manger des râmens !!! », « J’ai mal au ventre », « Où se trouve les toilettes ? », « Je ne sais pas trop me battre »… et j’en passe). Pourtant l’anime aurait pu avoir des atouts pour plaire, mais à vouloir faire dans le commercial on se retrouve à jouer dans la cours des petits car Studio Izena n’est pas prêt de faire falloir ses compétences avec une série aussi mal animée. Bref déçu de Bus Gamer mais cela ne m’empêchera pas de voir les deux derniers épisodes. Donc un anime uniquement pour les vrais fans de l’auteur car pour les autres, je ne peux que vous conseiller de passer votre chemin.

Un petit aperçu de la série par le biais du site officiel.

Heat est ce que j’appelle un manga à but intellectuel, c’est-à-dire que l’auteur, Buronson, à qui ont doit le scénario de Hokuto no Ken et Sanctuary, traite d’actualité et analyse le milieu mafieux japonais de façon minutieuse. En effet, Buronson s’inspire de faits réels des années 90 pour concevoir Heat et ainsi il obtient en 2002 le prestigieux Shogakukan Manga Award. Un tel projet méritait un dessinateur de talent, un dessinateur qui partage la même vision et qui porte le même intérêt pour la littérature. Qui mieux que Ryoichi Ikegami, à qui l’ont doit le mythique manga, Crying Freeman, pouvait prétendre travailler au côté de Buronson. Ces deux artistes sont de vieux amis et n’hésitent pas à collaborer ensemble dès que l’occasion se présente. C’est pourquoi nous retrouvons ce magnifique duo pour le manga Sanctuary qui fut un best-seller au Japon. Je tiens à prévenir que quand ces deux artistes collaborent ensemble, toutes leurs œuvres deviennent des références au Japon. Cependant ces genres de manga en France peuvent ne pas plaire à tous le monde (il faut de tout pour faire un monde), car certains lisent pour s’évader, d’autres pour se divertir, ou encore pour faire comme tout le monde. C’est ce qu’il y a de bien avec le manga, il n’y en a pas au rabais, chacun à son style donc ces qualités et ces défauts. Heat est beaucoup plus qu’un simple manga, il incarne à lui seul un monument dans le domaine de la bande dessinée japonaise, et surtout il relève le niveau des mangas déconcertant qui sortent en France actuellement.

Disponible en France grâce aux éditions Kabuto, Heat met en scène Karasawa Tatsumi, un usurier et copropriétaire d’un club dans le quartier Kabuchi-cho (quartier des plaisirs et du divertissement à Tokyo). Associé avec son ami, Itami, Karasawa est un vagabond qui souhaite faire du quartier Kabuchi-cho un havre de paix. Malheureusement, Karasawa à un problème avec l’autorité, ce qui l’incitera à prendre en main la direction du quartier Kabuchi-cho. Nous voici spectateur de son ascension dans ce quartier détenu par les plus puissants Yakuza mais surtout par des politiciens qui ne sont pas prêt à laisser cette mine d’or aux mains d’un rebus de la société. Le personnage de Karasawa Tatsumi est assez difficile à cerner puisqu’il se considère comme une Grue, le faible oiseau qui à la faculté de manipuler ces prédateurs par son envol. Tatoué d’une grue au dos qui marque sa liberté, il va créer une véritable philosophie à travers les chapitres dont tous ceux qui seront à son contact entreverront le chemin qui mène au noble sentier octuple. Attention, ne pas confondre Heat avec Sanctuary pour ceux qui l’ont déjà lu, parce que ça ne traite pas d’un yakuza qui prend possession d’un quartier et qui se bat contre les autres clans. Mais d’un homme honnête qui va devoir se salir les mains pour assurer une vie paisible à ceux qui l’entourent. Ce qui lui vaudra les foudres de différents clans yakuza et de personnes très influentes qui désirent garder le contrôle de ce quartier car c’est une énorme source de revenus pour les plus corrompus. Malgré tout, le code d’honneur de Karasawa est universel, n’importe qui peut être convaincu par son engagement envers ces principes et cela lui apportera le soutien de certains yakuza et fonctionnaires qui verront en lui l’honneur du samouraï.

Derrière la fiction se cache une part de réalité, c’est d’ailleurs une analyse minutieuse du milieu mafieux japonais pourrait-on dire. Buronson a voulu constituer une série qui montre jusqu’où un homme peut se battre pour ces idéaux et ses principes même si cela le conduit à prendre la voie du crime. L’auteur a également avoué que Heat était pour lui, beaucoup plus qu’une histoire sortie de son imagination mais une étude sérieuse établit à partir de longues recherches complètes et de contacts avec des yakuza qu’il a interviewé. La psychologie de Karasawa Tatsumi ne laisse pas indifférent car elle est réelle, nous sommes en présence d’un individu, qui considère la vie comme une bénédiction et qui ne peut supporter que les plus forts s’attaquent au plus faibles. Engagé dans ces actions, et prêt à revendiquer ces choix, Heat nous montre avec classe, l’étendu d’un homme qui deviendra vite une référence pour les lecteurs. Karasawa est un anti-héro puisque sa façon de résoudre les problèmes qui l’entoure se rapproche de celle d’un yakuza et non d’un bon citoyen. La différence entre yakuza et Karasawa ? Le fait qu’il ne dépend d’aucun clan, d’aucune autorité, nul ne peut le commander, et que ceux qui travaillent pour lui sont tous maîtres de leur destin, prennent leurs propres décisions pour ne rien regretter par la suite, savoir jusqu’où chacun est capable d’aller afin de protéger ce pour quoi ils vivent. Dans ce manga vous retrouverez gunfights, combats à mains nues et enquêtes policières, amitiés, trahisons, etc. Heat est si riche littérairement parlant qu’il est difficile d’énumérer les styles dont il est constitué, on a de tout sachant que la toile de fond est l’univers des yakuza.

Qui est Karasawa Tatsumi ? Une histoire romancée inspiré d’un homme ayant réellement vécu dans un Tokyo des années 80/90 et qui a voué sa vie à faire du quartier Kabuchi-cho un lieu où la cohabitation des différences soit un atout pour le Japon et non un sujet de collision. Aussi bien poignant que captivant, Heat mélange les genres tout en gardant une originalité jusqu’alors inégalée. Chaque personnage à un rôle important car dans la vie, il est impossible d’être doué dans tous les domaines et de tout connaître. La diversité des personnages apportent un réel intérêt dans l’histoire car Karasawa seul n’est rien, c’est avec sa « bande » qui s’agrandit de volume en volume qu’il peut imposer sa vision de liberté autour de lui. On est très loin d’un personnage comme Ryô Saeba par exemple, cette fois-ci nous sommes en présence d’un personnage qui gagne en force grâce à tout ceux qui l’entoure. Withman a dit un jour, « il y a en chacun de nous, une conscience, une pensée qui s’élève, indépendante, séparée de toutes les autres, calmes comme les étoiles, brillant éternellement. ». C’est ainsi que je qualifierai Karasawa Tatsumi. Pour Karasawa, la jouissance de la vie comprend beaucoup de choses. L’essence du bonheur en nous-mêmes, en la vie, en la famille, en la nature (arbres, fleurs, nuages, ciel, terre…), mais également en l’art (poésies, littératures, cultures, etc.), dans les relations entre les individus, toutes sont des formes de communion de l’esprit et amènent au bonheur. Le personnage principal a plus de défauts que de qualités car il est humain. Chaque page qu’on tourne nous fait prendre conscience que le bonheur est à nos pieds, et qu’il n’y a pas besoin d’être milliardaire pour profiter des moments qui ponctuent chaque jour notre quotidien. Le plus surprenant est aussi l’évolution de Karasawa, qui mûrit à chaque nouveau tome ce qui a pour conséquence de rendre l’histoire encore plus bouleversante car nous suivons ce personnage à travers le temps qui s’écoule. Heat demeure pour beaucoup, un des meilleurs mangas publiés en France (avec Berserk, Jojo’s Bizarre Adventure, Hokuto no Ken, Sanctuary, Grappler Baki, et d’autres qui innovent encore et toujours le manga), et je remercie les éditions Kabuto qui grâce à leurs choix judicieux de favoriser les œuvres de Buronson et Ryoichi Ikegami, nous font partager une culture japonaise mal connue.

Alors le manga Heat, simple bouquin ou véritable doctrine ? Chacun est libre d’y voir ce qu’il souhaite, pour ma part, je vois à chaque nouveau volume de Heat, une mine de savoir qui enrichit considérablement ma culture générale mais également mon ouverture d’esprit. Il est vrai que les fans de manga sont considérés comme des communautaristes (restant qu’entre eux), Heat ouvre véritablement la porte qui séduira tous ceux qui souhaitent découvrir un Japon réaliste et haletant ainsi qu’une pensée littéraire du savoir vivre en société. Mon article trop subjectif ? Très certainement, cependant, il faut savoir regarder au delà des murs, et se faire sa propre opinion sur ce qui nous entoure. Le manga Heat est une source riche traitant de la relation entre les gens, chose qu’en France nous perdons de plus en plus. L’individualisme a prit le pas sur la solidarité, la peur s’est imposée contre la découverte des différences qui constitue la nation française. Diviser le peuple pour mieux régner, tel est la politique française. Dans une époque où l’incertitude s’étend, il est temps de prendre position, et penser par soi-même. Mettre de côté tous les préjugés c’est ce que le manga Heat essaye de faire passer comme message. Heat n’est pas unique, mais original, tout comme d’autres manga. Ce style doit nous amener à prendre conscience qu’il n’y a pas d’ennemis autour de nous mais des différences qu’il faut apprendre à connaitre car chaque chose qui nous est étranger nous enrichis personnellement, spirituellement, culturellement, etc. Je terminerai mon article sur le manga Heat avec les mots de Riku Jôshima : « Notre monde est dominé par la discrimination ! L’inégalité devant les aptitudes constitue la base de sa mécanique ! Que comptes-tu faire ? »

Dans la mythologie grecque, Mnémosyne est la déesse de la Mémoire, fille du Ciel et de la Terre. Xebec et Genco nous offrent un vrai plaisir visuel et scénaristique pour cette nouvelle année 2008, avec l’adaptation contemporaine du mythe, Mnemosyne no Musume-tachi de son nom. Qui ne connait pas encore Xebec ? C’est le studio à qui l’on doit les excellentes séries Sorcerer Hunters (1995), Negima! (2005), Busô Renkin (2006), The Third (2006) et biens d’autres.

S’il y a un endroit où vous aimeriez vous reposer, c’est dans votre propre mémoire. William Michaelian

L’histoire se déroule dans les années 90, Rin Asôgi dirige une agence de détective, dans le quartier de Shinjuku à Tôkyô. Elle est assistée par Mimi, une jeune fille qui gère la comptabilité et s’occupe de tous ce qui touche au domaine informatique (piratage, recherche d’informations, détournement etc.). C’est au cours d’une de ces enquêtes, qu’elle vient en aide à un jeune homme amnésique du nom de Maeno Kôki, confronté à des hommes habillés en noir qui désirent l’emmener de force. Par la suite, il fait appel à Rin pour découvrir ce qui lui est arrivé. Bien au-delà d’un simple traumatisme, les troubles de Maeno semblent avoir un lien direct avec le grand laboratoire pharmaceutique Sayama situé à Aoyama et dirigé par Yamanobe Sayara. Celle-ci y mène des expériences effrayantes. De plus, comme si cela n’était pas assez, un assassin redoutable du nom de Laura s’acharne sur Rin pour objectif de la tuer une bonne fois pour toute. L’histoire est un mélange de science-fiction à la Ghost in the Shell (dans la rythmique du scénario) et de roman policier (dans la mise en scène de l’histoire). Un dur travail mené par Xebec et Genco qui réussissent à rendre la série intéressante. Série qui compte au total 6 OAV de 45 minutes chacun, visant un public adulte dû à ces nombreuses scènes de nues et de son côté gore. Tous les ingrédients de la bonne série animée sont regroupés à travers ces six fantastiques OAV que je ne peux que conseiller vivement pour tous les fans d’histoires tordues et de scènes sanglantes. Un scénar très bien ficelé guidé par une mise en scène qui assure l’absence de passages inutiles à postériori. La musique n’est pas son point fort mais l’opening et l’ending frappe fort. Un clip particulièrement travaillé sur tous les plans. À voir absolument. Sinon pour ce qui est de l’intérêt général, nous resterons encore dans le mystère vu que les six OAV ne sont pas encore toutes sorties actuellement. De mon point de vue, la série est sympathique, sans plus, mais elle a des atouts qui méritent d’être énoncés.

L’animation des combats est parfaitement bien retranscrite malgré le manque d’action où s’installe bien trop souvent des plans fixes comme savent très bien faire les studios de ces dernières années. La série sait jouer de ses charmes puisqu’il est impossible de voir passer les 45 minutes une alternance maîtrisée entre action et aventure. La rythmique entre les scènes joue un rôle essentiel dans Mnemosyne, c’est pourquoi le réalisateur, Shigeru Ueda (Elemental Gerad), a collaboré étroitement avec le scénariste Hiroshi Ohnogi (Macross Zero, Noein) afin d’établir un véritable récit romanesque pour Mnemosyne. Le chara design de Chuuô Higashiguchi s’accorde à merveille avec le genre, si bien que certaines scènes sont d’une pure beauté, comme par exemple, dans le premier OAV, où les yeux de Rin reflètent la mort. Son expression, ses yeux, son regard, tout est si bien esquissée qu’on y perçoit en elle, une déesse. Puis à d’autres moments, nous avons le droit à des plans éloignés qui laissent à désirer graphiquement parlant. Les personnages ont tous une particularité qui va amener le récit à sortir de la routine. Prenons par exemple, Rin qui joue l’extravertie et qui se trouve être une femme ayant traversée les âges avec une addiction à la violence. Mimi qui est jeune mais qui pourtant semble si adulte par son attitude, son raisonnement et qui entretient une relation ambigüe avec sa patronne. En somme, Mnemosyne met en avant la femme dans toute sa splendeur et va plus loin puisqu’il insère un message implicite assez subtil que je vais essayer de vous expliquer du mieux que je peux. Et si jamais je m’égard, je vous prie de bien vouloir m’excuser par avance. Par nature, on entend dans un contexte traditionnel, que ce qui constitue les caractères propres d’une existence donnée, oriente en quelque sorte son devenir. Il est dans la nature du feu de brûler. Il est dans la nature du lionceau de devenir un lion et pas un tigre, ou un loup. La nature contient en germe les virtualités qui sont appelées à se réaliser, conformément aux lois de la nature, lois non humaines qui déterminent le devenir de toutes choses. On pourrait dire que Mnemosyne (Rin essentiellement) contient en puissance la déesse et que les années qui s’écoulent ne fera que réaliser son Idée, l’Idée de déesse.

Une série sérieuse sans grande prétention mais qui instaure une joie de revoir l’alliance entre le sexe et la violence mise en scène de manière harmonieuse (c’est ce qui manquait à la série animée Speed Grapher pour devenir culte). Bref, la série est une richesse animée puisque chaque OAV met en scène une nouvelle histoire, de nouveaux protagonistes, une nouvelle ambiance, avec un lien entre Rin et son passé, ce qui procure une excitation nouvelle, notamment, au vu du dénouement qui est sans arrêt, incertain. Le personnage charismatique de Rin pourrait se résumer en ces quelques mots de Jean de la Fontaine :

Quand le moment viendra d’aller trouver les morts,
J’aurai vécu sans soins, et mourrai sans remords.

(merci à AnimeNewsNetwork et tous les autres sites qui m’ont permis de constituer mon article !)

Auteur : Makoto Sanda
Année de production : 2007
Nombre d’épisodes : 24
Chaines de diffusion : Chiba TV, Sun TV, TV Aichi …
Animation Production : ZEXCS (Final Approach, Canvas2, D.C. Da Capo)
Réalisateur : Itsuro Kawasaki (Arc the Lad, Yumedamaya Kidan)
Scénariste : Mamiko Ikeda (Midori Days, Emma : A Victorian Romance)
Character design : Minako Shiba (.hack//SIGN, Noir)
Compositeurs : Jun Ichikawa (Rakugo Tennyo Oyui) & Takahito Eguchi (Trinity Blood)

Itsuki Iba est un jeune lycéen sensible, naïf mais serviable ayant un don que nul ne peut imaginer. Son œil droit dorénavant bandé, est possédé par un puissant démon depuis son plus jeune âge. Loin d’être un puissant combattant, il est le seul successeur d’une organisation, du nom d’Astral. Jusqu’à maintenant, c’était son père qui en était le président jusqu’au jour où il disparut mystérieusement sans laisser de trace. Astral n’est pas la seule organisation dans son genre, mais elle est la seule du Japon, ce qui oblige Itsuki Iba à en apprendre les ficelles du métier pour continuer à aider les gens qui l’entourent. Astral est une organisation spécialisée dans l’extermination de Démons et de faits paranormaux. On y compte quatre membres actifs possédant tous des caractéristiques bien distinctes et indispensables pour ce domaine. Honami Takase Ambler est une sorcière celtique, ayant des pouvoirs magiques essentiellement d’attaques. Elle demeure une force brute pour Astral. Amie d’enfance d’Itsuki Iba, on note une légère affection ambigüe à son égard. Aussi autoritaire que gentille, ses pouvoirs sont à la hauteur de son expérience, malgré son fort caractère, aux côtés d’Itsuki Iba sa fragilité sentimentale laisse apparaître une fille amoureuse. Passons à l’énigmatique Ren Nekoyashiki. Depuis le début du VIIème siècle, on trouve au Japon des hommes qui, en observant attentivement les planètes, les étoiles, la lune ou le soleil, sont capables de prédire l’avenir. Ces personnes étaient communément appelées les « Onmyoshi ». La pensée de cet art se base sur l’énergie de l’ombre (Yin) et de la lumière (Yang). Ces deux éléments étant présents dans chaque chose afin de former des complémentarités comme le soleil et la lune, le ciel et la terre, l’homme et la femme, etc. Ces deux forces opposées sont complémentaires et l’une ne peut exister sans l’autre. Le Yin est associé à la lune qui représente la part féminine de la nature. Le Yang est associé au soleil qui représente la part masculine de la nature.

Ren Nekoyashiki (mon personnage préféré) est un Onmyoshi, ce qui lui confère le pouvoir d’invoquer des shikigamis prenant essentiellement l’apparence de chats. Il en utilise quatre s’appelant Byakki, Seiryu, Suzaku et Genbu. Rarement au combat, son intelligence lui vaut la place de stratège, et malgré son comportement détaché avec son sourire trompeur, son passé en résulte plus sombre qu’il n’en parait, on ne connaît absolument rien sur lui. Pourquoi est-il le seul membre restant de la génération passé d’Astral ? Pourquoi arrive t-il toujours lorsque Itsuki Iba est en danger de mort ? Comment a-t-il acquis ces pouvoirs ? Autant de questions qui trouveront des réponses au fur et à mesure des épisodes et du manga ! Ce qui est intéressant de savoir c’est que la religion japonaise parle souvent de nombreuses divinités bien distinctes. L’Onmyoshi était un être capable de les contacter et de communiquer avec elles. Aujourd’hui encore, il reste quelques rares familles anciennes qui se transmettent ce savoir, mais cet art et ses connaissances ont disparu au fil des ans. Mikan Katsuragi est une prêtresse Shinto. Pour comprendre le personnage, chers amis, il faut avoir une idée de ce qu’est le Shintoïsme ? Le Shinto est la voie de la Nature. Plutôt que de se focaliser sur une théologie ou sur une doctrine, il se centre sur la pratique appelée Jissen. La pratique du shinto nous permet de vivre en harmonie avec le cycle sans fin de la Grande Nature. Dans le Shinto, tous les êtres humains sont considérés comme des êtres sacrés ou les descendants de Kami (l’Empereur du Japon). Aussi, nous avons donc tous la Nature de Kami (divinités spirituelles) à l’intérieur de nous, et nous sommes nés avec la capacité de résoudre les problèmes et de créer une vie de bonheur et de paix pour les autres et pour nous même.

Les Miko sont de jeunes femmes au service d’un temple Shinto. La tradition des Miko remonte aux anciennes époques du Japon. Dans les temps anciens, les femmes qui entraient en transe et rapportaient des prophéties ou les paroles des dieux, à la manière de la Pythie de Delphes en Grèce antique, étaient appelées Miko. Plus tard, on appela Miko de jeunes femmes gardiennes dans les sanctuaires et les temples Shinto. Il s’agissait souvent des filles des prêtres qui s’occupaient des sanctuaires. Mikan Katsuragi est une jeune fille surexcitée au caractère bien trempé mais toujours prête à aider les autres. Son jeune âge ne l’empêche pas d’avoir un grand sens des responsabilités et c’est son principal atout pour l’organisation Astral. Elle se spécialise dans les sorts de purifications et de protections. Manami Kuroha, nouveau membre chez Astral, elle a tout oublié de son existence passée. Apprentie aux multiples personnalités, elle s’occupe essentiellement des tâches ménagères, mais possède un don qui loin de la magie n’en demeure pas moins utile. D’autres personnages apparaîtront tout au long de l’histoire comme Adilisia Lenn Mathers, rivale d’Honami depuis qu’elles se sont connues dans une école de magie anglaise. Sekiren le moine bouddhiste, Daphné spécialisée dans les sorts défensifs, Lapis la mignonne Homonculus, Yudaikus Tholoide l’un des fondateurs d’Astral avec le père d’Itsuki et bien d’autres qui apporteront une pierre à l’édifice Rental Magica !

Être objectif lorsqu’on regarde une série est assez difficile, car on a tous des goûts différents qui viennent modifier notre jugement. Rental Magica en série animée ne m’intéressait pas du tout surtout que je connais le manga que je n’apprécie pas spécialement non plus. Le premier épisode n’apporte aucune innovation, il n’y a aucune ligne directrice mise à part le fait que l’organisation Astral est spécialisée dans la chasse aux fantômes. L’animation est sans doute le point fort de la série et c’est la seule raison de s’accrocher lorsque les passages des épisodes sont inintéressants. Toutefois, Rental Magica acquiert durant les épisodes (à partir du cinquième) un style qui rend l’animé unique. La relation entre les personnages apporte une brise d’air frais dans l’univers étouffant du fantastique. Les combats plutôt réussis et les histoires des épisodes donnent à la série suffisamment de crédibilité pour poursuivre l’aventure. La consécration revient au personnage principal qui derrière son air naïf demeure charismatique une fois qu’il fait appel aux pouvoirs qui sommeil en lui. Les histoires qui ponctuent le périple d’Iba prennent des allures de morales et interviennent contre les préjugés. De plus, Rental Magica a su trouver le moyen d’intéresser les spectateurs en se risquant à ficeler l’histoire de manière aléatoire (enfin pas si hasardeuse que ça), car les épisodes ne sont pas chronologiques, afin de mettre en avant une approche différente des évènements comme si nous étions un personnage de l’histoire et que seules quelques informations nous parvenaient. Ensuite, c’est à nous de répondre à nos propres interrogations en fonction de ce que nous connaissons. Par la suite, les épisodes suivants révèleront la vérité en temps et en heure. Un jeu qui n’est pas déplaisant puisque cela ajoute une touche d’originalité dans ce récit rocambolesque. Les 15 premiers épisodes ont été diffusés dans le désordre. C’est surtout notable sur les épisodes de 1 à 6. Une série agréable à visionner, action et humour sont au rendez-vous pour un plaisir qu’on ne se refuserait pas. Loin d’être une série évènement, si vous avez du temps à perdre, regardez Rental Magical, ça vous évitera d’en perdre.

La première partie de l’article traite du premier film d’animation de Black Jack produit en 1996 et sorti en France en 2001, quant à la deuxième partie de l’article c’est le film Futari No Kuroi Isha sorti en 2006 qui s’impose !

Inspiré du manga d’Osamu Tezuka, le premier film d’animation de Black Jack invite sur les terres de l’expressionnisme allemand et du romantisme anglais du 19eme siècle. Et voilà, quand on parle de Black Jack, on tombe immédiatement dans du technique. Je vous avais prévenu, les travaux d’Osamu Tezuka sont de véritables œuvres littéraires donc pour les comprendre, il faut bien sur avoir quelques connaissances dans ce domaine. Ne vous inquiétez pas Reith Saji est là !

Qu’est-ce que l’expressionnisme ? C’est une tendance artistique caractérisée par une vision émotionnelle et subjective du monde, qui s’affirme notamment dans le premier quart du XXe siècle et qui privilégie l’expressivité par rapport au respect d’un code formel.

Qu’est-ce que le romantisme ? C’est un ensemble des mouvements intellectuels qui, à partir de la fin du XVIIIe s, firent prévaloir le sentiment sur la raison et l’imagination sur l’analyse critique. C’est le caractère de quelqu’un qui se laisse dominer par l’imagination et se passionne pour les actions généreuses mais utopiques : « Le romantisme de la jeunesse. »

Ce premier film d’animation de 2001 est le partenariat entre la Tezuka Production et Shochiku corporation, réalisé par Osamu Dezaki. Osamu Dezaki, est l’un des maîtres de l’animation japonaise. Il réalise lui-même les story-boards de ses films et définit le design des personnages, ce qui est rare parmi les réalisateurs d’animation de notre époque. Digne héritier du maître Tezuka, Dezaki a officié comme réalisateur sur les séries telles que Rémi sans famille, Ashita no Joe en 1970, Jeu set et Match ! en 1973, l’île au trésor en 1978, Lady Oscar en 1979, Cobra en 1982 (de Buichi Terasawa), Très cher frère (Onii sama He), Mad Bull 34 en 1991, les OAV de Black Jack de 1993 à 1998, Golgo 13 : Queen Bee en 1998 et le film d’animation Air en 2005.

Black Jack movie one est disponible en coffret collector à 15€ (à posséder absolument), la maison d’édition HK VIDEO (www.metrofilms.com) rend honneur à ce chef d’œuvre en proposant dans son fantastique coffret collector le volume 1 du manga Black Jack édité chez Asuka, 6 cartes grand format illustrant les personnages du film sans oublier un petit livret complet sur l’auteur, le réalisateur et Black Jack !

Le film d’animation 2001 bénéficie d’un graphisme particulièrement travaillé en plus d’un suspens fascinant qui donne au film toute sa consécration. Dans un ton très réaliste, et traitant d’un sujet toujours d’actualité, Black Jack reçoit pour mission de sauver des athlètes dont la vie est menacée par un puissant produit dopant qu’il refuse malgré l’offre alléchante. Toutefois, sa jeune protégée Pinoko est kidnappée et notre docteur sans diplôme se voit contraint d’accepter.

5 ans plus tard, le 2eme long métrage fait son apparition ! Loin du précédent style, Osamu Dezaki s’adonne à un design plus proche de son maître et tire sa force par sa mise en scène travaillée qui rend le film plaisant sans trop de longueur avec un rythme régulier mélangeant action et suspense vu que pour la première fois, les 2 docteurs ennemis se retrouvent à travailler ensemble.

Le film Black Jack, Futari No Kuroi Isha, a été produit en 2005 (sortie en 2006) dans le but de lancer la série Black Jack 21 en 2007 (Article disponible ici). Un film d’animation qui perd un peu de son charme quand on voit la qualité du premier film (2001) et de la série Black Jack 21 (2007).

L’histoire est surprenante, des terroristes font exploser un centre commercial. On propose à Black Jack qui est en prison, d’échanger sa liberté contre ses talents de chirurgiens pour porter secours à une victime coincée dans les décombres. Des milliers de personnes ont péri lors de cette attaque, et les survivants sont gravement atteints. Proposant ses services à des prix toujours aussi élevés, certains patients se tournent vers le docteur Kiriko, spécialisé dans l’euthanasie (Acte d’un médecin qui provoque la mort d’un malade incurable pour abréger ses souffrances ou son agonie, illégal dans la plupart des pays).

Un mois après le drame, un groupe de personnes fait appel à Black Jack, dans le but qu’il puisse trouver un remède contre une maladie qui se répand sur une île. Cependant, il découvre que ses clients sont les terroristes, et comme si cela ne suffisait pas, le docteur Kiriko est aussi employé pour s’occuper des patients qui souffrent trop.

Théodore Agrippa d’Aubigné a dit : J’aime à voir de beautés la branche déchargée, À fouler le feuillage étendu par l’effort, D’Automne, sans espoir leur couleur orangée, Me donne pour plaisir l’image de la mort.
Black Jack est une œuvre littéraire qui ne cesse de se nourrir des courants de pensées si bien qu’on retrouve ce passage précisément dans ce film.

Peux-tu sauver le monde avec ce scalpel ? Une course contre la montre est lancé ; « une vie est une vie, il n’y a pas de distinction à faire, je les sauverai ! » telles sont les paroles de Black Jack face à son ennemi de toujours, Dr. Kiriko.

Les 2 docteurs des Ténèbres (Futari No Kuroi Isha) est une très belle histoire qui met en avant les 2 côtés de ceux qui ont décidé de vouer leur vie à sauver les gens. L’un en utilisant son scalpel pour éradiquer le mal qui ronge la vie humaine et l’autre utilisant ses capacités pour apaiser la douleur des malades. Il n’y a pas de bons ou de mauvais, uniquement 2 voies différentes qui répondent à l’appel d’une vie humaine. Et si une coopération devenait indispensable pour sauver des vies humaines ? Découvrez le dénouement d’une histoire originale du grand Osamu Tezuka !

(Merci à toutes les sources que j’ai utilisé afin produire ce petit article !)

Que ceux qui connaissent Kenji Miyazawa lèvent le doigt ? Charles Baudelaire exprimait devant un tribunal : « Il n’existe que trois êtres respectables : le prêtre, le guerrier, le poète. Savoir, tuer et créer. ». Kenji Miyazawa (1896-1933) est l’un des plus grands écrivains japonais du 20e siècle qui vécu humblement jusqu’à sa mort utilisant à merveille rythmes et sonorités.

Il ne fut pas célèbre de son vivant, vivement critiqué par son entourage, et dénigré par les agriculteurs de sa région, cet honorable poète a cependant consacré sa vie à nourrir la mentalité de ses élèves. Un professeur digne de sagesse qui pensait que la vie ne s’arrêtait pas à l’argent et qui décida de quitter le cocon familial de la haute bourgeoisie pour vivre auprès des paysans afin de comprendre le sens de la vie, des inégalités. Épictète à dit un jour : « Homme, si tu es quelqu’un, va te promener seul, converse avec toi-même et ne te cache pas dans un chœur. » Persécuté, critiqué, incompris… Kenji Miyazawa ne perdit jamais espoir, il continua son écriture afin que le monde puisse ressentir ce qui l’entoure même si cela lui valu de vivre dans une solitude profonde.

Une réalisation maîtrisée, animée par de belles séquences où se mêle magie et beauté. Spring & Chaos porte son intérêt beaucoup plus loin qu’une simple biographie romancée. On peut y voir la signature d’un prodige de l’époque qui a sacrifié sa vie à la compréhension du monde. Ingénieur agricole, il consacra sa vie à l’amélioration des conditions de vie des paysans.

Difficilement accessible, Spring & Chaos s’adresse avant tout à un public littéraire bien que cela n’empêche pas aux autres d’apprécier la belle histoire. Nous suivons une partie de la vie de Kenji Miyazawa, fils d’un prêteur sur gage, qui s’intéresse à la littérature, à la poésie, l’astrologie et la cosmologie. Rêveur et conteur, il désire comprendre les lois qui régissent le monde. Dans un contexte de guerre, il devient professeur et enseigne à Hanamaki sa ville natale, dans le nord du Japon où il essaye d’inculquer à ses élèves les véritables notions de la nature et non une récitation simpliste de leçons préfabriquées par une Société.

Un homme incompris de son temps qui s’acharna à persuader à travers ses textes et son mode de vie que le bonheur réside à nos pieds et qu’il suffit de le cultiver à notre échelle pour en acquérir les fruits. (Fervent bouddhiste, il concevait la littérature comme une mission.) Un film d’animation qui sensibilise malgré tout. Une sélection que je conseille vivement pour ceux qui souhaitent élargir leur culture japonaise car ses œuvres font désormais parties des classiques.